Paris, romantisch, prestigeträchtig, sprudelnd, kreativ und unglaublich reich an Kultur und Architektur. Museen und Denkmäler, Vintage-Buchhandlungen, wunderschöne Gärten, Floristen in allen Vierteln, Brasserien und typische Bistros. Aber der obligatorische Stopp für Kunstliebhaber ist sicherlich das jalousie und seine außergewöhnliche Geschenksammlung. Ohne jedoch zu vergessen, dass das architektonische Erbe der Stadt uns ebenso viele Emotionen auslösen kannTriumpfbogen eine Kathedrale Notre Dame. Und während wir darauf warten, den berühmten Ort zu betreten, der das Ergebnis einer Reihe von Bauwerken ist, die in den letzten 800 Jahren errichtet wurden und der heute dauerhaft über 380 Objekte und Kunstwerke beherbergt, empfehlen wir denjenigen, die es lieben, die Schönheit der Natur zu bewundern, dass sie sich diesen Ort nicht entgehen lassen sollten Spaziergänge am Ufer der Seine statt am Jardin des Plantes des Restaurants Monceau-Park oder des Tuilerien-Gärten.
Hier ist der vom Louvre angebotene Kalender von Frühjahr 2024 bis Sommer 2025. Wir wünschen Ihnen einen schönen Besuch
Altertümer des Nahen Ostens im Dialog. Das MET im Louvre
29. Februar 2024 - 29. September 2025
Die Abteilung für Antiquitäten des Nahen Ostens des Louvre beherbergt zehn wichtige Werke aus dem Metropolitan Museum of Art in New York, dessen Abteilung für Kunst des Alten Nahen Ostens derzeit wegen Renovierungsarbeiten geschlossen ist. Der Louvre und das Met haben einen einzigartigen Dialog zwischen diesen beiden Sammlungen geschaffen, der in den ständigen Galerien des Louvre ausgestellt wird. Diese „besonderen Gast“-Kunstwerke der Met aus dem späten 4. Jahrtausend v. Chr. und dem 5. Jahrhundert n. Chr. weisen einige bemerkenswerte Verbindungen zur Louvre-Sammlung auf. In einigen Fällen werden zwei Objekte zum ersten Mal zusammengeführt, in anderen Fällen ergänzen sich die Stücke aufgrund der spezifischen historischen Merkmale ihrer jeweiligen Sammlung. Dieser Dialog zwischen Sammlungen und Kunstwerken, der Zentralasien, Syrien, den Iran oder Mesopotamien repräsentiert, wird den Besuchern diese außergewöhnlichen jahrhundertealten Artefakte und die Geschichten, die sie erzählen, (wieder) vorstellen. Kuratoren der Ausstellung: Ariane Thomas, Direktorin der Abteilung für Altertümer des Nahen Ostens und Vincent Blanchard, Chefkurator der Abteilung für Altertümer des Nahen Ostens, Louvre Museum.
