Le Galeriile Italiei – Piazza Scala, sediul muzeului Intesa Sanpaolo din Milano, prezent dal 25 octombrie 2019 - 15 martie 2020 Expoziția Canova | Thorvaldsen. Nașterea sculpturii moderne, editat de Stefano Grandesso și Fernando Mazzocca.
Realizată în colaborare cu Muzeul Thorvaldsen din Copenhaga, Muzeul Ermitaj de Stat din Sankt Petersburg, expoziția este posibilă datorită contribuției unor împrumuturi fundamentale acordate de muzeele și colecțiile private italiene și străine. Pentru a numi doar câteva: Biblioteca Apostolică Vaticană, Galeriile Uffizi din Florența, Muzeul J. Paul Getty din Los Angeles, Museo Nacional del Prado din Madrid, Pinacoteca di Brera și Pinacoteca della Veneranda Biblioteca Ambrosiana din Milano, Metropolitan Museum din New York, Galeriile Naționale de Artă Antică din Roma, Gallerie dell'Accademia din Veneția. Un nucleu substanțial de lucrări provine și de la Muzeul Antonio Canova și Gypsotheca din Possagno, care are inițiative importante planificate pentru sărbătorirea a 200 de ani de la moartea maestrului.
Expoziția propune o comparație, niciodată încercată până acum, între cei doi mari protagoniști ai sculpturii moderne din epoca neoclasică și romantică: italianul Antonio Canova (1757-1822) și danezul Bertel Thorvaldsen (1770-1844), cei doi „clasici moderni”. ” capabilă să transforme însăși ideea de sculptură și tehnica acesteia, creând lucrări nemuritoare care au devenit populare și reproduse în întreaga lume.
Terenul pe care cei doi iluștri maeștri s-au confruntat inițial a fost pământul roman, unde amândoi și-au desfășurat o bună parte a carierei: Canova a ajuns la Roma în 1781 și a murit acolo în 1822, în timp ce Thorvaldsen s-a stabilit acolo începând din 1797 pentru următorii patruzeci de ani.
Aici, cei doi artiști s-au angajat într-una dintre cele mai cunoscute și mai productive provocări pe teme și subiecte identice care vor oferi artei câteva capodopere: figurile mitologiei clasice, precum Dragoste și psihic, Venus, Paris, Ebe, mulțumesc, a reprezentat în imaginația comună întruparea marilor teme universale ale vieții, precum scurta călătorie a tinereții, feeria frumuseții, lingușirile și dezamăgirile iubirii.
Aplauzele cu care au fost primiți amândoi de criticii contemporani sunt emblematice pentru o civilizație care privea spre antic, dar care în același timp aspira spre modernitate, o dualitate pe care au știut să o interpreteze și să o îndrume cu măiestrie: Canova fusese artistul revoluționar. , capabilă să garanteze sculpturii un primat asupra celorlalte arte, în semnul comparației și depășirii anticului; Thorvaldsen, privind opera și strategia rivalului său, a fost inspirat de o idee mai severă și mai austeră a clasicismului, demarând un nou sezon de artă nordică, inspirată de civilizațiile mediteraneene.
Amândoi reușiseră să se elibereze de constrângerea pe care clientul o punea în mod tradițional sculpturii din cauza costurilor mari ale marmurei sau bronzului, înființând ateliere mari care aveau dimensiunile unor ateliere complexe, cu numeroși colaboratori și studenți: cu inovațiile tehnice introduse de Canova și folosit pe scară largă de Thorvaldsen – creând un model din ipsos înaintea statuii de marmură – sculptorul a căpătat pentru prima dată libertatea de a-și exprima propria poetică în statuia, realizată fără comandă.
Prin peste 150 de lucrări împărțite în șaptesprezece secțiuni Expoziția intenționează să documenteze complexitatea extraordinară a creațiilor lui Canova și Thorvaldsen, destinate atât colecțiilor italiene, cât și internaționale de mare profil, și urmările enorme pe care le-a avut sculptura lor, propunând comparații continue cu alți artiști de toate naționalitățile.
