Ein Teil der Ausstellung wird den Porträts und berühmten Fotos der großen Musikikonen der XNUMXer Jahre gewidmet sein, ein Teil, der nicht weniger dem zivilen Engagement (vor allem dem Kampf für die Bürgerrechte der Afroamerikaner und Inder, dem religiösen Fundamentalismus) entspricht , Vietnam, der Atomalptraum von Hiroshima, Konsumismus, die zunehmende Umweltzerstörung), über visionäre existenzielle Reflexionen aus dem „Sandwich“ mehrerer Dias (eine bahnbrechende Technik in Zeiten ohne Photoshop) bis hin zu fotografischen Illustrationen der Texte von Dylan und die Beatles und die Mode, ohne die Entwicklung der amerikanischen Gesellschaft zu vergessen, alle mit einem so originellen und visionären Blick fixiert, um Ehrungen, Preise und die Titelseiten der renommiertesten internationalen Zeitschriften zu gewinnen.
„Ich möchte die unsichtbaren Elemente einer Persönlichkeit vermitteln“, sagte Art Kane und fasste all seine Poesie in wenigen Worten zusammen.
„Ich denke an Art Kane als eine leuchtende Farbe, sagen wir, wie eine Kürbissonne inmitten eines blauen Himmels. Wie die Sonne fixiert Art seinen Blick auf sein Motiv, und was er sieht, fotografiert er, und normalerweise ist es eine dramatische Interpretation seiner Persönlichkeit“. So sagte Andy Warhol über ihn.
„Art Kane war mein Idol – erinnert sich Franco Fontana – fast eine Fata Morgana für mich, die ihn aus der Ferne bewunderte. Dann traf ich ihn 77 in Arles und wir wurden „farbige“ Brüder, verbunden durch eine unvergessliche Freundschaft und Intimität. Er war ein brillanter Mann von großer Intelligenz und Kreativität. Beseelt vom unmöglichen Mythos von ewiger Jugend und ständiger Wiedergeburt biss er bis ins Mark ins Leben: Er wollte sogar ein Musical daraus machen. Er fuhr in Velosolex durch New York und eines Abends nahm er mich mit in das legendäre Studio 54, wo ich komplett als Cowboy verkleidet ankam. Er verehrte Frauen und fotografierte sie mit einer Sensibilität und Erotik, in der ich mich voll und ganz wiederfand. Er liebte Italien, wohin er mehrmals gekommen war, sogar für die von mir organisierten Workshops. Überkritisch gegenüber den Schülern, beschimpfte er sie gnadenlos, provozierte und ermutigte sie, immer tief in ihr Unterbewusstsein einzudringen.“
Art Kane ist der legendäre Fotograf, der an einem Augustmorgen im Jahr 10 um 1958 Uhr 57 Jazzlegenden für das Magazin „Esquire“ auf einem Bürgersteig der 126th Street in Harlem verewigte, nicht ahnend, das bedeutendste Bild in der Geschichte des Jazz geschaffen zu haben, das allgemein als "Harlem 1958" bekannt ist. Ein Foto, das ihm eine Goldmedaille des Art Directors Club of New York einbrachte und stark genug war, um ein Buch, einen Oscar-nominierten Dokumentarfilm von 1994 („A Great Day in Harlem“) und kürzlich einen Spielberg-Film „The Terminal “ (2004), mit Tom Hanks.
Kanes Objektiv ruhte dann zu anderen Zeiten auf den Größen der Musik, jeder Musik, von den Rolling Stones bis Bob Dylan, den Doors, Janis Joplin, Jefferson Airplane und wieder Frank Zappa, Cream, Sonny & Cher, Aretha Franklin , Louis Armstrong, Lester Young und schufen eine endlose Reihe von Ikonen, darunter vor allem das denkwürdige Who, das in die britische Flagge gehüllt ist. Aber Kane war viel mehr: einer der wahren Meister der Fotografie des XNUMX. Jahrhunderts, dessen visionäre Bilder das gesellschaftliche Bewusstsein von mehr als einer Generation beeinflussten und ihre Spuren in der Weltkultur hinterließen.
Bilder, die sich jetzt in den ständigen Sammlungen des Museum of Modern Art und des Metropolitan Museum of Art befinden.
Art Kane (1925-1995) arbeitete in der Modebranche, im Verlagswesen, fotografierte Porträts von Prominenten, Reiseberichte und behandelte den Akt mit einem unerbittlichen und innovativen Auge. Wie bei seinen Zeitgenossen Guy Bourdin (1928–1991) und Helmut Newton (1924–2004) kreist Kanes Werk um drei Hauptelemente: kräftige Farben, Erotik und surrealen Humor. Fahnenträger jenes wilden Esprits, der sich vor allem dank ihm nach dem Zweiten Weltkrieg etabliert hat: unbeugsam, kompromisslos und sentimental.
