从第博到曼佐尼，纽约当代艺术拍卖会（苏富比）

拍卖会赠送 51 件拍品自 1 月 XNUMX 日起在苏富比约克大道画廊公开展出，以及当代艺术拍卖会和 XNUMX 月印象派和现代艺术拍卖会。

以下是当代艺术拍卖会的部分作品：

在职业生涯的关键时刻执行 威廉德库宁，无题 XXII 从 1977 年开始，代表了艺术家成熟作品的顶峰。 在职业生涯的早期，德库宁因曼哈顿生活的喧嚣和紧张而筋疲力尽，从 1959 年开始在东汉普顿度过夏天，并于 1963 年永久搬到斯普林斯，让自己沉浸在充满阳光和宁静的环境中。 虽然 Untitled XXII 仍然是抽象的，但它唤起了德库宁的海洋和宁静环境的本质、记忆和体验，这让艺术家着迷，让他想起了他在荷兰的童年故乡。 Untitled XXII 标志着这位艺术家在专注于绘画和雕塑的中断后回归绘画，是创造力爆炸性爆发的一部分，它产生了一系列杰出的色彩浸透的大型画布，成为德库宁职业生涯中最具标志性的作品之一。

Blue Over Red代表Mark Rothko 1953年第一部关键年的作品 将在十多年后拍卖（估计 25/35 百万美元）。 这幅画代表了 50 年代上半叶的一个关键发展时期，紧接着他搬到了现代艺术博物馆后面的一个新工作室，在那里他画了一些他最具开创性的色彩探索。 Blue Over Red 于 1957 年由传奇经销商和收藏家 Harold Diamond 直接从这位艺术家手中购得，随后与巴尔的摩收藏家 Israel 和 Selma Rosen 共度数十年，后者于 2005 年以 5,6 万美元的价格拍卖了这幅作品。 自 2007 年以来，它一直在同一私人收藏中。

PH-399 展示了 Still 富有远见的作品的激进创新。 这幅画作于 1946 年——与艺术家在纽约的首次个展同年——目前的作品是斯蒂尔艺术实践的早期里程碑。 PH-399 不仅标志着斯蒂尔标志性风格的实现，也标志着抽象表现主义的开端——1946 年，马克·罗斯科 (Mark Rothko) 在旧金山现代艺术博物馆举办了他的首次个展，杰克逊·波洛克 (Jackson Pollock) 的画作出现在第一次在纽约惠特尼博物馆的年度展览上，艺术评论家罗伯特科茨正式创造了“抽象表现主义”一词
《纽约客》作为描述新运动的一种方式，在未来几年内，该运动将成为纽约学派和更广泛的艺术界的主要艺术形式。
作为对当前作品重要性的证明，PH-399 被斯蒂尔本人选入其 1959 年的开创性展览“克莱福德·斯蒂尔的绘画”，该展览由布法罗的奥尔布赖特-诺克斯美术馆举办。 由艺术家亲自策划，本次展览是斯蒂尔的第一次大规模调查，并且仍然是他职业生涯中最重要的展览之一。 当被要求在展览中摆姿势拍照时，斯蒂尔选择站在 PH-399 前，巩固了它作为独特标志性代表的地位，不仅代表了他著名的作品，而且代表了神话叙事和战后发展绘画。

韦恩·第博 (Wayne Thiebaud) 以经典餐厅或自助餐厅风格布置的色彩精美的甜点源于一段金色的童年记忆，这是他在 1961 年发明的著名主题——在近七年的时间里，他一直在重新审视这一主题。 这些轻松愉快的物品和中产阶级消费的标志唤起了 60 年代的繁荣和繁荣。 晚间拍卖将提供 Thiebaud 的现金蛋糕，这是他的第一个蛋糕柜台，该柜台自 1997 年以来一直出现在拍卖会上。 这幅作品高达 72 英寸，令人印象深刻，在艺术家的全部作品中也格外庞大，自 2011 年完成后被艺术家直接收购以来，一直在同一尊贵的私人收藏中。