Prima secțiune tratează subiectul Imaginea artistului. Autoportretele, cu lucrările interpretate de cei doi artiști în trei momente: la începutul carierei, când s-au impus deja, și cele create la maturitate. Canova s-a reprezentat atât ca sculptor, cât și ca pictor într-o serie de picturi. Thorvaldsen ne-a lăsat în unele desene o imagine mai intimă a chipului său cu trăsături romantice. Dar cele două portrete oficiale sunt acelea în care sunt înfățișate în două busturi de natură eroică, adică mai mari decât natura, în mod demodat: două portrete de auto-sărbătorire, proiectate într-o dimensiune atemporală, dar și animate de un mare. sarcina introspectivă.
Continuam cu sectiunea de Studiile lui Canova și Thorvaldsen la Roma, cu o serie de lucrări care se referă la adevăratele ateliere în care cei doi maeștri au lucrat în centrul Romei: sunt expuse lucrările lui Francesco Chiarottini, Johan Vilhelm Gertner, Hans Ditlev și Christian Martens, Gaetano Matteo Monti, Friedrich Nerly, Ferdinand Richardt, Pietro Tenerani, care mărturisesc modul în care studioul a devenit pentru Canova și Thorvaldsen un fel de muzeu al artistului, unde își pot expune lucrările și modelele din ipsos de copiat.
Următoarele secțiuni, dedicate portrete, mai ales celor atribuite celor doi sculptori, stau martorii unui fenomen care ca număr și calitate nu are egal în istoria artei, justificat de admirația la care au fost obiectul. Canova apare simultan ca artistul faimei universale și personificarea identității naționale italiene. Thorvaldsen, Phidias nordic, este referința pentru renașterea artei germanice și nordice în general.
În a treia secțiune, gloria lui Canova, o serie de efigii, lucrări de Andrea Appiani, Giuseppe Bossi, Giovanni Ceccarini, Hugh Douglas Hamilton, Angelica Kauffmann, John Jackson, Giovanni Battista Lampi Junior, Thomas Lawrence, Ludovico Lipparini, au ca subiect pe Antonio Canova, imagini foarte diferite pe care le-au dezvăluie măreția artistului, reprezentată uneori alături de lucrările sale, și admirația pentru el. Emblematică este statuia monumentală, așezată în centrul acestei secțiuni, în care Canova nu apare în haine moderne ca în celelalte portrete, ci așezat și semidezd cu un corp atletic, lângă capul antic al așa-zisului. Jupiter din Otricoli.
Continuă cu Portrete pe scenă, care reunește portrete cu caracter celebrativ printre care și pe cele ale celor doi artiști care pozează în hainele lor de ceremonie (trei de Rudolph Suhrlandt și unul de Jacob Munch), dar și lucrările lui François Xavier Fabre cu Ugo Foscolo, Vittorio Alfieri, Antonio Canova identificate ca marile glorii ale Italiei; Acolo Venus italiană iar portretul Mariei Luigia de Habsburg și ipsos pentru Monumentul lui Vittorio Alfieri, toate de Canova, marchează ultimul mare sezon al portretului alegoric ca o apoteoză de modă veche.
O atenție deosebită este acordată în secțiunea a cincea, Pictograme populare. Imaginea multiplicată a capodoperelor, la circulația reproducerilor realizate de alți artiști în toate materialele și tehnicile, de la reduceri în bronz până la gravuri. Pe lângă cele două reliefuri de ceară de Canova și micul portret în ceară al lui Thorvaldsen de Giovanni Antonio Santarelli, precum și cinci lucrări de ceară de Benedetto Pistrucci, reproduceri ale operelor lui Antonio Canova, există o medalie de aur de Christen Christensen cu imaginea lui Thorvaldsen pe față și Galatea îi prezintă lui Cupidon Danemarca cu lira lui Thorvaldsen pe revers, în comparație cu o medalie de bronz de Giuseppe Girometti cu subiect Canova.
