La exposición recorre un período importante en la obra del gran escultor lombardo, en torno a la relación entre arte y arquitectura, en relación con la metrópoli moderna, a través de 16 esculturas, 15 dibujos y 14 fotomontajes.
La exposición, titulada Francesco Somaini. Un escultor para la ciudad. Nueva York 1967-1976, comisariada por Enrico Crispolti y Luisa Somaini, organizada por el Archivo Francesco Somaini en colaboración con la Trienal de Milán, analiza a través de 16 esculturas, 15 dibujos y 14 fotomontajes, provenientes casi en su totalidad de las colecciones del Archivo Somaini y de Colecciones privadas italianas, el tema de la relación entre el arte y la arquitectura en relación con la metrópolis moderna, en el que Somaini es pionero en Italia y Europa, tanto desde el punto de vista teórico como del diseño. Se trata de una investigación, realizada en una lógica de superación de las anteriores posiciones de "integración de las artes", que el artista desarrolla a partir de los años sesenta, siguiendo el impacto con la cultura y la arquitectura de Nueva York.
De hecho, la reflexión de Somaini sobre la ciudad se inspira en el skyline de Nueva York, metrópolis asumida como símbolo de la modernidad, vivida, estudiada y fotografiada durante una serie de viajes de negocios realizados a Estados Unidos.
Su relación con Nueva York comenzó en 1960 con una exposición individual realizada en el Instituto Cultural Italiano de Nueva York. Durante sus estancias tiene la oportunidad de conocer a importantes críticos y famosos coleccionistas, entre ellos el arquitecto Philip Johnson y la familia Rockefeller, Lydia Winston Malbin, Alan y Janet Wurzburger, Joseph Hirshhorn, Seimour H. Knox II y muchos otros.
Esta extraordinaria década creativa en la carrera de Francesco Somaini continuó en 1970 con la inauguración de esculturas a gran escala, diseñadas e implementadas para las ciudades de Baltimore, Atlanta y Rochester.
Somaini confía sus ideas a una colección de dibujos de diseño, publicados en el volumen Urgencia en la ciudad, editado por el propio escultor y por Enrico Crispolti (Mazzotta, 1972), y luego procede a desarrollarlos a nivel plástico ejecutando la serie de gran fuerza imaginativa de las Carnificaciones de una arquitectura de mediados de los setenta, como la Esfinge de Manhattan de 1974 y el Coloso de Nueva York de 1976. Esculturas a entender también como maquetas de enigmáticos edificios, fruto de una original concepción formal que tiene sus raíces en la antigüedad.
Como escribe Giulio Carlo Argan, “Somaini estudió concienzudamente el problema, que implicaba su responsabilidad como artista; y llegó a la conclusión de que la institución histórica y social de la ciudad no está desfasada. La ciudad conserva una dimensión histórica; la intervención y el compromiso de los artistas en la búsqueda de una solución no sólo son posibles, sino necesarios y urgentes (…). El presupuesto de Somaini es metodológico y planificador: la tarea del artista, hoy, no es construir o reconstruir la ciudad, sino interpretarla, hacerla significativa”.
Las suyas son Archiesculturas que posteriormente se convirtieron en protagonistas de unos fotomontajes de gran impacto, realizados con el objetivo de documentar su escenario utópico para "dibujar -recuerda Bruno Zevi- un impacto provocador más incisivo y estridente".
La exposición está acompañada por un importante catálogo editado por Skira, con textos de Francesco Somaini, Enrico Crispolti, Fulvio Irace, Giulio Carlo Argan y contribuciones de Beatrice Borromeo, Fabio G. Porta Trezzi y Luisa Somaini.
francesco somaini nació en Lomazzo (Como) el 6 de agosto de 1926. Asistió a los cursos de Manzù en la Academia de Bellas Artes de Brera y debutó en 1948 en la Revista Nacional de Artes Figurativas, promovida por la Cuadrienal de Roma. Se licenció en derecho en la Universidad de Pavía en 1949. Participó por primera vez en la Bienal de Venecia en 1950. Tras una fase de reflexión sobre las experiencias de la escultura moderna internacional, recurrió al arte abstracto y logró una autonomía de lenguaje hacia mediados de los años cincuenta con obras realizadas en conglomerado férrico (Canción abierta, Forza del nascere), que marcan su adhesión al Movimento Arte Concreta y preludio de la gran temporada informal.
