De-a lungul celor cincizeci de ani de căsnicie, cuplul a pornit într-o călătorie inspirată în afaceri, familie și colecție, un parteneriat iubitor care a dus la o colecție remarcabilă de artă plastică. Selecția impresionist și modern cuprinde 16 loturi. Lucrări suplimentare din colecție vor fi vândute prin intermediul American Art Sale din New York pe 20 noiembrie și prin Old Evening Sale Sale din Londra pe 6 decembrie. Împreună, colecția este de așteptat să depășească 50 de milioane de dolari.
Născut în Brooklyn în 1926, Herbert J. Klapper era fiul unui vânzător de mașini de cusut; viitoarea lui soție, Adele, s-a născut trei ani mai târziu în Brooklyn din imigranți europeni. Atât Herbert, cât și Adele Klapper au întruchipat ambițiosul „vis american” al secolului XX. Doamna Klapper a renunțat la facultate pentru a-și ajuta familia. După ce s-a întors de la serviciul militar, domnul Klapper a început să lucreze la compania de vânzări de mașini de cusut a tatălui său din districtul de confecții din Manhattan; în apropiere, Adele Klapper a fost angajată de International Ladies Garment Workers Union. Și așa a fost că o întâlnire întâmplătoare între tânărul Herbert și Adele la un prânz la un restaurant local a oferit scânteia pentru ceea ce avea să devină o jumătate de secol de căsătorie.
Succesele extraordinare ale lui Klappers în afaceri au venit după ani de antreprenoriat și muncă grea, când domnul Klapper a transformat afacerea tatălui său în Superior Sewing Machine and Supply Corporation, principalul furnizor mondial de piese și componente pentru mașini de cusut. În artă, domnul Klapper a putut folosi aceeași perspicacitate în afaceri și atenție la detalii pentru a beneficia de o colecție privată substanțială.
Lucrând cu proprietari de galerii reputați și specialiști în case de licitație, Klappers au dobândit în mod constant exemple remarcabile de artă vechi, impresionistă și modernă. Perechea și-a organizat cu grijă asamblarea pentru a se concentra pe ce este mai bun de la artiști precum Pablo Picasso, Auguste Rodin, Jean Arp, Claude Monet, Pieter Brueghel cel Tânăr, Paul Cézanne, Pierre-Auguste Renoir și Edgar Degas.
Conducerea colecției este Scara à Vetheuil di Claude Monet, 1881 (12-18 milioane USD). Cu abundența sa uimitoare de flori și frunze, această pânză udată de soare surprinde splendoarea verii înalte în grădina lui Monet din Vétheuil, un cătun rural pe care artistul l-a numit acasă din 1878 până în 1881. Scara din centrul pânzei servește ca o compoziție. ancora pentru o serie de patru vederi strâns legate ale casei și grădinii, pe care Monet le-a creat în timpul înălțimii soarelui de vară. Actualul L'escalier à Vétheuil a fost cel mai probabil primul din serie care a fost creat, vederea sa de aproape asupra treptelor nepopulate sugerând că artistul și-a instalat șevalet pe terasa superioară pentru a surprinde panorama. Calitatea decorativă a scenelor din grădina Vétheuil a fost foarte clară pentru piața contemporană. Monet a vândut toate cele trei pânze în aer liber în decurs de un an sau doi de la execuție, păstrând doar varianta de studio la National Gallery. Primul proprietar al versiunii actuale a fost magnatul căilor ferate din Pennsylvania, Alexander Cassatt, fratele pictorului impresionist Mary Cassatt și un pionier al colecționarului american de pictură nouă; pânza a intrat în colecția sa în jurul anului 1883, când opera lui Monet era încă puțin cunoscută peste Atlantic. În primăvara aceluiași an, Monet și familia sa extinsă s-au mutat în aval, la Giverny, unde grădina artistului, ca subiect pentru pictura modernă, avea să atingă în sfârșit apogeul. L'escalier à Vétheuil este ultimul dintre cele patru din serie care a rămas în mâini private: o versiune este atârnată la National Gallery din Washington; DC, altul se află în Muzeul Norton Simon din Pasadena; iar al treilea a fost lăsat moștenire de legendarul om de afaceri, filantrop și colecționar din California, A. Jerrold Perenchio, Muzeului de Artă al Județului Los Angeles în 2014.
