Yakın zamanda moderniteyi ve çağdaş sanat ve estetiğin gelişmelerini anlamak için temel bir eser yeniden yayınlandı. Tüm kuşak sanatçıları ve düşünürleri etkilemiş ufuk açıcı bir kitap. È geleceğin sanat eseri Paolo Bolpagni, Andrea Balzola ve Annamaria Monteverdi'nin denemelerini içeren büyük bir tanıtım aparatı ile goWare tarafından yeniden yayınlanan İtalyanca çeviride Richard Wagner.
Das Kunstwerk der Zukunft1850'de Leipzig'de yayınlanan kısa, yoğun, tartışmalı ve bazen karışık ama her zaman ustaca yapılmış, Batı geleneğindeki tüm sanat anlayışında devrim yaratmayı amaçlayan bir eserdir. Wagner'in eksiksiz opera konsepti, siber uzay sanatının çoğunu şekillendiren İnternet karma konseptinin öncüsüdür. Bu nedenle genç dijital sanatçılar, büyük ve tartışmalı Alman müzisyenin fikirleriyle yüzleşmeli.
Okuyucularımıza yeni goWare sürümünden bir alıntı sunmaktan mutluluk duyuyoruz. Bu, Anna Maria Monteverdi'nin başlıklı makalesidir. Yeni teknoloji sahnesi ve Wagnerian mirası.
Mutlu okumalar!
Tiyatro: tüm sanatlar için manyetik alan
Tiyatronun multimedya perspektifi, tarihi avangart sanatların sentetik ütopyasını mükemmelleştirir: Wagner'in Gesamtkunstwerk'i (farklı çevirilere göre bütünsel ya da ortak ya da üniter sanat eseri) ya da söz ve müziğin birleştirici draması (Wor-Ton -Drama) ) özellikle geleceğin sanat eserinde (1849) ifade edilen, gösteriyi oluşturan farklı dillerin bir uzlaşma idealine yönelik ortak bir özlemi önceden tasarladı; özünde, bugün söyleyeceğiz ki, sanatların bütünlüğü ilkesi bir "yakınsama, uygunluk ve bağlantı stratejisi" önerdi.[1].
Teorik önerilerin çeşitliliğine rağmen, tiyatro "tüm sanatlar için manyetik bir alan" (Kandinski) haline gelir: Edward Gordon Craig'in yeni tiyatrosunun etkileyici bütünlüğünden, bir "görsel müzik" yeri olan, sanatın organik ve bedensel sentezine kadar. Adolphe Appia'ya göre uzay ve zamanın sanatları, gerçekliği nesnelleştirmeyi amaçlamayan, ancak titreşimleri uyandırabilen manevi bir olayı oluşturan bütün birliğin oluşturucu ilkesiyle desteklenen Wassily Kandinsky'nin ses, sözcük ve rengin soyut manzara bileşimine. ve halk tarafından paylaşılan rezonanslar.
Sanatların sentezi ütopyası, Moholy-Nagy'nin "eşzamanlı sinoptik ve sinakustik" temsiliyle Bauhaus'un bütünsel tiyatrosunun formülasyonu ve teknolojik çoklu sahnenin "dillerin izlenimci simbiyozu" ile bağlantılıdır. Joseph Svoboda gösterilerinde ki sihirli Fener eşzamanlı bir kompozisyon, plastik ve ses, aktörün veya dansçının eylemi, kinetik sahne, stereofonik ses, mobil projeksiyon ekranları ve sinemada birleştirildi.
Bu bütünlük ilkesinin bir yankısını programatik Sanatlar Arasında Sınır Yok'ta buluyoruz. George maciunas XNUMX'lerin ve XNUMX'ların Fluxus hareketi için: artık heykel, şiir ve müzik değil, olası tüm disiplinleri kapsayan bir olay.
Sentez, bütünlük ve sinestezi, İtalyan tiyatrosunun geleneksel mekanlarından feragat ederek, bu şekilde dramatik bir etkililik karakteriyle anılan günlük deneyim mekanlarını anlamlı ve ilişkisel bir anlamda yeniden canlandırmak için geriledi. Çizgisel olmayan ve kinetik-görsel bir anlatıma, esere dahil olana kadar izleyiciye fiziksel olarak yaklaşmanın benzeri görülmemiş yollarına doğru bir yolculuktur. Etkileşimli cihazlardan yapılan sürekli artan teknolojik genişleme, dağınık olay veya olaylara göre eylem, yakınlık ve hareketlilik, aynı zamanda aktör ve seyirci arasındaki rollerin ve birbirinin yerine geçebilirliğin geçersiz kılınmasıyla ilgili hareketlilik ihtiyacını karşılar.