Ein Blick auf van Eyck. Madonna von Kanzler Rolin
20. März – 17. Juni 2024Diese Ausstellung ist als öffentliche Würdigung der beeindruckenden Konservierungsarbeiten gedacht, die am Zentrum für Forschung und Restaurierung der Museen Frankreichs an dem Gemälde durchgeführt wurden – die erste Intervention dieser Art seit der Einlieferung des Gemäldes in das Museum im Jahr 1800. Die Restauratoren haben es entfernt Die Schichten oxidierter Farbe, die das Gemälde verdunkelt hatten, brachten das Werk wieder in seinen früheren Glanz. Diese Intervention steht im Zusammenhang mit dem aktuellen Interesse an der Erforschung und Förderung von Van Eycks Werk im Anschluss an die konservative Behandlung des Genter Altars. Seit fast zehn Jahren hat eine Reihe internationaler und interdisziplinärer Austausche dazu geführt, dass Experten viele neue Fragen zu diesem Thema aufgeworfen haben. Laboranalysen, Konservierungsarbeiten und neue Herangehensweisen an Van Eycks Werk haben auch die früheren Annahmen des Louvre über dieses Gemälde, das lange Zeit als „Die Jungfrau von Autun“ bekannt war, in Frage gestellt. Viele Aspekte dieses Gemäldes – weniger bekannt, als es für ein so wichtiges Werk der westlichen Kunst sein sollte – sind schwer zu verstehen, daher wird die Ausstellung um eine Reihe von Fragen herum aufgebaut, die den Betrachter fesseln sollen: Warum Van Did Eyck dieses Ungewöhnliche geschaffen hat? Arbeit für Nicolas Rolin? Warum ist die Landschaft im Hintergrund so miniaturisiert, dass sie fast unsichtbar ist? Wie sollen wir die beiden kleinen Figuren im Garten interpretieren? Welche Verbindungen gibt es zwischen diesem Gemälde, der Miniaturkunst und den Grabreliefs? Wissen wir, wie die Künstler des 2014. Jahrhunderts die Szene interpretierten? Die Rolin-Madonna veranschaulicht die Spannungen zwischen mittelalterlicher Tradition und revolutionärem Experimentieren, die die flämische Kunst im ersten Drittel des XNUMX. Jahrhunderts durchdrangen. Wenn wir jedoch Van Eycks Werk neben dem seiner Zeitgenossen zeigen, können wir einige aussagekräftige Vergleiche anstellen, die dabei helfen, die Originalität seines Werks ebenso zu verdeutlichen wie seine Zugehörigkeit zu einer bestimmten Epoche, und unser Verständnis des Austauschs zwischen Van Eyck und anderen Künstlern dieser Zeit verbessern Seine Zeit. . Unsere Untersuchung der Madonna von Kanzler Rolin wird durch den Vergleich mit anderen Gemälden von Van Eyck und mit Werken von Rogier van der Weyden, Robert Campin und den großen Buchmalern der Zeit geleitet. Rund sechzig bemalte Tafeln, Manuskripte, Zeichnungen, Flachreliefs und Artefakte aus Edelmetall werden in dieser Ausstellung vereint, die dank der Unterstützung zahlreicher Museen und Institutionen in Frankreich und im Ausland, darunter das Städel Museum in Frankfurt (das Leihgaben ausgibt), möglich ist die Lucca-Madonna zum ersten Mal), die Gemäldegalerie in Berlin. Kuratorin der Ausstellung: Sophie Caron, Kuratorin der Malereiabteilung, Louvre Museum. Der Louvre hat beschlossen, die erste Spotlight-Ausstellung, die seit XNUMX im Salle de la Chapelle stattfindet, Jan van Eycks Meisterwerk, der Madonna von Kanzler Rolin, zu widmen.
