"Con los ojos bien abiertos" es el anticipo, o más bien el anticipo de un nuevo gran museo en Moscú, el del Impresionismo Ruso que abrirá sus puertas en la capital rusa el próximo otoño. Para anunciar y dar a conocer el que está llamado a ser uno de los "museos de visita obligada" para todo turista que viajará a Moscú, la dirección de la futura institución ha decidido adelantar la apertura al público con dos importantes avances: el primero se celebró en Rusia, en el Museo de Ivanovo, a principios del pasado otoño y ahora le toca el turno a Venecia, única parada en el extranjero. Aquí, del 13 de febrero al 12 de abril, en el Palacio Franchetti, el público italiano e internacional podrá admirar 50 obras maestras del futuro museo de Moscú, lo mejor de lo mejor de su impresionante colección de arte. Una "tarjeta de presentación" extremadamente refinada, para anunciar una colección de seguro interés internacional.
La exposición veneciana está comisariada por Yulia Petrova, directora del Museo del Impresionismo Ruso, y por Silvia Burini y Giuseppe Barbieri, responsables del Centro de Estudios sobre las Artes de Rusia (CSAR) de la Universidad Ca' Foscari y de una serie de prestigiosas y apreciadas actividades expositivas que desde 2010 han difundido algunos aspectos esenciales del arte ruso de los últimos dos siglos en Italia. Es un indicio interesante de la política cultural original y de la misión especial de la institución moscovita: promover, a través de exposiciones temporales, en Rusia y en el extranjero, el conocimiento de una corriente relevante en el arte ruso, en particular la que caracteriza el período comprendido entre el finales del siglo XIX y principios del XX, una etapa aún poco conocida, aparte de algunos grandes nombres, del desarrollo artístico y el papel internacional del arte moderno ruso.
Las 50 obras se exponen en un itinerario que reúne temáticamente temas contiguos (el paisaje, la escena urbana, la figura en un interior), con la debida pero no siempre vinculante atención a la cronología. El momento de mayor florecimiento del impresionismo en Rusia es unas décadas después del punto de inflexión en el arte francés que se produjo entre las décadas séptima y octava del siglo XIX, y comprende especialmente la última década del siglo y principios del siguiente. Pero esto no quiere decir que pueda considerarse la variante provinciana del francés o incluso la esporádica elección de estilo de algún pintor. De hecho, el impresionismo ya se había convertido en el punto de referencia oportuno para la obra de paisajistas como Fedor Vasil'ev, había influido en las investigaciones de Polenov y Repin, tras su estancia en Francia y, gracias a estos maestros, pronto había convertido en objeto de estudio para los alumnos de la Escuela de Pintura, Arquitectura y Escultura de Moscú, algunos de los cuales destinados –como Konstantin Juon, Petr Petrovicev y Stanislav Žukovsky, todos presentes en la exposición– a un papel de primera importancia antes, durante y después del advenimiento de la vanguardia.
La tradición de pintar a la manera impresionista continúa entonces durante buena parte del siglo XX, y se documenta en la exposición con obras de Koncalovsky, Grabar', Kustodiev, Baranov-Rossiné, con otros pintores insospechados, como Sergej Gerasimov o Georgij Savickij, e incluso con artistas muy relacionados con el realismo socialista, como Aleksandr Gerasimov y Dmitrij Nalbandjan. Por otra parte, la imagen rectora de la exposición –Carteles bajo la lluvia de Pimenov (1973)– demuestra claramente cómo la matriz impresionista también caracteriza con cierto relieve el período del deshielo post-Stalin.
En definitiva, la exposición veneciana alinea las primeras remediaciones y reelaboraciones explícitas de la revolución artística francesa, destaca la tenaz persistencia, durante buena parte del siglo XX, de este acercamiento a la representación de la vida individual y sus escenarios y subraya la perdurable relevancia de esta matriz. Por ello, el arco cronológico de las obras expuestas va desde algunas raras pinturas tempranas de Konstantin Korovin, el exponente más famoso del impresionismo ruso, y de Valentin Serov hasta años muy recientes, con pintores como Vladimir Rogozin y Valerij Košljakov, a quienes ciertamente pueden considerar "impresionistas" en sentido estricto pero para quienes la investigación de sus antecesores a finales del siglo XIX fue fundamental y que hoy recogen su legado, ideal y efectivamente, en clave contemporánea.
El Museo del Impresionismo Ruso de Moscú nació de la colección privada de Boris Mints, iniciada hace más de diez años, también a través de la compra en el mercado occidental de una serie de pinturas que han regresado así a Rusia y que pronto estarán a disposición de los visitantes. del Museo.
