"Philip Guston ve Şairler" başlıklı sergi, sanatçının ilham kaynaklarıyla nasıl ilişki kurduğuna dair bir düşünce sunuyor. Guston. Guston'ın elli yıllık sanat kariyeri, başyapıtları arasında sayılan 50 tablosu ve sanatçının yaşamının son yılı olan 25'dan 1930'e kadar uzanan 1980 temel çizimi sergilenerek yeniden izleniyor. Böylece, bu eserlere yansıyan hümanist temalar ile beş şairin dili ve düzyazısı arasında paralellikler kurulur: DH Lawrence (İngiltere, 1885 - 1930), WB Yeats (İrlanda, 1865 - 1939), Wallace Stevens (Amerika Birleşik Devletleri , 1879 – 1955), Eugenio Montale (İtalya, 1896 – 1981) ve TS Eliot (Britanya, Amerika doğumlu, 1888 – 1965).
3 Eylül'e kadar açık olan “Philip Guston ve Şairler” sergisinin küratörlüğünü Kosme de Barañano üstleniyor ve Venedik'teki Gallerie dell'Accademia tarafından Philip Guston Malikanesi ile işbirliği içinde düzenleniyor. Sergi düzenlemeleri, Padua'nın GRISDAINESE stüdyosu tarafından küratörlüğünü yapıyor.
Sergi, çalışmaları üzerinde derin bir etkiye sahip olan ve aynı zamanda sanatçının İtalya ile olan ilişkisine bir övgü niteliğinde olan Philip Guston'ın şehirdeki bir "prömiyeri". Küçük yaşlardan itibaren, duvar resimleri yaparken Rönesans fresklerine ilham kaynağı olarak baktı ve aslında İtalyan resmine olan bu sevgisi, kariyeri boyunca bir ana motif olarak kaldı.
Önemli bir şair, eleştirmen ve öğretmen olan arkadaşı Bill Berkson'a hitaben 1975 yılında yazdığı bir mektupta Guston şunları söyledi: “Onbeşinci ve onaltıncı yüzyıl resimlerine her zamankinden daha fazla daldım! Ve kuzeye, Venedik'e, Tiepolo, Tintoretto'nun ve Pontormo ile Parmigianino'nun sözde Maniyerist yapıtlarının önüne gittiğimde aklımı kaybediyorum ve ilk aşklarıma ihanet ediyorum.
Gallerie dell'Accademia'nın direktörü Paola Marini şöyle diyor: “Philip Guston üzerine Venedik'teki ilk sergiyi sunmaktan mutluluk duyuyoruz. Sanatçının şehrimize dönüşü, daha sonraki sanatsal gelişimi için önemli olan bir tarih ve mirasa kendini burada kaptırdığı düşünülürse, özellikle önemlidir. Akademi salonlarında hayranlıkla seyrettiği resimlerin onun sanatsal vizyonu üzerinde büyük bir etkisi olduğunu İtalyan dönemine ait kendi yazılarından biliyoruz. Guston'ın çalışmalarını bağlamsallaştırmak, çalışmalarını teşvik etmek ve yeni bir yorum bizim için gerçek bir zevk”.
Sanatçının kızı ve Philip Guston Vakfı Başkanı Musa Mayer, şunları hatırlıyor: “1960 Venedik Bienali'nde Amerika Birleşik Devletleri Pavyonu'ndaki Guston sergisi vesilesiyle, üniversiteye gitmeden önce babam annemi ve beni İtalya'ya götürdü. . İlk durağımız Venedik ve Accademia Galerileri oldu. Yarım yüzyıldan fazla bir süre sonra, onun İtalyan sanatının büyük başyapıtlarına olan sevgisine dair güçlü anılarım hâlâ var. Babam, çalışmalarını çok sevdiği resim galerisinde sergilemek için bu harika fırsattan derinden etkilenir ve onur duyardı."