Un loc proeminent îl acordă reducerilor din bronz aurit folosite ca piese de mobilier excepționale: în timp ce Desiderio Cesari îl înfățișează pe maestrul danez cu această tehnică, este expus unul dintre subiectele preferate ale lui Canova, unEbe realizat de manufactura Strazza si Thomas, in comparatie cu cea realizata pe modelul lui Pietro Galli, de Thorvaldsen, de Wilhelm Hopfgarten si Benjamin Ludwig Jollage, din care mai este expus Jason cu Lâna de Aur.
Secțiunea se încheie cu litografii cu subiecte religioase și portrete în stil neoclasic de Michele Fanoli de la Biblioteca Națională Braidense, care au fost publicate și distribuite în întreaga lume, mărturisind vastitatea și versatilitatea producției lui Canova.
În secțiunea a șasea Gloria lui Thorvaldsen, în jurul efigiei monumentale în lungime întreagă a luiAutoportret cu Statuia Speranței, unde artistul a reușit să reînvie frumusețea misterioasă a artei grecești a epocii arhaice, găsim efigii care îl înfățișează sau care reproduc operele sale de Karl Begas, Ditlev Conrad Blunck, Vincenzo Camuccini, Johan Vilhelm Gertner, Alessandro Puttinati, Carl Adolf. Senff, Horace Vernet, Carl Christian Vogel von Vogelstein și Emil Wolff: Imaginea lui Thorvaldsen a devenit extraordinar de populară, alimentând mitul sculptorului care, venit din Nord, devenise interpretul unui ideal clasic și mediteranean de frumos.
Primatul sculpturii și celebrarea geniului se concentrează asupra averii pe care genul sculptural și-a asumat-o datorită lui Canova și Thorvaldsen, martori atât pe plan ilustrativ, cât și alegoric, pe marmură și pe pânză, de Giuseppe Borsato, Carl Dahl, Giacomo De Maria, Julius Exner, Constantin Hansen, Leopold Kiesling, Tommaso Minardi, Giuseppe Sabatelli, LA Smith, Fritz Westphal. Alegoriile de derivație clasică au fost folosite pentru a celebra puterea artelor și în special a sculpturii ca fiind cea pe care cel mai mult reușește să imite și să concureze cu Natura, creând figuri tridimensionale capabile să trăiască în spațiu.
Există și portrete ale lui Canova unde este sărbătorit în ceremoniile solemne oficiate pentru moartea sa, trăite ca un doliu național, și în monumentele care îl vor aminti ca geniul universal. Și Thorvaldsen, la întoarcerea sa la Copenhaga, a fost sărbătorit ca un zeu și i-a fost dedicat un muzeu personal, o onoare niciodată acordată unui artist în viață.
În holul central mare, în jurul căruia se învârte expoziția, Grațiile și dansul, sectiunea dedicata comparatiei senzationale, niciodata propusa pana acum, intre cele doua capodopere celebre, cele doua grupe de marmura ale Mulțumesc unde Canova și Thorvaldsen și-au exprimat cel mai bine idealul de frumusețe. La conceptul de grație ca mișcare, varietate și sentiment al grupului lui Canova din Ermitaj, Thorvaldsen răspunde prin reafirmând idealul său auster de simplitate castă cu Grațiile cu Cupidon, de la Muzeul Thorvaldsens. Aceste două lucrări sunt înconjurate de o coregrafie din patru figuri în care Canova, Thorvaldsen și unul dintre adepții lor, Gaetano Matteo Monti, au reprezentat motivul dansului, o mare noutate pentru că o temă niciodată abordată în sculptură.