Gözlemcinin esere katılımı ve gerçek "daldırma" arayışı, 360° resimsel panoramalar ve çoklu görüntü deneyi veya simültane sinema ile başlar. Abel Gance (Napolyon, 1927), ile devam etmek için Cinerama sunulduParis Dünya Sergisi aynı anda yansıtılan on adet 70 mm film öneren bu, insan gözünün çevresel alanlarını kullanarak filmlerin görüş alanını genişletmeye yönelik öncü bir girişimdi.
Bir yandan avangard sineması, yarım küre veya dönen ekranlarla tüm duyuların dahil edilmesini, projeksiyonların eşzamanlılığını, hız değişikliklerini, seyircinin pasifliğinin genel olarak alt üst edilmesini gerektirir; sahneler, döner platformlar, eşzamanlı ve dairesel sahneler, film projeksiyonları (Mejerchold in Upside Down Earth), dinamik ve yenilikçi üç boyutlu senaryo (RUR için sarmal rampalar) kiesler) Maria Bottero'nun "dünyanın eğriliği" adlı güzel bir imgeyle tanımladığı şeyin algılanmasına, yani çok boyutluluğa ve hem mimariyle hem de mekanla senkronize kinetik görüntülerin kullanımıyla elde edilen oyuncu ve izleyici arasında yeni bir ilişkiye doğru açılır. sahne eylemi[2].
Mimar Walter Gropius, Piscator için tasarladığı "Toplam Tiyatro"nun amacının, seyirciyi doğal olayların merkezine ve "yapıtın etkili yarıçapı içine" çekmek olması gerektiğini açıkladı. Erwin Piscator iflas etmiş Almanya'daki Proletarisches Theatre'ın kurucu yönetmeni Kasım Devrimi di Karl Liebknech e Rosa Lüksemburg ve Her şeye Rağmen (1925) filminde çok-uzaylı ve multimedya sahnesinin öncüsü, hem durağan görüntüleri hem de belgesel filmi, yani savaşın dehşetini gösteren otantik filmleri ekledi; Oplà'da yaşıyoruz (1927), set tasarımcısı Traugott Müller ile birlikte geniş bir kullanım sağlayan çok katlı bir manzara konstrüksiyonu tasarladı. George Grosz, "sahnesel eylem ile tarihte etkili olan büyük güçler arasında bir bağlantı" oluşturmak için film projeksiyonlarının. Frederick Kiesler'in Endless Theatre'ı, Oskar Strandt'ın Annular Theatre'ı, Farksas Molnàr'ın U şeklindeki tiyatrosundan Poliéri'nin en son cihazlarına (jiroskopik oda, üçlü sahne, mobil otomatik sahne, uzaktan kumandalı sahne ve oda, dönen ve değiştirilebilir) bazılarıdır. halkı küresel katılıma yönelik ideolojik bir dürtüyle kelimenin tam anlamıyla kuşatan manzara çerçevesinin genişletilmesini belirlemeyi amaçlayan araştırma örnekleri.
Toplam tiyatro, farklı alanlardan profesyonellerle işbirliğini de ifade eder; sahne giderek daha çok bir laboratuvar, kolektif bir planlama olarak yapılandırılıyor: kolektif bir dramaturjik yaratımın (Piscator), bir atölye tiyatrosunun (Svoboda), bir tiyatro-laboratuvarının (Bauhaus okulu) serapları. Weimar ve Dessau; tiyatro laboratuvarı GrotovskiPlanlama, kavramsal ve uygulama aşamasına değer veren bir tiyatro-stüdyo (Mejerchold), mevcut multimedya tiyatrosuna özgü bir ekip kavramını öngörmektedir. Teknolojik bir sahnenin tasarım aşamalarının karmaşıklığı aslında yönetmenlik kavramının yeniden düşünülmesini gerektirirken, tiyatro topluluğu mühendisler, teknisyenler ve ses ve ışık işlemcileri, bilgisayar bilimcileri gibi nitelikli teknik figürleri özümser. Laboratuvar, araştırmanın merkezi anı haline geliyor ve giderek artan bir şekilde, halkın da katkılarına açık olan bir teknik-sanat kolektifinin eseri haline geliyor.