Kane wurde 1925 in der Bronx, New York, geboren (die Familie Kanofsky – das ist sein richtiger Nachname – war in den frühen 900er Jahren zwischen 1900 und 1910 aus der Ukraine dorthin gezogen) und kämpfte im Zweiten Weltkrieg in Frankreich in einem malerischen Kontingent aufblasbaren Panzern zugeordnet, die die Deutschen in die Irre führen sollten.
Nach seinem Abschluss mit Auszeichnung an der Cooper Union im Jahr 1950 und dem Studium bei Alexey Brodovitch an der New School, zusammen mit Richard Avedon, Irving Penn und Diane Arbus, wurde er im Alter von 27 Jahren der jüngste Art Director der Geschichte und trat in die Zeitschrift „Seventeen “. 1958 die Weihe mit dem Porträt von Jazzlegenden auf einem Bürgersteig in Harlem.
Während der Kampf um die Bürgerrechte und der Krieg in Vietnam tobten, gab Kane mit seiner Arbeit eine gewissenhafte Antwort auf die Zeit, in der er lebte, drückte sich auf populäre Weise aus und zeigte eine große Fähigkeit, mit einem großen Publikum zu kommunizieren.
In Jahren, in denen sich die analoge Kameratechnik noch rasant weiterentwickelte, war das 35-mm-Format für Kane befreiend: „Ich liebe den rituellen Aspekt des Mediums, das embryonale Gefühl, sich im magischen Fenster des Suchers zu verlieren, die unglaubliche Genugtuung in dem Tempel zu sein, den ich selbst erschaffen habe. Ich sah mit meiner Jacke über dem Kopf lächerlich aus, weil sie früher niemand zudeckte, wenn ich mit einem 35-mm-Film drehte, aber ich liebte diese Entfremdung, völlig von der Außenwelt entfernt zu sein, als hätte ich mein eigenes kleines Theater zur Verfügung.“
Dreißig Jahre vor Photoshop, nur mit einem Leuchttisch und einer Lupe bewaffnet, erfand Kane das „Sandwich“-Bild, indem er zwei Registerdias in denselben Rahmen montierte. Indem er diese Technik über alle Grenzen hinaus entwickelte, wurde Kane zu einem wahren Pionier des fotografischen Geschichtenerzählens, das er auch mit Metaphern und Poesie durchführte und Fotografie effektiv in Illustration verwandelte.
Er ging dann wie eine Furie durch die sechziger, siebziger und achtziger Jahre und revolutionierte die kommerzielle Fotografie, Modebilder, Promiporträts und den Akt, dank eines rücksichtslosen Einsatzes des Weitwinkels, von Filmen mit übersättigten Farben und einem Surrealismus mit hohem Erotikanteil .
Kane leistete auch einen wichtigen Beitrag zu den führenden Modemagazinen seiner Zeit und verfasste erstaunliche Werbekampagnen sowohl für die Mode- als auch für die Schönheitsindustrie.
Ganz in der Nähe von Italien kam er mehrmals in unser Land, um zu fotografieren und Workshops zu beleben.
Im Laufe seiner Karriere wurde Kane von fast allen Fotodesign-Organisationen in den Vereinigten Staaten ausgezeichnet, darunter: American Society of Magazine Photographers, Photographer of the Year, Newspaper Guild of America, Page One Award, Augustus Saint-Gaudens Medal for Distinguished Achievement, Cooper -Union, New York Art Directors Club 1984 erhielt Kane den Lifetime Achievement Award der American Society of Magazine Photographers und erhielt große Auszeichnungen von zahlreichen amerikanischen Unternehmen und Konzernen.