Küratör Kosme de Barañano, "Guston'ın İtalya sevgisi, resmine karmaşık ve zengin bir doku derinliği katıyor" diye yazdı. “Şimdi, onun sanatına, hayatı boyunca kimisine ilgi duyduğu ve kimisinden ilham aldığı, kimisini ise ancak ara sıra okuduğu, akrabası olan edebiyatçıların gözünden ve nesirlerine baktığımızda, onların sözlerinin nasıl bir payda olduğunu inceleyebiliriz. Guston'ın daha sonraki çalışmalarının karmaşıklığıyla bir yakınlık".
sergi
"Philip Guston ve Şairler", beş şairin yazıları ve şiirlerinden bir seçki ile ilgili çalışmaların tematik çekirdeklerinden oluşuyor. DH Lawrence'ın 1929 tarihli "Resim Yapmak" adlı makalesinden başlayarak, Guston'ın resmi, yaratıcı edim üzerine bir düşünceden resmin içerdiği olasılıklar üzerine bir düşünceye doğru hareket ederek, kendi imgeler dünyasının keşfiyle sunulacak. Sergi, Philip Guston'ın hem genç hem de daha olgun çalışmalarına ait işlerle, "vizyoner bir farkındalığa", yani biçimler, imgeler, fikirler ve bunların fiziksel tezahürleriyle sürekli gelişen ilişkiye doğru samimi yolculuğunu araştırıyor.
Yeats'in yazılarıyla olan ilişkisine gelince, Guston'ın kişisel bir resim vizyonu arayışındaki yolculuğu, özellikle 1930 tarihli "Bizans" şiiri aracılığıyla gerçekleşir. Yeats'te olduğu gibi, Guston'ın sanatsal evriminde de ıstıraba ve arınmaya göndermeler vardır. Sanatçı, modernizmin seyreltilmiş sınırlarından, soyutlama dilinden ve New York Okulu'nun kanonlarından uzaklaşarak figürasyonda izini sürdüğü yeni, daha anlamlı bir resimsel yapıya doğru ilerliyor.
Guston'ın trajik ve güçlü sembollerle ifade edilen parçanın şiirselliğini paylaştığı İtalyan Eugenio Montale'den, Wallace Stevens ve TS Eliot'a (Guston'ın 1979 tarihli "Doğu Coker - TSE" adlı tablosunda açıkça atıfta bulunduğu) ulaşmak için, Sergi, Guston'ın çalışmalarında ortaya çıktıkları şekliyle metafizik, bulmacalar ve anlam arayışına dair edebi bir inceleme sunuyor. Guston'ın çalışmaları, daha geleneksel sergilerde olduğu gibi, kronolojik veya trend sıralamasından ziyade şiirsel ortamla ilişkili olarak sunuluyor. Bu nedenle, "Philip Guston ve Şairler"in küratöryel yaklaşımı, eserinin yeniden okunmasına ve bazı yönlerden daha önce görülmemiş bir şekilde yeniden değerlendirilmesine izin veriyor.
İtalya'nın Guston ve tablosu üzerindeki muazzam etkisi, Gallerie dell'Accademia için tasarlanan enstalasyon sayesinde vurgulanacak. 1948'de genç bir Guston, Prix de Rome ile ödüllendirilen İtalya'yı ilk kez ziyaret etti. Çalışmaları Venedik Bienali'nde sergilendiğinde 1960'ta ve yine 1970'te Roma'da bir sanatçı rezidansı için geri döndü. Bu daha fazla İtalya gezisi, New York'taki ilk figüratif resim sergisi etrafında yükselen eleştiri dalgasının ardından gerçekleşti. Guston'ın bazıları tarafından "kaba" ve "çizgi film benzeri" olarak kabul edilen daha varoluşçu tuvallerine, İtalyan kültürel ve sanatsal geleneğinin etkisi nüfuz etmiştir: Roma'ya adanmış serisini dolduran antik ve modern kentsel görüşlerden, referanslardan geçerek Federico Fellini'nin filmlerine göre, çalışmaları büyük İtalyan ustalara çok şey borçlu olduğunu gösteriyor: 1973'ün "Pantheon"unda saygılarını sunduğu Masaccio, Piero della Francesca, Giotto, Tiepolo ve De Chirico. Rönesans'tan ilham alan tablolar, Cosmè Tura ve Giovanni Bellini'ye gönderme yapan eserler ve Guston'ın seyahatleri sırasında yarattığı eserler sergilendi.