Olympismus, eine moderne Erfindung? Antikes Erbe
24. April - 16. September 2024. Eine der kulturellen Veranstaltungen, die die Olympischen und Paralympischen Spiele 2024 in Paris begleiten, ist eine Ausstellung im Louvre, in der Besucher erfahren, wie die ersten Olympischen Spiele der Neuzeit entstanden, in welchem politischen Kontext und wie die Organisatoren beschlossen, die Olympischen Spiele neu zu erfinden und Paralympics 2024 in Paris. Sportwettkämpfe im antiken Griechenland. Die Ursprünge der modernen Olympischen Spiele sind nicht allgemein bekannt. Neben Pierre de Coubertin, dem „Vater“ der modernen Spiele, gab es einige Teilnehmer französisch-griechischer Herkunft, darunter einige Akademiker und einen in Griechenland ansässigen Schweizer Archäologen und Designer: Emile Gilliéron père (1850–1924), der deren Studiensammlung derzeit untersucht wird. Emile Gilliéron war an großen archäologischen Ausgrabungen in Griechenland beteiligt. Er wurde zum offiziellen Künstler der Olympischen Spiele 1896 und 1906 ernannt und ließ sich von den jüngsten Entdeckungen an diesen Orten inspirieren, um die Siegertrophäen zu entwerfen und Kommunikationsmaterialien (insbesondere Briefmarken und Plakate) für den neuen griechischen Staat zu illustrieren, wobei er die neuesten Reproduktionstechniken verwendete. . Dank einer außergewöhnlichen Leihgabe der Stavros Niarchos Foundation (SNF) wird der Louvre den ersten olympischen Pokal ausstellen, der von einem französischen Akademiker entworfen und von einem französischen Silberschmied für den Sieger des Marathons gefertigt wurde – einem Rennen, das für die Spiele von Athen 1896 erfunden wurde. Anlässlich der Olympischen Spiele 2024, der dritten, die in Paris stattfinden, soll die Ausstellung zeigen, wie sich im Namen des Sports die Disziplinen Philologie, Geschichte, Kunstgeschichte und Archäologie zusammengeschlossen haben, um die größte und meistbesuchte Veranstaltung zu schaffen Sportler der Welt. Ereignis. Kuratoren der Ausstellung: Violaine Jeammet, leitende Kuratorin in der Abteilung für griechische, etruskische und römische Altertümer, Louvre-Museum; Alexandre Farnoux (Ehrendirektor der Französischen Schule von Athen), Professor an der Universität Sorbonne; Christina Mitsopoulou, Archäologin der Universität Thessalien, Französische Schule von Athen.
Figuren des Narren
16. Oktober 2024 - 3. Februar 2025. Die faszinierende Figur des Verrückten, ein integraler Bestandteil der mittelalterlichen visuellen Kultur, wurde sozial- und kulturgeschichtlich untersucht, jedoch selten aus der Perspektive der Kunstgeschichte, obwohl die Idee des Wahnsinns seit jeher die literarische Kreativität und das künstlerische Schaffen inspirierte und anregte 13. Jahrhundert. in der Mitte des 16. Jahrhunderts. Diese anspruchsvolle und anregende Ausstellung nähert sich bildlich der typisch mittelalterlichen Figur des Verrückten. Über 300 Kunstwerke – Skulpturen, Artefakte (Elfenbein, Dosen, Bronzen), Medaillen, Miniaturen, Zeichnungen, Drucke, Tische und Wandteppiche – werden nach Epoche und Thema gegliedert ausgestellt. Mittelalterliche Kunst ist in der populären Vorstellung im Wesentlichen religiös, doch das Mittelalter brachte auch die subversive Figur des Verrückten hervor. Obwohl es in der Religion verwurzelt war, durchdrang es die säkulare Welt und war im späten Mittelalter zu einem integralen Bestandteil des städtischen gesellschaftlichen Lebens geworden. Im Mittelalter stammte die Definition eines Narren aus der Heiligen Schrift, insbesondere aus dem ersten Vers von Psalm 52: „Dixit insipiens…“ (Der Narr sagte in seinem Herzen: „Es gibt keinen Gott“). Wahnsinn wurde in erster Linie als Unwissenheit und mangelnde Liebe zu Gott angesehen, aber es gab auch religiöse Fanatiker wie den Heiligen Franziskus. So war im 13. Jahrhundert die Idee des Wahnsinns untrennbar mit der Liebe und ihrem Maß oder Übermaß im spirituellen, damals irdischen Bereich verbunden. Das Thema des Liebeswahnsinns durchdrang die Ritterromane (wie die von Yvain, Perceval, Lancelot und Tristan) und deren zahlreiche Darstellungen, insbesondere in Miniaturen und auf Elfenbein. Bald tauchte die Figur des Verrückten zwischen dem Liebhaber und seiner Dame auf, die höfische Werte