Inspirația lui Picasso în crearea pastelului Femme cazat, 1921 (10-15 milioane de dolari) a fost dublu, urmărind interese paralele în materie și stil. Modelul este soția artistului, Olga, născută Khokhlova, pe care a cunoscut-o în 1917, în timp ce ea era dansatoare principală în Les Ballets Russes de Serge Diaghilev. S-au căsătorit în anul următor și la scurt timp după aceea și-au luat un apartament pe rue la Boétie, noul epicentru al comerțului de artă parizian. Vânzările făceau din Picasso un om bogat. La 4 februarie 1921, Olga și-a prezentat soțul, cu un fiu drept primul născut, singurul moștenitor masculin din partea sa din familia Ruiz-Picasso. Artista recunoscătoare a sărbătorit evenimentul într-o serie de desene și picturi de maternitate, în timp ce a onorat-o pe Olga ca un model atemporal de feminitate grațioasă și fructuoasă în picturile și portretele figurilor.
De obicei, lui Picasso îi plăcea ideea de a lucra împotriva curentului și a contravenit „chemării la ordine” în proporțiile aberante ale feței și corpului pe care a ales să le folosească în figurile sale clasice. În Femme accoudée, Picasso a supus trăsăturile slave fin dezosate ale Olgăi unor distorsiuni subtile rococo, lărgând spațiul dintre ochi în timp ce i-a miniaturizat buzele. De asemenea, aici, ca semn distinctiv al modului clasic al lui Picasso, este aparenta mărire a brațelor și mâinilor modelului. Această suplețe antinaturalistă în formele plastice derivă din precedentele din stilurile figurative anterioare ale lui Picasso, precum și din practica sa cubistă și avea să prevaleze în toate lucrările sale ulterioare.
Pictat la 28 noiembrie 1924, bust de femeie au Pur albastru di Pablo Picasso (8-12 milioane de dolari) – imaginea din stânga, este printre cele mai recente dintr-o serie de portrete neoclasice elegante și obsedant de enigmatice pe care artistul le-a pictat în primii ani ai deceniului. Părul negru, privirea gânditoare, melancolică a modelului și trăsăturile rafinate, perfect cizelate, dezvăluie imediat prezența și caracterul Olga Khokhlova. Acest tablou arată apogeul și puterea subtilă de expresie pe care Picasso o putea evoca în timp ce lucra în stilul rece senzual și urban de portrete pe care Olga l-a inspirat în lucrarea ei. În câteva luni, fascinația de decenii a artistului față de clasicism avea să cedeze loc unei imersii cu totul transformatoare în intensitatea convulsivă a revoluției suprarealiste.
Pictat în 1896, Dansator (6-8 milioane USD) este printre cele mai importante lucrări ale Henri de Toulouse-Lautrec în tema baletului. Când Lautrec a intrat în studioul său, s-a uitat la modelul său, în timp ce ea își ajusta straturile de tul în fusta de balet pe care tocmai o îmbrăcase în pregătirea pentru sesiunea lor de lucru împreună. Rezemată de o oglindă mare, tânăra i-ar apărea artistei de parcă s-ar închina în fața publicului. Poziția sa decentrată, poligonul înclinat al umerilor și brațele îndoite în spate au creat un efect de contrapposto extemporaneu și perfect pictural. Apreciind rapid frumusețea momentului, Lautrec și-a pictat modelul exact așa. Rezultatul este o pictură liniștită și misterioasă, un succes accidental de sincronizare și observație, o evocare sensibilă a unei figuri solitare într-un cadru intim și capricios. Danseuse de Lautrec îl include în proveniența sa distinsă pe renumitul dealer german Justin K. Thannhauser, a cărui colecție a primit propria aripă în Muzeul Solomon R. Guggenheim, New York. Un proprietar ulterior a fost Arthur Murray, un specialist în dansuri de sală, care a dezvoltat lecții și a pregătit instructori în domeniu. În 1938, Murray a fondat franciza de dans care îi poartă numele.