Philip Guston
Philip Guston (1913 – 1980), 1930. yüzyıl sanatının en büyük aydınlarından biridir. Duygulardan ve yaşanmış deneyimlerden doğan eserler üretmeye olan bağlılığı, zamanla canlı kalan bir duygusal katılım geliştirir. Guston'ın hikayeli kariyeri, 1980'dan XNUMX'e kadar yaklaşık yarım yüzyılı kapsıyor ve resimleri, özellikle sonraki yıllarına ait olanlar, genç nesil çağdaş ressamlar üzerinde güçlü bir etki yaratmaya devam ediyor.
1913'te Montreal'de Rus Yahudi göçmen bir ailenin çocuğu olarak dünyaya gelen Guston, 1919'da ailesiyle birlikte Kaliforniya'ya taşındı. 1930'da Los Angeles'taki Otis Sanat Enstitüsü'ne kısa bir süre katıldı, ancak bu deneyimin dışında hiçbir zaman düzgün bir örgün eğitim almadı. 1935'te Guston, Los Angeles'tan New York'a gitmek üzere ayrıldı ve burada, Federal Sanat Projesi'nin bir parçası olarak, Works Progress Administration'ın sanatçılardan duvar resimleri sipariş etmesiyle erken başarı elde etti. XNUMX'ların sosyal ve politik ortamının Guston'a uyguladığı güçlü etkinin yanı sıra, resimleri ve duvar resimleri, De Chirico ve Picasso'nun stilize formlarını, Meksika duvar resimlerinin çekişinden ve Rönesans tarihi evlerinin fresklerinden motifleri çağrıştırıyor. Bir duvar ressamı olarak deneyim, Guston'ın daha sonraki figüratif çalışmalarında geri döneceği büyük ölçekli hikaye anlatımı duygusunu geliştirmesine izin verdi.
Midwest'te birkaç yıl öğretmenlik yaptıktan sonra Guston, zamanını Woodstock ve New York City'deki sanatçı kolonisi arasında bölmeye başladı. XNUMX'ların sonunda, şövale resimleri için kişisel alegorik ve figüratif bir dille on yıl deney yaptıktan sonra, Guston soyutlamaya yönelmeye başladı. Onuncu Cadde'deki stüdyosu Pollock, De Kooning, Kline ve Rothko'nun stüdyolarına yakındı.
Guston'ın soyut çalışmaları artık yeni bir kendiliğindenlik ve özgürlüğe demir atıyordu, bu süreç eleştirmen Harold Rosenberg'in daha sonra "aksiyon resmi" olarak tanımladı. XNUMX'lerin başlarında Guston'ın atmosferik soyutlamaları, Monet ile üstünkörü karşılaştırmalara yol açtı, ancak on yıl ilerledikçe, sanatçı yerini grilere, pembelere ve siyahlara bırakan daha kalın mat renkler ve tehditkar renklerle çalıştı.
1955'te diğer New York Okulu sanatçılarıyla birlikte Sidney Janis Galerisi'ne yaklaştı ve 1962'de Janis'in düzenlediği Pop Art sergisini protesto etmek ve bu serginin temsil ettiği sanatın ticarileştirilmesi lehine kaymaya karşı ayrılanlar arasındaydı. onlar için. 1962'de New York'taki Solomon R. Guggenheim Müzesi'ndeki büyük bir retrospektif serginin ardından, Guston saf soyutlama diliyle sabırsızlandı ve daha somut biçimlerle yeniden deneyler yapmaya başladı. Sonraki yılların çalışmaları, bu nedenle, tamamen rahatsız edici, üzücü ve jestsel olan siyah kullanımı ve parlak yeşiller ve kobalt mavilerinin tanıtılmasıyla karakterize edildi. Bu daha karanlık eser, Avrupa yazılarından ve felsefesinden, özellikle Kierkegaard, Kafka ve Sartre'ın eserlerinden etkilenmiştir. Bu noktada Guston, hayatının geri kalanında Woodstock'ta yaşamak ve çalışmak için New York sanat ortamından çekildi.