Portretele ca oglindă a unei epoci urmărește vasta producție de portrete în marmură a lui Canova și Thorvaldsen, restaurând imaginea celor mai proeminente personaje ale vremii, suverani, aristocrați, colecționari, artiști și oameni de litere care doreau să fie imortalizați în trăsături idealizate. În ciuda idealizării, aceste chipuri nu par reci, ci animate de o capacitate extraordinară de a transmite psihologia personajelor.
O altă temă dragă celor doi sculptori este exemplificată în secțiune Venus și triumful frumuseții. Canova, Thorvaldsen și urmașul lor Mathieu Kessels sunt comparați în reprezentarea lui Venus, zeița iubirii. Mai presus de toate Canova a favorizat acest subiect, reprezentând în diverse statui, puțin diferite între ele, motivul lui Venus care, ieșind din baie, încearcă să se acopere de privirile indiscrete. În acest fel a intenționat să transmită emoția pe care o resimți de fiecare dată când apare frumusețea. Zeița Canovai apare mai feminină și deci mai senzuală decât cea a lui Thorvaldsen care, în nuditatea ei absolută, rămâne o divinitate: o Venus victorioasă care, perfect nemișcată, expune triumfător mărul victoriei care i-a fost repartizat în celebrul concurs.
Secțiunea a unsprezecea, Amor vincit omnia. Reprezentarea iubirii, examinează una dintre cele mai iubite teme în sculptură și pictură între neoclasicism și romantism, și anume cea a Iubirii sau Cupidon. Simbol al grației senzuale, al frumuseții intacte și inocente, cu corpul unui adolescent sau al unui copil, figura lui Cupidon a oferit un prilej unic de virtuozitate în reprezentarea aripilor, care fac aceste imagini extraordinar de seducătoare. Thorvaldsen și urmașul său Wolff descriu Dragostea ca pe o zeitate victorioasă, mândră de triumful său, făcând astfel puterea acestui sentiment universal dominant asupra vieții și destinului omului. Deosebit de apreciate și solicitate au fost basoreliefurile în care Thorvaldsen a putut reda vechiul mit al Dragostea de copii consolată de Venus sau ca emblemă, alături de Bacchus sau Anacreon, a anotimpurilor, unde frumusețea tinerească este investigată împreună cu resursele alegorice ale mitului, pentru a simboliza că întotdeauna există un timp pentru a iubi. În'Apollo încoronându-se, un experiment timpuriu al lui Canova efectuat în atelierul de la Roma în 1781-82 și păstrat astăzi în Muzeul Getty din Los Angeles și înApollon recent redescoperita, atentia la miscare este mai accentuata. De asemenea, sunt expuse lucrări pe pânză de José Álvarez Bouquel, Francesco Hayez, CF Høyer, Mathieu Kessels, Joseph Paelinck, Julien de Parme, Emil Wolff.
În urma lui Cupidon, cele două secțiuni sunt dedicate în întregime subiectelor preferate ale celor doi sculptori: a douăsprezecea la Dragoste și psihic iar al treisprezecelea ad Şi ce dacă.
In primul, În semnul harului. Dragoste și psihic, tema este declinată în lucrările pe pânză și în marmură de Giovanni Maria Benzoni, Agostino Comerio, François Pascal Simon Gérard, Felice Giani, Johan Tobias Sergel care încadrează celebrul grup Canova din Ermitaj. Cupidon și Psyche în picioare impreuna cu Psyche cu vaza de Thorvaldsen. Îmbrățișarea celor doi îndrăgostiți este redată în cele două grupuri de marmură de către Canova și Thorvaldsen într-un mod foarte diferit. În timp ce în prima atenția lor pare concentrată asupra fluturelui, identificat ca emblemă a sufletului, în a doua privirea lor este îndreptată către vază, identificată ca obiect misterios și element cheie al mitului. În comparație cu senzualitatea captivantă a creației lui Canova, opera sculptorului danez pare a fi caracterizată de o grație mai detașată.