anprangerte und die laszive, ja obszöne Natur der menschlichen Liebe hervorhob. Der Status des Verrückten wandelte sich von mystisch-symbolisch zu politisch-sozial: Im 14. Jahrhundert wurde der Hofnarr zum institutionalisierten Gegenpol zur königlichen Weisheit und seine ironischen oder kritischen Beobachtungen fanden Akzeptanz. Es entstanden neue Bilder, die den Verrückten in einem besonderen Kostüm zeigten: einer Kugel (falsches Zepter), einem gestreiften oder „halb-und-halb“-Kleid, einer Mütze und Glöckchen. Im 15. Jahrhundert erlangte die Narrenfigur im Karneval und in der Folklore große Bedeutung und Popularität; seine Verbindung mit der Gesellschaftskritik machte es zu einem Vehikel für die subversivsten Ideen. Es spielte auch eine Rolle beim Umbruch der Reformation, als der Narr der „Andere“ (Katholik oder Protestant) war. Wie man an der Kunst von Bosch und Bruegel erkennen kann, war sie im Spätmittelalter und in der frühen Renaissance allgegenwärtig. In der Neuzeit scheint die Figur des institutionellen Narren an europäischen Gerichten zunehmend durch die des Zwergs oder Narren ersetzt worden zu sein. Ab der Mitte der Aufklärung rächt sich der Wahnsinn, indem er in anderen, weniger kontrollierten Formen auftaucht.
Ein Blick auf Watten Pierrot, bekannt als Gilles
16. Oktober 2024 - 3. Februar 2025. Dieses rätselhafte Werk, das Kunsthistorikern seit langem Fragen aufwirft, wird derzeit im Zentrum für Forschung und Restaurierung der Museen Frankreichs konserviert und anschließend im Mittelpunkt einer Sonderausstellung stehen. Über das Gemälde ist nichts bekannt, bevor es vom Künstler und Sammler Dominique Vivant Denon (1747–1825), Direktor des Louvre unter Napoleon, entdeckt wurde. Es galt bald als Watteaus Meisterwerk und wurde von berühmten Schriftstellern und Kunsthistorikern gelobt. Es wurde oft als Spiegelbild eines bestimmten Bildes des 1869. Jahrhunderts gesehen: je nach Autor und Epoche boshaft, zynisch oder melancholisch. Sein Ruhm begünstigte die Wiederbelebung der Kunst des 1798. Jahrhunderts zur Zeit Manets und Nadars. Die Ausstellung präsentiert die Ergebnisse des Naturschutzprojekts. Es wird sich mit diesem völlig originellen Werk befassen, dessen Zuschreibung zu Watteau manchmal in Frage gestellt wurde, sowohl als Teil des Oeuvres des Künstlers als auch im kulturellen und künstlerischen Kontext der Zeit. Neben vielen anderen Gemälden und Zeichnungen Watteaus werden auch Werke seiner Zeitgenossen ausgestellt: Maler, Zeichner, Graveure (Claude Gillot, Antoine Joseph Pater, Nicolas Lancret, Jean Baptiste Oudry, Jean Honoré Fragonard usw.) und Schriftsteller (Pierre de Marivaux, Alain-René Lesage, Jean-François Regnard, Evaristo Gherardi), mit besonderem Augenmerk auf das reiche Theaterrepertoire der Zeit. Sobald das Gemälde 1869 durch die Schenkung von Louis La Caze (XNUMX–XNUMX) in den Louvre gelangte, wurde es zum Liebling von Generationen von Betrachtern. Seine starke Anziehungskraft beruht zum Teil auf seiner außergewöhnlichen Qualität, aber auch auf seiner Originalität für die damalige Zeit und dem Geheimnis, das seine Herstellung umgibt. Die Ausstellung wird auch die reiche und vielfältige kritische Rezeption des Gemäldes und sein weitreichendes künstlerisches Erbe untersuchen. Dieses kraftvolle und rätselhafte Bild hat französische Schriftsteller stark inspiriert, darunter Théophile Gautier, Charles Baudelaire, Paul Verlaine, George Sand, die Brüder Goncourt und Jacques Prévert. Das Gemälde beeinflusste auch Fotografen, Regisseure und Musiker (Nadar, Marcel Carné, Arnold Schönberg) und bildende Künstler (Edouard Manet, Gustave Courbet, Pablo Picasso, André Derain, Juan Gris, James Ensor, Georges Rouault und Jean-Michel Alberola). und führt sie zu neuen kreativen Höhen. Die Ausstellung wird den faszinierenden Gesprächen zwischen diesen großen kreativen Köpfen und Watteaus rätselhafter Malerei nachgehen, auch wenn sie harmonisch mit der Ausstellung „Le Figures del Matto“ harmoniert, die für dieselben Termine in der Halle Napoléon geplant ist. Ausstellungskurator: Guillaume Faroult, Chefkurator, Abteilung für Malerei, Louvre Museum Watteaus Pierrot, früher bekannt als Gilles, ist eines der berühmtesten Meisterwerke der Louvre-Sammlung.
