抽象と比喩の間の絶え間ない緊張の作品で知られる日下は、抽象の幾何学に強く焦点を当てたローマのプロジェクトを開発しました。 展示されている陶器は、花瓶の形のバリエーションであり、体系的かつ直感的なプロセスを通じて、連続した測地線で描かれ、彫刻されています。 アグネス・マルタンのグリッドやソル・ルウィットの壁画に呼応する丸みを帯びたボリュームに沿ってミニマルな繰り返しが広がり、手書きの線の不規則性が明らかになり、曲がりくねった振動する地形が生まれます。
彼女の作品では、陶器の洗練された伝統的な職人技と、バスケットボール、果物、恐竜、雨滴、木目などの遊び心のあるディテールや主題が融合しています。 幾何学的な作品は、単一のプロセスの精緻化に集中することにより、その無限のバリエーションを発見するアーティストの技術的熟練をより直接的に示しています。
初期の抽象作品では、日下は花瓶の湾曲によって歪んだ線や格子模様を「終了」させることが多く、重なり合ったデザインなどの断片的なパターンを生み出し、花瓶の立体的なボリュームと矛盾していました. しかし、これらの新しい作品では、アーティストはほぼ地形的なアプローチを取り、花瓶の各面に沿って複雑な線を彫ったり描いたりすることで、ろくろで作業するために必要な触覚の器用さを開発しています。
それぞれの花瓶の立体性が線の同心円状の曲線を決定するようにすることで、日下はドローイングと彫刻の根源的な創造的行為を融合させます。 細く平行に見える線もあれば、波や地形模様のように見える線もあります。 アーティストがこれまでに作った最大の花瓶が展示され、長く湾曲した台座に配置され、淡いブルーからピンク、黄色、落ち着いたオフホワイトまで、さまざまな色で釉薬がかけられています。 とろみのある液体は、それぞれのベースの上で止まります。これは、火の上で調理するために必要な予防措置であり、この技法に典型的な錬金術的変化を微妙に思い出させるものです. 小さな花瓶のセレクションでは、日下は彫刻されたモチーフの多くを白い地に鉛筆画として再提案し、大きな作品のより親密でスケッチのような反響を生み出しています。 このようにアーティストは、ミニマリストの方法に基づく技法を再確認し、また、大小、液体から固体、XNUMX 次元から XNUMX 次元まで変化する形自体の無限の可能性を強調しています。
左：日下しお（68行目）、2017年、炻器、24 3/4 × 9 × 9インチ（62.9×22.9×22.9cm）。 右：日下しお（67行目）、2017年、炻器、23 3/4 × 11 3/4 × 11 3/4インチ（60.3 × 29.8 × 29.8 cm）。 どちらも ©日下しお
展覧会開催に合わせて図録を刊行。
1972年盛岡生まれ、ロサンゼルス在住。 2001 年にシアトルのワシントン大学で美術学士号を取得。 彼の作品は次のコレクションに含まれています。 ブロード、ロサンゼルス。 アレン記念美術館、オハイオ州オーバーリン。 ナーマン現代美術館、オーバーランドパーク、カンザス。 最近の個展には次のようなものがあります。ホイットニー ビエンナーレ 2014、ニューヨーク。 「Jonas Wood and Shio Kusaka: Blackwelder」、Gagosian、香港 (2015); および「日下しおとジョナス・ウッド」、オランダ、ヴァッセナール、フォアリンデン美術館 (2017–18)。
