Sculptura a fost întotdeauna considerată o artă greu de înțeles și, prin urmare, și de colecționat. Se preferă lucrările de dimensiuni mici și mijlocii, așadar ușor de plasat într-o reședință, în timp ce, pentru altele de monumentalitate recunoscută, a intrat mereu în lucrări publice și instituționale. Nu există un pătrat important care să nu aibă piatra, marmura, bronzul sau metalul său pentru a comemora vreo figură sau erou de cult. Aici amintirea unui eveniment pe care nu vrei să-l uiți, participă nemișcat în timp ce timpul trece încet. Acum sculptura este și design, arhitectură și formă de contemporaneitate. Dar povestea ei merge de mult.
În secolele trecute, sculptorii foloseau doar materiale care se pretează modelării, cum ar fi argila. Sau material mai dur precum piatra sau marmura care, însă, sub mâinile pricepute ale unui pietrar ar putea fi transformat în forme armonioase. În timp ce astăzi, sculptorii moderni s-au extins pentru a folosi și alte materiale, cum ar fi oțelul sau rășinile până la substanțe biologice care pier în timp.
În antichitate termenul „artifex” se referea atât la artist, cât și la sculptor, în timp ce termenul „operarius” se adresa muncitorului. Dar adesea, au fost inventate într-o singură figură capabilă să modeleze și să modeleze materia. Astfel, și pietrarul castilian și sculptorii francezi aparțineau aceleiași clase, ei erau la fel de demni de reprezentare.
La mijlocul Renașterii, Donatello era numit „scarilator” sau pietrar, în timp ce Leonardo, în Comparație între arte, a pus fără ezitare „pictura deasupra sculpturii”. Și în timp ce da Vinci medita la principiile care guvernau activitatea sculpturii, Michelangelo, cu douăzeci și trei de ani mai tânăr, și-a creat cele mai frumoase lucrări de sculptură. Să ne amintim atunci de Cellini, Vasari, Pigalle, Bouchardon sau Bernini. Mai târziu, Falconet și Canova, pentru a ajunge în secolul al XIX-lea cu Rodin și Hildebrand. În secolul următor, al XX-lea, formele sunt influențate de perioada istorică. Lucrările trebuie să se întindă în timp, spațiu și trebuie să scape de orice excrescență până devin conștiente și pure într-o formă complexă completă precum cea a lui Moore, Harp, Boccioni. Spațiul devine astfel unul dintre atributele fundamentale ale sculpturii în acest ultimul secol.
Astăzi, sculptura planifică și desenează în spațiu cu ajutorul unor noi metode, folosind acest spațiu și construind cu el, de parcă ar fi un material de nouă generație. De aici noile forme care sunt uneori performante precum cele ale lui Anish Kapoor sau care contextualizează simbolistica care a intrat în noua noastră lume, vezi Jeff Koons, cu inimile sale mari din metal sudat și colorat care apar ca niște baloane umflate și suspendate în aer și ouă sparte. .
Plasticitatea sa nu mai preia nicio iconografie mitologică sau religioasă ca în cele mai vechi timpuri, ci se exprimă doar în forme care evocă obiecte, natură descompusă, pentru a ajunge la obiecte aparent pentru a fi folosite, încălcând uneori sensul designului. Cu toate acestea, are în sine o rigiditate severă a gândirii, pentru că va rămâne întotdeauna respectuos față de forma și proporțiile. În ea stă perfecțiunea, indiferent dacă poate fi percepută sau imaginată. Trebuie să o ocolim pentru a înțelege că trăiește în spațiu, că vorbește oricui o observă, că își joacă rolul de mare interpret de scenă. Și când devine monumental, atunci cedează loc arhitecturii, când în schimb este o creație artistică pură de linii, obiectivitate și utilizare, atunci este design.
Dar sculptura încă se transformă, participă la viața socială în spații în care oamenii se pot reflecta și în ea, ca în opera artistului indian Kapoor „Cloud Gate” din Chicago. O ușă adevărată care există și nu există, dar care, trecând pe sub sau în jurul ei, oglindește viața vizitatorului, din care nu mai poate scăpa. În timp ce luminile zilei fixează clădirile, iar luminile nopții cerul, o lucrare care se schimbă în fiecare zi, care imortalizează viața dar nu o fixează niciodată. Un scurtmetraj lung fără film.
De aceea își găsește din ce în ce mai puțin loc în spațiile private, precum lucrările introduse în colțul casei sau pe masă, pentru că de ani de zile sunt înlocuite cu obiecte de design, din ce în ce mai colorate și care au și un scop, dau. lumina sau da-ne lasa-ne sa stam.
În realitate cred că a existat un adevărat abuz al termenului „design” care, conform unui lexic la modă, se referă la orice are o linie stilistică, rotundă sau pătrată, Made in Italy sau China, nu contează. În timp ce adevăratul Design este altceva, este o artă în care inspiratorul său, designerul, a reușit să înțeleagă esențialul și a produs o curățenie extremă a obiectului creat.
Chiar și în modă se vorbește din ce în ce mai mult despre „haine de sculptură” și „design de modă”, dar care va fi sensul real?
Rochiile sculpturale pleaca de la concepte foarte stravechi, o reluare a costumelor antice, in forme si linii, gandeste-te doar la stilisti japonezi precum Issey Miyake care strabate spatiile materialelor folosite cu golurile create ca niste arhitecturi adevarate. Același lucru este valabil și pentru designul aplicat designului oricărui accesoriu, iar dacă regulile sunt stricte produsul va fi nu doar reușit, ci și de lungă durată, un exemplu este Maison Hermes, linii fără niciun gând secundar.
În toate acestea, regulile sunt dictate de principiile gândirii creative inspirate din natură și de gândirea umană care încearcă să o interpreteze cu orice disciplină.
Între timp există Ouă de Paște – mai bine dacă sunt sparte – care sunt scoase la licitație la prețuri mari.