Guillame Guillon-Lethière
13. November 2024 – 17. Februar 2025. Diese vom Clark Art Institute of Williamstown (Massachusetts) und dem Louvre Museum gemeinsam organisierte Ausstellung wird die erste große monografische Ausstellung über einen Künstler sein, der weitgehend aus der Bildfläche verschwunden ist, aber zu den „großen Autoritäten seiner Zeit“ zählt ( Carlo Bianco). Guillaume Guillon-Lethière wurde in Guadeloupe geboren. Seine Mutter war eine freigelassene Sklavin afrikanischer Abstammung, sein Vater ein weißer französischer Königsbeamter. Guillaume studierte zunächst in Rouen und dann in Paris während des Ancien Régime und führte eine glänzende Karriere: Direktor der Französischen Akademie in Rom (1807–1816), 1818 gewähltes Mitglied des Institut de France und Professor an der École des Belle Arts Ab 1819. Er war auch ein großer Sammler und künstlerischer Berater von Luciano Bonaparte. Seine Kunstwerke spiegeln seine Erfahrungen mit den politischen Umwälzungen dieser Zeit und der Abfolge der politischen Regime in Frankreich von der Revolution bis zur Julimonarchie wider. Die meisten seiner Gemälde und Zeichnungen konzentrieren sich auf die antike Geschichte. Er begann seine Karriere in einer Zeit, die vom neoklassizistischen Stil von Jacques-Louis David dominiert wurde; Ihre Fortsetzung im klassischen Sinne führte Ende der 1811er Jahre zu ihrem Verfall, als die nächste Generation romantischer Künstler begann, die Macht zu übernehmen. Die Louvre-Sammlung umfasst zwei riesige Gemälde von Guillon-Lethière, beide fast acht Meter breit und vom klassischen Heldentum inspiriert: Brutus verurteilt seine Söhne zum Tode, fertiggestellt 1828 in Rom, und The Death of Virginia (XNUMX). Der Höhepunkt der Ausstellung ist sein bekanntestes Werk, das in seinem Gesamtwerk seinesgleichen sucht: Der Eid der Ahnen (Nationales Pantheon-Museum, Port-au-Prince, Haiti), ein visuelles Manifest gegen die Sklaverei, das die Freiheit aller Völker verteidigt. Die meisten Leihgaben aus öffentlichen oder privaten Sammlungen werden zum ersten Mal seit dem XNUMX. Jahrhundert in Paris ausgestellt, während die für die Ausstellung und den Katalog durchgeführten Recherchen den Künstler in einem brillanten neuen Licht erscheinen lassen. Ausstellungskuratoren: Olivier Meslay, Hardymon-Direktor, Clark Art Institute, Williamstown, Esther Bell, Robert und Martha Berman Lipp, Chefkuratorin für Malerei und Skulptur, Clark Art Institute; Marie-Pierre Salé, Chefkuratorin, Abteilung für Drucke und Zeichnungen, Louvre Museum
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