Llamó la atención de la crítica en 1956 con su participación en la XXVIII Bienal de Venecia. Alcanza el éxito mundial con la sala de la V Bienal de São Paulo en Brasil en 1959, donde se le otorga el 1er premio internacional de escultura, reconocimiento que le abre mercado a los Estados Unidos. En 1960 fue invitado con una sala personal a la XXX Bienal de Venecia. Al año siguiente participa en la Deuxième Biennale de Paris donde recibe el 1er premio de la Crítica de Arte Francesa. En estos años su obra encuentra el favor de críticos como Argan y Tapié. Interesado en experimentar con los materiales, el artista también funde sus obras en hierro, plomo y peltre, que luego ataca con un soplete y pule las partes cóncavas para acentuar su expresividad. It's the time of the Martyrs and the Wounded, presentada en las diversas exposiciones individuales organizadas en la Galleria Notizie de Turín, en el Instituto Cultural Italiano de Nueva York, en la Galleria Odyssia de Roma y Nueva York, en la Galleria Blu de Milán y en todas las exposiciones colectivas de escultura más importantes a nivel internacional.
Al final de la temporada informal, Somaini carga sus esculturas de valores simbólicos (Portali, 1967), donde las formas orgánicas se colocan en continua relación dialéctica con los volúmenes geométricos de trazado arquitectónico, que alcanzan cotas de alta visión con el ciclo. de Carnificaciones de una arquitectura (1974-1976). Creyendo que la escultura debe jugar un papel en la reurbanización del tejido arquitectónico urbano -madurado durante las experiencias informales realizadas a gran escala, entre 1958 y 1972, en Italia y en los Estados Unidos-, el escultor formaliza sus ideas en un teórico y utópico en una serie de estudios de diseño (Crispolti, Somaini, Urgencia en la ciudad, Mazzotta, Milán 1972). Paralelamente a la reflexión sobre la relación entre escultura, arquitectura y contexto ambiental, Somaini experimenta con una personal técnica de talla directa practicada mediante el uso de un chorro de arena a alta presión, que desde 1965 se convierte en componente fundamental de su lenguaje plástico. En 1975, el análisis conceptual de los procedimientos de laboratorio inherentes a la escultura condujo al artista a la creación de una "huella" en bajorrelieve, obtenida al rodar una "matriz" esculpida que, dejando una huella en proceso, desarrolla y revela una imagen críptica confiada a ella en negativo. Matrices y trazos introducen el elemento dinámico, la acción, la idea de un camino, de una intervención que involucra la arquitectura y el contexto urbano. Estas nuevas obras se presentan en la sala personal de la Bienal de Venecia en 1978 (Primer rastro y la escultura matriz: Antropoammonite), en la antología del Museo Wilhelm -Lehmbruck de Duisburg en 1979 (Desarrollo de un paisaje antropomórfico y matriz, 1978 -79) y en la exposición personal en el Jardín Botánico de Lucca en 1980 (Svolgimento dell'avvolto: tragic trace, 1979).
A partir de mediados de los años ochenta, Somaini vuelve a dedicarse a la ejecución de obras de gran formato, creando en Italia y Japón, donde la dialéctica de la huella lleva al tratamiento de las formas positivo/negativo, como en Porta d'Europa, Como 1995 .
El artista procede al tallado directo del mármol con el chorro de arena con aire comprimido a partir de 1975 (Antropoamonita I), actividad que continúa en obras posteriores de gran compromiso como Fortunia (1988), en una serie de Luchas con el serpiente caracterizada por una organicidad abrumadoramente vitalista, como FortunaVincitrice (2000), instalada cerca del cruce de la autopista en Como. Obras propuestas en parte en la antología instalada en el Palazzo di Brera de Milán en 1997, en la Cuadrienal de Roma en 1999, en las Bienales de Carrara en 1998 y 2000 y en la antología en el Castello di Pergine (Trento) en 2000. En los últimos años el escultor compagina cada vez más la actividad de dibujo y pictórica con la plástica. En 1999 pone su mano en una gran serie de obras sobre papel que retoma en clave fantástica los mitos y leyendas que se han desarrollado en torno al Etna, revisitados también a través de la lectura de Maria Corti (Magic Land Registry, Einaudi, 1999). En los años siguientes colocó Fortunia Vincitrice (1997-2000) y Variaciones sobre una gran escultura vertical (2001) en las oficinas del Centro Comercial Bennet en Montano Lucino (Como).
Participa en algunas exposiciones importantes, como Arte y Arquitectura, 1900-2000 comisariada por Germano Celant en el Palacio Ducal de Génova (2004), Escultura italiana del siglo XX en la Fundación Arnaldo Pomodoro y Annicinquanta. El nacimiento de la creatividad italiana, Palazzo Reale de Milán (2005). Murió en Como el 19 de noviembre de 2005. La Galería Nacional de Arte Moderno y Contemporáneo de Roma le dedica la primera retrospectiva póstuma, El período informal 1957-1964 (2007).