Sin embargo, el Museo del Impresionismo no exhibe únicamente una colección privada. Existe una firme voluntad de crear, mediante el uso de nuevas tecnologías (algunas de las cuales se probarán por primera vez en la exposición de Venecia), un espacio que involucre a visitantes de diversos orígenes y niveles. En definitiva, el museo se concibe como un espacio dinámico e interactivo, donde la exposición permanente irá acompañada de estructuras y actividades educativas y de investigación sobre las colecciones del propio museo. Está prevista una sala de cine y un espacio para exposiciones temporales.
Como hemos mencionado, la de "impresionismo ruso" es una definición que tiene límites muy amplios. El Museo recoge, por tanto, obras de los maestros clásicos de la época más propiamente atribuibles a esta corriente histórica, así como de pintores que han encontrado en la matriz impresionista, aunque sólo sea durante una parte de su carrera, una referencia insustituible para sus investigaciones y sus evolución.
Los historiadores del arte están acostumbrados a fechar la aparición del nuevo arte en Rusia en 1863 (el año de Le déjeuner sur l'herbe y l'Olympia de Manet). En ese año, un grupo de jóvenes pintores se rebeló contra la autoridad hasta entonces incuestionable de la Academia de las Artes de Petersburgo. La principal consecuencia de este gesto fue el nacimiento de un segundo polo de influencia artística, Moscú, donde, en 1870, con la ayuda de un apasionado marchante de arte, Pavel Tret'jakov, se creó la Sociedad de Pintores Itinerantes (Peredvizhniki). El objetivo era difundir el conocimiento artístico fuera de las grandes ciudades, con exposiciones itinerantes. La Sociedad permaneció activa hasta 1923, organizó más de 50 exposiciones y desempeñó un papel importante en la apertura de una nueva fase del arte ruso.
La estética de los Buhoneros marcó a la siguiente generación, pero también supuso una completa reorientación del arte ruso que hasta entonces había seguido las grandes escuelas europeas sin mostrar verdadera originalidad. El Ambulanti apuntó decididamente al realismo y al compromiso en la vida social. Su principal referente cultural fue Lev Tolstoi, cuyas opiniones compartieron mucho antes de que él las expusiera claramente en Cto takoe iskusstvo (Qué es el arte, 1898).
A partir de 1874, Savva y Elizaveta Mamontov comenzaron a reunir un grupo más o menos permanente de artistas rusos en su finca Abramtsevo. Los fundadores de este "grupo" fueron Repin, Polenov y Valentina Serova, junto con su hijo Valentin, y más tarde se les unieron los hermanos Viktor y Apollinarij Vasnetsov, Korovin y Vrubel'. Discutimos, trabajamos y hablamos sobre el arte medieval ruso y popular. Se practicaba la pintura y la escultura, pero también las artes aplicadas (la iglesia de Abramcevo es obra colectiva de Vasnecov, Polenov y Repin), había incluso un teatro de ópera privado donde se representaban numerosos espectáculos, como La doncella de nieve de Rimsky-Korsakov.
El Corista (1883) de Konstantin Korovin (1861-1939) es probablemente la primera obra impresionista rusa: se adelantó a su tiempo y no fue comprendido por sus contemporáneos. Y sin embargo se pueden percibir los dos elementos típicos de su enfoque impresionista: el decoratorismo y la tendencia al estudio-boceto, evidentes en sus paisajes parisinos ejecutados a partir de 1900. Son escenas nocturnas, la ciudad se inunda de luz, Korovin insufla vida a los episodios que transcurren en la calle, gracias a grandes pinceladas impulsivas, casi toscas. En sus paisajes hay una atmósfera teatral, y esto no es de extrañar, dado que el artista era también un buen escenógrafo teatral, especialmente famoso por sus creaciones para óperas.
La obra de Korovin ocupa un lugar central en la tradición moscovita y constituye un ejemplo eficaz del deseo de los pintores locales de lograr la espontaneidad en su representación de la vida y la belleza. A fines del siglo XIX, muchos artistas habían desarrollado un estilo más o menos común en Moscú y esta evolución condujo inevitablemente a la formación de un grupo, la "Unión de Pintores Rusos", que por un corto tiempo se unió a la "Mir de San Petersburgo". iskusstva" (El mundo del arte), aunque había diferencias irreconciliables entre los dos grupos. Los moscovitas, aunque en mayor o menor grado, estaban dominados por el impresionismo, por la necesidad de representación de la vida individual y social, mientras que los miembros de "Mir iskusstva" ya tendían hacia lo moderno (la variante rusa del Jugendstil, la libertad o el art noveau, en una suerte de “plurilingüismo estilístico”). En Rusia es muy complejo distinguir entre estas orientaciones, en primer lugar porque los dos términos están estrechamente relacionados entre sí y también porque falta esa fuerte tradición romántica a la que los artistas europeos contemporáneos pudieron referirse.
Lugar de la exposición: Palacio Franchetti
Campo Santo Stefano, San Marco 2847, Venecia
Fechas: del 13 de febrero al 12 de abril de 2015