Sanatların bütünlüğünden ara kararsızlığa
Yeni tiyatronun yeni medyanın yol gösterici ilkelerine uyarlanması, şimdiye kadar tarihi olan (medya ile eşit bir mübadelenin gerçekleştiği) "multimedya sahnesi"nden "kararsız" olana doğru bir evrime yol açmıştır. bireysel bağımsızların "medya formatı" entegrasyonlarını destekler). Alman yönetmen ve besteci tarafından iyi ifade edilen konsept Heiner Goebbels Bu, hem müzikal hem de multimedya unsurlarını içeren teatral eserlerinin ne kadar "toplam Wagnerci bir sanat eserini" hedeflemediğini belirtir:
Aksine Gesamtkunstwerk'i hedef almıyorum. Wagner'de her şey aynı amaca yönelir ve çalışır. Ne görüyorsanız, tam olarak ne duyuyorsunuz. İşlerimde ışık, sözler, müzik ve sesler başlı başına birer formdur. Yapmaya çalıştığım şey, çoksesli bir müzik parçasındaki bir ses gibi, içinde her şeyin bütünlüğünü koruduğu bir öğeler çoksesliliğidir. Benim rolüm bu sesleri yeni bir şeye dönüştürmek.[3].
Sanatsal çağdaşlık, paradoksal aşılardan ve karışık üretimlerden, web'de, sanat galerilerinde ve tiyatrolarda kayıtsız bir şekilde gelen karmaşık projelerden oluşur: bu genelleştirilmiş "kültürün bilgisayarlaştırılmasında" (aşağıda Lev Manoviç), açık, mimetik ve mutant bir sanatsal fenomenoloji üretilir.
Aslında, video klipler, enstalasyonlar, konserler, vjing, grafik sanatı, animasyon sineması ve hatta video oyunu sanatından ayrım gözetmeksizin türetilen yeni bir tekno-sanatsal türün ifade özgürlüğü ayrıcalıklıdır. Karıştırma değil, metinlerarasılık: metinlerarasılık, yeni medya üretimlerinin hakim mantığıdır. Giovanni Boccia Artieri:
Yani önceki metinleri yankılayan, alıntılar oyunuyla ilerleyen, çağrıştıran ve düşündüren, kendine gönderme yapan ve aynı zamanda yeniden yapmaya açık, belli bir heyecan hali üreten metinler üretme mantığı içinde buluyoruz kendimizi. form için[4].
Müphemlik, çifte özelliği veya işlevi olan, kendisini iki farklı veçhe altında (mutlaka karşıt olması gerekmez) sunan bir nesneyi belirtir: Bu yeni teknolojik yapımlarda tiyatro, tiyatrodan doğmaz ve her şeyden önce tiyatro eylemiyle sona ermez. ama dijitalin bir film, bir enstalasyon, özerk bir sanat eseri biçiminde genişleyebilmesi sayesinde sonsuz bir canlılık kazanıyor. Bir yanda dillerin tarihsel şiirsel iç içe geçmesini, diğer yanda sanatsal bir projenin bireysel öğelerini birbirinin yerine geçebilen, en çeşitli enkarnasyonlara açık multimedya nesneleri (veya metinler) olarak gören dijital temaya daha yakın estetik bir öneri buluyoruz. benzeri görülmemiş bir teknolojik göçebelikte olası tüm medya eklemlerini deneyimleyebilmek gibi. Bu nedenle, her format alternatif olarak özerk bir sanatsal gerçekleştirme veya daha fazla detaylandırma sürecinde bir aşama olarak düşünülebilir - neredeyse sonsuz ve kesinlikle açık.
Değişkenlik ilkesi, bir programın veya bir medya nesnesinin performansını değiştirmek için çok sayıda seçeneğe sahip olmayı mümkün kılar: bir video oyunu, bir web sitesi, bir tarayıcı veya işletim sisteminin kendisi. [...] Bu prensibi kültür tout court'a uygularsak, bu, bir kültürel nesneye kendi özel kimliğini vermek için kullanılabilecek tüm seçeneklerin teoride her zaman açık kalabileceği anlamına gelir.[5]
Sonuç, görünüşe göre yapısal bir sınıflandırma modelinden yoksun olan yeni dijital biçimlerin özelliği olan bir tür belirsizliğidir. Laura Gemini'nin zekice gözlemlediği gibi.