1968'de Guston soyutlamayı terk etti, böylece resmin anlatı potansiyelini yeniden keşfetti ve çalışmalarında gerçeküstü motifleri ve nesne kombinasyonlarını keşfetti. Bu "kurtuluş", tüm yaratıcı yaşamının en verimli dönemine yol açtı. Önümüzdeki birkaç yıl içinde ampuller, kitaplar, saatler, şehirler, sigaralar, terk edilmiş ayakkabılar ve kapüşonlu Ku Klux Klan figürlerinden oluşan kişisel bir sözlük geliştirdi. XNUMX'lerdeki resimsel ifadesi, genellikle doğaya açık bir otobiyografik göndermeydi: Bir kukuleta tarafından maskelenen sanatçı figürü, karısı Musa'nın veya hatta bir kozaya sarılı yarı soyut bir Guston'un hassas portreleri sık sık tekrarlandı. Geç dönem çalışmaları ayrıca Guston'ın erken yaşamının, tanık olduğu dini ve ırksal zulümlerin ve babasının intiharının yankılarını da ortaya koyuyor. Son çalışmaları, kendi kuşağının sanatçıları arasında benzersiz olan, büyüyen bir özgürlüğe sahiptir. XNUMX'lerin ortalarında, daha önce hiç görülmemiş garip ikonik şekiller ortaya çıktı. Guston bir çalışma notunda, "Resmi yapılacak bir konudan bahsediyorsam, varlıkların ve şeylerin unutulmuş bir yeri olduğunu kastediyorum, bunu hatırlamalıyım", diye yazmıştı. "Burayı görmek istiyorum. Görmek istediğimi resmediyorum”.
Guston'ın geç dönem çalışmaları eleştirmenler tarafından kolayca kabul edilmedi ve 1980'deki ölümüne kadar büyük ölçüde yanlış anlaşıldı. Çalışmaları, ölümünden üç hafta önce San Francisco'daki Museum of Modern Art'ta açılan gezici bir retrospektifin ardından radikal bir yeniden değerlendirmeye tabi tutuldu. Sonraki yıllarda Amerika Birleşik Devletleri, Avrupa ve Avustralya'da başka retrospektifler ve monografiler düzenlendi. Guston'ın son resimleri bugün XNUMX. yüzyılın en önemli eserleri arasında sayılıyor.
Düzenleyici hakkında not
Kosme de Barañano, Guston'ın fahri akademisyenidir. Pek çok projenin yanı sıra iki önemli sergi “Philip Guston: Roots of Drawings” (Rekalde, Bilbao 1993) ve “Philip Guston One Shot Paintings” (IVAM, Valencia 2001) düzenledi. Uluslararası üne sahip bir sanat tarihçisi ve küratör olan De Barañano, IVAM'ın direktörü ve Madrid'deki Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia'nın müdür yardımcısıydı. Bilbao Deusto Üniversitesi'nden Sanat Tarihi alanında doktora derecesine sahiptir. De Barañano, Bask Bölgesi Üniversitesi'nde ve İspanya Elche Üniversitesi'nde Sanat Tarihi Profesörüdür ve Venedik'teki IUAV'de ve Berlin'deki Humboldt Üniversitesi'nde Misafir Profesör olarak bulunmuştur. Pontormo ve Max Beckmann'dan Alberto Giacometti ve Eduardo Chillida'ya kadar çok sayıda konuda çok sayıda kitap ve makaleye imza attı.
Philip Guston: Ressam, 1973, tuval üzerine yağlı boya, 72 3/4 x 80 1/2 inç. Özel koleksiyon. © Philip Guston'ın Malikanesi. Nezaket Hauser & Wirth