“我无法理解那些宣称自己对现代问题感兴趣的画家，今天他们仍然在看一幅画，就好像它是一个表面，可以根据一种或多或少可以欣赏的品味来填充颜色和形状，那就是或多或少受过训练[...]。 这幅画就这样完成了，一个有着无限可能的表面最终被简化为一种容器，其中不自然的色彩和人造的意义被强加和压缩。 为什么不清空这个收件人呢？ 为什么不清除表面？ 为什么不尝试发现总空间的无限意义呢？ 纯粹和绝对的光？ ”（《自由维度》中提到的艺术家，Azimut 2，1960）
“这两件作品中的一件已经在许多著名的展览中展出，而另一件 [目前的作品] 直到不久前才被隐藏起来。 两幅具有如此非凡力量的画布，当我第一次在苏黎世的一个房间里看到它们时，我就惊呆了……”（Rosalia Pasqualino di Marineo 编辑，Piero Manzoni：The Twin Paintings，纽约，2017，p. 7)
本作创作于 1959 年，是皮耶罗·曼佐尼 (Piero Manzoni) 开创性的顶点系列中最具纪念意义和视觉冲击力的作品之一。 Acrome 代表了曼佐尼中心哲学的最大表达，令人惊讶地体现了艺术家的理论和技术研究，使绘画摆脱了表现和强迫手势的束缚。 正如有影响力的意大利艺术评论家 Germano Celant 所说： 它旨在减少艺术对艺术家的依赖...... Achromi 不代表任何音调，任何色彩记忆。 没有什么能唤起艺术家热情的本质。” (Exh. Cat., London, The Serpentine Gallery, Piero Manzoni, 1998, p. 22) 1957 年首次构思为有意识地拒绝美国抽象表现主义的大男子主义行为和欧洲 Art Informel 的绘画姿态， Achrome 的绘画代表了曼佐尼试图将绘画表面与艺术家的积极参与完全分开，并以当代品味克服艺术姿态的拜物教。 因此，阿克罗姆的画作占据了无懈可击的意义：结晶物质形式作为纯粹能指的无拘无束的首要地位构成了二十世纪艺术史上最激进的概念姿态之一。 50 年的 Achrome 宽度超过 1959 英寸，是这个受人尊敬和雄心勃勃的语料库的真正杰作。 在大约三百幅由高岭土制成的画布作品中，本作品是仅有的九幅以如此巨大的比例创作的作品之一； 该组的其他人收藏在著名的收藏品中，例如巴黎的蓬皮杜中心； 都灵现代和当代艺术市民画廊； 现代艺术博物馆，路德维希基金会，维也纳； 和达拉斯的 Rachofsky Collection。 Acrome 充满柔和的条纹和抒情的褶皱，立即唤起一种雕塑般的坚固感和空灵的轻盈感； 然而，由于没有能指或与表现的联系，Achrome 只是它的存在，一个解放的白板，没有寓言、典故和叙事表达。
目前的作品属于一对重要的画作，最近有幸获得一项雄心勃勃的项目来检查它及其姐妹作品； 该项目由 Piero Manzoni 基金会主任 Rosalia Pasqualino di Marineo 承担，最近于 2017 年完成。该项目旨在纠正 Germano Celant 的第一本总目录中对 Achrome 的第一个遗漏（由于这幅画的原始出处而导致的疏忽）私人收藏，而原始全集目录——于 1974 年出版——正在进行中）。 对于这个项目，导演 Pasqualino di Marieno 写道：“以这两个异色体为特征的项目，“杂合双胞胎”，绝对与众不同。 事实上，对我来说，这可能是一个独特的事件，不太可能重复：两幅画如此重要，不同但又相同，以至于它们可以并排放置，这次可以再次研究和加深。 ”（Rosalia Pasqualino di Marineo 编着，Piero Manzoni：The Twin Paintings，纽约，2017 年，第 7 页）在 Piero Manzoni 基金会主任的指导下，The Twin Paintings 汇集了重要的研究，牢固地巩固了目前的工作曼佐尼 (Manzoni) 的惊人作品，尽管近几十年来很华丽。 Pasqualino di Marineo 写道：“这两件作品中的一件已经在许多著名的展览中展出，而另一件 [目前的作品] 直到不久前才被隐藏起来。 两幅具有如此非凡力量的画布，当我第一次在苏黎世的一个房间里看到它们时，我就惊呆了……”（同上）
为了创作 Acrome 画作，曼佐尼首先将一块未上漆的原始画布粘合成看似有机的自我增殖褶皱和折痕排列，然后将高岭土——一种用于瓷器制造的白垩无色溶液——涂在画布表面，让粉笔状溶液干燥。 最终，在没有艺术家干预的情况下，通过自定义的干燥过程，作品达到了最终的形式。 高岭土比原始的原始画布更白、更纯，为曼佐尼提供了理想的媒介来构思他的“未上色”的消色画。 这种技术不仅去除了艺术家的手，而且增强了表面起伏的雕塑深度和坚固性。 事实上，Acrome 的水平褶皱和山脊似乎像化石一样保存完好，在物质变态的状态下石化了。 不再是其原始状态的流动柔软性和流动性，而是在对物质和空虚的双重肯定中，正面和负面的悬浮硬化：曼佐尼对“总空间”和“纯粹的绝对光”的形而上学追求的真实例证。 艺术家在“Dimensione libera”中引用，Azimut 2, 1960, np) 通过从画布表面取代艺术机构和手势，曼佐尼旨在消除表现形式，并在其中获得完全自我制作的绝对纯粹的形而上学图像。
曼佐尼 (Manzoni) 尝试了多种材料，包括稻草、泡沫塑料、砾石、卷筒、毛毡和羊毛等多种不同的材料，而他标志性的“消色差”画布作品由高岭土饱和的褶皱组成，构成了开创性概念的最高点对话艺术家。 Acrome 在规模和构图的复杂性上都出类拔萃，堪称这组作品的典范：由两条水平的色调透明、面纱般的高岭土带构成，包围着充满厚重高岭土的绷紧褶皱的中心区域完全令人着迷。 尽管曼佐尼特别避免了参照性，但 Acrome 中明显的精致形式和谐暗示了一种有机建筑，仿佛利用和释放潜藏在画布和高岭土材料本身中的与生俱来的美感。 精美丰富且色彩均匀的表面让人联想到石膏的尘土飞扬的脆弱性和大理石的冰冷坚固性。 瓷土褶皱对自然光的吸收和反射，以其棱角分明的棱角突显出来，让人联想到文艺复兴时期雕刻的窗帘的触感褶皱，而错综复杂的表面复杂性营造出戏剧性的明暗对比效果，以吸引我们的眼球，因为黑暗和光明是惊人的并列。 看似白色的高岭土通过去除颜色和增加重量来发挥作用，赋予这些作品一定的纪念意义，抽象地让人联想到经典的大理石雕像。 然而，如果这件作品唤起了过去的不朽艺术，它只是证明了艺术本身的狭隘性，一种纯粹的视觉语言，具有灿烂的发光物质。
在年仅三十岁的悲惨短暂生命中，曼佐尼采用了革命性的概念方法来创作和展示艺术，强调表面和材料是作品的真正主题。 在创作 Achromi 时，曼佐尼唤醒了一个创造力领域，其中绘画的主题是他的自我生成形式； 1960 年他写道：“艺术家获得了完整的自由； 纯物质变成纯能量； 艺术批评的所有问题都被克服了； 一切都是允许的”。 （同上。）曼佐尼的先见之明的创新预见了概念主义和贫穷艺术，而他的艺术遗产则受到了 标志性作品，如当前的 Achrome，作为当今当代艺术的革命性存在而存在。