Sınıflandırmayı zorlaştıran kararsızlıklarını vurgulayan liminoid ve ara performanslardır. Karmaşık bir iletişim akışları ağının varlığını ve bilinen nesnenin yaratıcı bir katılımı olarak bilgi fikrini kabul eden postmodern farkındalığı benimsemiş bir performans sanatıdır. [...] Bugün sanatsal performanstan bahsetmek, ne gösteriyi ayrı bir metin (tiyatro, televizyon, sinema veya spor) olarak ne de gösteriyi tamamen estetik bir kategori olarak düşünmek anlamına gelir. Daha ziyade, melanjın akışkanlığı bir öncelik koşulu olarak belirlenmeli ve katı biçimsel geleneklere göre sınıflandırılmaya uygun olmayan o muhteşem pratiklerde bulunmalıdır. Sahnelemenin kendisi, çağdaş iletişim biçimlerine daha fazla itibar sağlayan dinamik bir akışa, ilerici bir belirsizliğe yönelen metinlerin (sinema, tiyatro, televizyon) bir organizasyonu olarak anlaşılmalıdır.[6].
Se Rosalind Krauss Art in the age of the post modern state'te (2005), "diğer pek çok zehirli eleştiri atığı gibi onu gömmek ve sözcüksel özgürlük dünyasında ilerlemek için" ortam kelimesini ortadan kaldırmak için kesin bir çizgi çizmeyi önerdi, Zygmunt Baumann Modernity and ambivalence'de (2010), postmodernin ana temalarından biri olan estetik kategorilerin sınıflandırılabilir düzeninin normatif yapısal modelinin pratiğini kıracak olan "ambivalans" kavramında tanımlar.
Dilsel yapılanma araçlarının yetersiz olduğu ortaya çıkarsa durum ikircikli hale gelir: söz konusu durum ya dilbilim tarafından belirlenen kategorilerin hiçbirine ait değildir ya da aynı anda birkaç sınıfa yerleştirilmiştir. Kararsız bir durumda, öğrenilen modellerden hiçbiri doğru değildir veya birden fazlası uygulanamaz [...]. Adlandırma/sınıflandırma işlevinin ulaşmaya çalıştığı ideal, dünyanın içerdiği tüm nesneleri içeren tüm klasörleri içeren bir tür büyük arşivdir: ancak, her klasör ve her nesne kendi ayrı yeri ile sınırlıdır. Kararsızlığı kaçınılmaz kılan böyle bir arşiv oluşturmanın imkansızlığıdır. […] Sınıflandırma, dahil etme ve hariç tutma eylemlerinden oluşur. Bir şeye her isim verdiğimizde dünyayı ikiye böleriz: Bir yanda o isme karşılık veren varlıklar; diğer yandan, olmayanlar. [...] Kararsızlık, sınıflandırma çalışmasının bir yan etkisidir. [...] Kararsızlık intihara meyilli bir savaştır.[7]
Değişim potansiyeli olarak mevcut teknolojilerin belirsizliği.
Masbedo, Big Art Group, Dumb Type, Tam Teatromusica e Motus tiyatronun bu "kararsız eğiliminin" simgesidirler. Japon Aptal Tipinin performanslarında, izleyicinin katılımı her şeyi kapsayan ve sürükleyici niteliktedir, yani çoklu duyusal uyaranlar açısından zengindir (alt frekanslardan gürültüye, bozuk görüntülerden, hızlandırılmış çoklu videolara kadar), sanki deneysel bir görsel-işitsel enstalasyonmuş gibi.