„Art Kane war ein Illusionist – schreibt Guido Harari –, der Meister eines fotografischen Impressionismus, der noch heute Emotionen weckt und Ideen destilliert. Venedig ist immer in Gefahr, Rockmusiker verkünden immer die Ankunft einer neuen Welt, die Einsamkeit im Zeitalter des Internets ist noch kosmischer, Bürgerrechte müssen jeden Tag neu verhandelt werden, die Umweltzerstörung treibt uns immer schneller in Richtung Aussterben und Kane , projizierte all dies bereits mit einer erstaunlichen Aktualität in eine Welt der Fantasie, die die heutige Realität zu verstärken scheint. In wenigen Jahren revolutionierte er die Fotografie, entdeckte neue Techniken und passte andere an, um sie von ihrem vermeintlichen „Realismus“ zu befreien. Kanes Fotografie ist pure Energie, wahre Vorstellungskraft in Kraft: „Für mich erfüllt die Realität nie die visuellen Erwartungen, die sie erzeugt“, sagte er. „Mehr als es mit meinen Fotos festzuhalten, möchte ich meine Gefühle teilen.“
Alle Fotografien Kanes sind durchdrungen von seiner unbändigen Leidenschaft für das Leben, für den Menschen und für eine durch Symbole zu interpretierende Populärkultur. Es sind Denkbilder, Visionen, die immer eine ganz persönliche Sichtweise vermitteln, über Rassismus und Krieg, Mystik oder Sex, Mode oder Musik. Keine Sorge um „Stil“: Seine fotografische Technik war intuitiv und entwaffnend in ihrer Einfachheit, belebt von einer beeindruckenden Vielfalt an Ideen, unwahrscheinlichen Kameraeinstellungen, einzigartigen Einstellungen und satten Farben. Nichts erscheint so, wie wir es erwarten würden: Die Bilder suggerieren, provozieren, verdrängen, aber es liegt am Betrachter, das Bild zu vervollständigen.
Die Fünfzigerjahre nahmen auch die Farbrevolution vorweg, die Kane im Handumdrehen ergriff, da er dank seiner preisgekrönten Erfahrung als Art Director genau wusste, wie er seine Visionen auslegen und vor allem auswählen sollte. Seine brutal chirurgische Bearbeitung hinterließ äußerst seltene alternative Aufnahmen in seinem riesigen Archiv: „Ich habe sofort verstanden, dass Fotografie auch ein Akt der Verweigerung sein kann, bei dem man wählen kann, was man aus dem Bild weglässt.“
Kane verfeinerte sein Talent in legendären Magazinen wie „Look“, „Life“, „Esquire“ und „McCall’s“, die jetzt nicht mehr existieren (mit Ausnahme von „Esquire“), aber zu der Zeit großzügig mit sagenhaften Gebühren waren, nur um Bilder zu erhalten, die „das beseitigen klein und hässlich, um das Große und Heldenhafte zu betonen“, den Weg der Visionärin voranzutreiben, auch wenn die Mode in Person von Diana Vreeland, der mächtigen Madame der „Vogue“, an ihre Tür klopfte. Von der Schärfentiefe und der deutlichen Verzerrung des 21-mm-Weitwinkelobjektivs (das in jenen Jahren erfunden wurde) bis hin zum „selektiven Fokus“, der mit Teleobjektiven wie dem 180-mm- und dem 500-mm-Objektiv erreicht wird, wurde sein visuelles Vokabular auch durch Bilder bereichert, die dazu gedacht waren, auf dem Kopf stehend betrachtet zu werden und ausgeklügelte Montagen zweier Dias seine sogenannten „Sandwiches“, von denen diese Ausstellung zahlreiche Beispiele präsentiert. „Ich benutze das Sandwich als poetisches Werkzeug, um dem Fotorealismus zu entkommen – sagte Kane –. Es ist wie im Leben: Dinge passieren, aber sie sind nicht unbedingt dramatisch, bis Sie einen Schritt zurücktreten und ihre Essenz basierend auf Ihrer Erinnerung erfassen. Das Gedächtnis ist außergewöhnlich. Wenn Sie die Kühnheit haben, ein Bild aus der lebendigen, eindimensionalen Welt zu extrahieren, haben Sie Gerüche, Berührungen und Geräusche eliminiert und einen Rahmen darum gelegt, der das periphere Sehen eliminiert. In diesem Sinne ist kein Foto die Wahrheit, egal wie realistisch das Bild oder wie normal das Objektiv ist. Sie lügen alle, weil wir immer aufsteigen. Beim normalen Sehen wählen wir eine Sache nach der anderen aus, aber wir bewegen ständig unsere Augen und kombinieren kontinuierlich alles."
Die Ausstellung wird von der Civic Gallery of Modena und der Cassa di Risparmio di Modena Foundation in Zusammenarbeit mit der Solares Foundation of the Arts of Parma und der Wall of Sound Gallery von Alba organisiert und produziert, diese große Retrospektive, die zwanzig Jahre später Art Kane gewidmet ist zu seinem Tod und zum XNUMX. Jahrestag seiner Geburt, präsentiert zum ersten Mal in Italien hundert klassische und unveröffentlichte Fotografien, die dazu beigetragen haben, die visuelle Vorstellungskraft der zweiten Hälfte des XNUMX. Jahrhunderts zu prägen.
Foto: „Ein großartiger Tag in Harlem“ von A. Kane, 1958 (Quelle: wikipedia.org)