In secunda, Figuri zburătoare. Hebe paharnicul zeilor, lucrările lui Vincenzo Camuccini, Gavin Hamilton, John Gibson, Gaspare Landi, Pietro Tenerani oferă perspective asupraEbe canoviana a Schitului și a celor trei lucrări (statui și reliefuri) de Thorvaldsen în care apar Ebe, Hercule, Nemesis e Jupiter.
Figura lui Hebe, identificată ca simbol al tinereții eterne, nu avea, spre deosebire de Venus, Cupidon și Psyche, o tradiție iconografică care datează din antichitate din care să se poată inspira Canova și Thorvaldsen. În epoca neoclasică, Ebe a avut un succes considerabil în pictură, în special în rândul artiștilor englezi, așa cum o demonstrează exemplul lui Gavin Hamilton, considerat unul dintre primii susținători ai lui Canova. Față de puterea dinamică extraordinară a statuii Canovei pe jumătate goală și cu haine transparente pe care vântul o face să adere de corp, iese în evidență castitatea imobilă a Hebe-ului lui Thorvaldsen, închisă în frumusețea ei melancolică și spirituală.
Un capitol separat, Marii patroni. Napoleon și Sommariva, se concentrează pe comandarea celor doi maeștri: patroni precum Napoleon și familia sa și marele colecționar lombard Giambattista Sommariva, care a achiziționat numeroase statui ale lui Canova și a primit capodopera sa de la Thorvaldsen, Triumful lui Alexandru în Babilon comandat de Napoleon pentru Quirinal, dar apoi executat pentru vila Tremezzo de pe lacul Como. Datorită lui Sommariva și altor patroni, ambii artiști au avut o relație privilegiată cu Milano. Înfățișându-l pe Napoleon, Canova a încercat să transmită farmecul eroului, al omului destinului, în timp ce Thorvaldsen l-a divinizat pe împărat reprezentându-l ca Jupiter cu un vultur. Sommariva este reprezentată în magnificul portret al lui Prud'hon, inspirat de cele ale marilor colecționari englezi care i-au pus pe Batoni să-i portretizeze împreună cu statuile antice admirate la Roma.
Continuăm pe temele dragi lui Thorvaldsen, cu Farmecul tinereții eterne. Ganimede: subiectul preferat al maestrului, complementar celui al lui Hebe, nu a fost niciodată luat în considerare de Canova. Danezul a făcut din aceasta imaginea masculină a unui simbol al frumuseții adolescentine al tinereții eterne, experimentând diferite moduri de a o reprezenta, influențând pictorii și sculptorii contemporani, ca în cazul lucrărilor lui Camillo Pacetti, prezentate în expoziție.
Moștenirea romantică. Păstorul rătăcitor rezumă, cu lucrări dedicate frumuseții naturale și caracterului sentimental al subiecților arcadieni și pastorali ai lui Hippolyte Flandrin, John Gibson, Aleksandr Andreevic Ivanov și Bertel Thorvaldsen, moștenirea trăsăturilor stilistice și modelelor de universalitate atemporală a limbajului lui Canova și Thorvaldsen. Aici, trăsăturile mai idealizate ale lui Ganymede sunt înlocuite cu cele mai naturale ale lui cioban care în versiunea Manchester Art Gallery încă se sprijină pe piedestalul său original proiectat de Flaxman. În Faun reprezentat de cel mai bun adept al lui Thorvaldsen, Pietro Tenerani, el seduce verosimilitatea live în timp ce cântă muzică care pare să-i liniștească membrele. În mod similar, somnul conferă un sentiment de melancolie figurii de ciobănesc deznădăjduit și visător al lui Gibson. Aceeasi langoarea o gasim si in Tânăr cioban pictat de Flandrin, nostalgic după o Arcadie pierdută.
Încheierea itinerarului expozițional este splendida serie de 13 basoreliefuri din ipsos de Canova expuse permanent la Gallerie d'Italia și aparținând colecției din secolul al XIX-lea a Fundației Cariplo. Ele imortalizează scene mitice și reprezentări ale unor precepte ale filozofiei socratice.