Motus her zaman sahnede tiyatro-sinemanın çağdaşlığını denedi (İkiz odalardan X-acımasız gençlik masallarına kadar) ve ayrıca animasyonlu grafikler (Pink Noise) tanıttı; ABD Büyük Sanat Grubu, "gerçek zamanlı film" (Flicker, House of no more) adı verilen gösteri döngüsüyle makyaj efektlerinin görüntülendiği gerçek bir film setini (yeşil ekran kullanarak) yeniden yaratıyor[8]. Lev Manovich'in izinden giden yeni bir estetiğe göre televizyon, sinema ve tiyatroyu kesintisiz bir süreklilik içinde birleştiren bir "dijital kompozisyon" tiyatroya geliyor - "anti-montaj" veya "farklı unsurların etkileşime girdiği bitişik alanların yaratılması. [...] Dijital kompozisyonda, öğeler artık yan yana değil, karışıktır; sınırları vurgulanmak yerine silinmiştir».[9]
Masbedo (video yapımcıları Bedogni-Masazza), derin varoluşsal temaları videodan tiyatroya taşıyarak yeni enine performans biçimlerini deniyor. Eksiklik Teoremi, Glima, Autopsia del tralala, Togliendo tempest al mare, Kişi'de, kahraman boşluk duygusu, büyünün bozulması ve varoluşsal güvencesizlik, iletişimsizlik, nihai bir sığınak olarak gönüllü izolasyon, kurumsal değerlerin sisfik gözetimi, sanattır. insanlığın son kırıntılarını, Batı toplumunun genel soldurma ve ahlaki çöküşünde insan ilişkilerinin kısırlığını, sonsuzluğa duyulan ihtiyacı elinde tutan. Trajik bir durumun pnömatik vakumunda başıboş dolaşan, hiperbarik bir oda ya da bitmek bilmeyen sessizlikler tarafından dipsizliğinde çağrılan huzursuz Hamlet'ler gibi, kahramanlar bir yeniden doğuş ya da en azından bir kaçış yolu için oksijenlerini damıtarak yaşarlar.
Öncü performans video deneyimlerinden alıntı yaparak Nam June Paik, ama aynı zamanda sonraki olanlar Laurie Anderson e Peter Gabriel, Masbedo performanslarını orijinal video kreasyonlarından başlayarak kurdu ve ardından onları canlı bir müzik bileşeniyle - kökten değiştirerek - zenginleştirip genişletti.
Onlarınki, müzik, sinema, video ve performansın her zaman yakından bağlantılı olduğu bir intermedya sanatıdır: Masbedo'nun ana referansı, geçişler, kesişmeler ve geçişlerle ilgili deneyler için verimli bir zemin olan altmışların ortalarındaki video sanatının çok disiplinli bölgesidir. Bu yaratıcı ve deneysel coşku bağlamında, "orta video" iç içe geçtiği ve karşı karşıya geldiği diğer sanatlarla mükemmel bir uyum içinde yaşadı.
anna maria monteverd. Tiyatro ve dijital medya bilgini; çeşitli Akademilerde (Lecce, Brera, Turin) ve Üniversitelerde (Dams of Genoa, Edebiyat Fakültesi, Cagliari) öğretim görevlisi, tiyatro (Il teatro di Rober Lepage) ve dijital performans (Nuovi media nuovo teatro) üzerine ciltlerin yazarıdır. ve multimedya sanatı üzerine (Dijital multimedya sanatları, Garzanti, 2014). Oliviero Ponte di Pino ile www.ateatro.it'in kurucu ortağıdır.
[1] E.Quinz, A.Balzola içinde, AMMonteverdi, Dijital multimedya sanatları. Milano Garzanti 2005, s.109.
[2] M. Bottero, Frederick Kiesler, Milan, Electa, 1995
[3] Bakınız: AMMonteverdi, Remedying the Theatre with shadows, Machines, New Media, La Spezia, Ed. Giacché, 2013.
[4] G.Boccia Artieri, Medyanın maddi özü, A.Darley'e önsöz, Dijital Videokültür, Milan, FrancoAngeli, 2006
[5] L. Manovich, Yeni medyanın dili, Milan, Olivares, 2001.
[6] L.İkizler, Yaratıcı Belirsizlik. Sanatsal performansların sosyal ve iletişimsel yolları, Franco Angeli, Milan, 2003, sayfa. 69-70.
[7] Z. Bauman Modernite ve kararsızlık, Turin, Bollati ve Boringhieri, 2010 s.12.
[8] Bakınız: AM Monteverdi, Yeni medya, Yeni tiyatro, Milan, Franco Angeli, 2011
[9] Yeni medyanın dilinden kompozisyon bölümünde Lev Manovich, bilgisayar kültürüne özgü süreklilik estetiğinin dijital kompozisyonda nasıl nesneleştirildiğinin altını çiziyor ve film kurgu estetiğinin karşıtı: “Kurgu, görsel, stilistik, anlamsal ve duygusal bir çeşitli öğeler arasında, bunun yerine dijital kompozisyon bunları entegre bir bütün, tek bir gestalt içinde karıştırma eğilimindedir. L.Manovich, Yeni medyanın dili, Milan, Olivares, 2001, s.187.
