Sunt expuși peste 60 de artiști care se întind pe șapte decenii, lucrările reflectă perioadele socio-politice și artistice ale creației lor. Îmbrățișând idei și expresii noi, arta nativilor americani continuă să evolueze, artiștii consacrați, emergenti și subrecunoscuți care își împărtășesc viziunile unice despre identitatea artistică indigenă. Expoziția va prezenta artiștii evidențiați mai jos, cu o listă completă a artiștilor de mai jos.
Cara Romero, un artist-fotograf contemporan excepțional de origine Chemehuevi
Cu sediul în prezent în Santa Fe, New Mexico, legătura lui Romero cu sud-vestul îi influențează profund munca. Inclusă în expoziție este una dintre capodoperele sale cele mai convingătoare, Memoria apei, într-un format nemaivăzut până acum: un monumental 78″ x 78″, ediție de 1. Această operă de artă particulară încapsulează explorarea dedicată a lui Romero a amprentei culturale și a conexiunii profunde cu spiritualitatea și mediul înconjurător. Imaginea izbitoare poate fi interpretată ca o metaforă a imersiunii în cunoștințele ancestrale și a păstrării moștenirii culturale în ciuda presiunilor externe și a schimbărilor sociale. Memoria apei poate fi găsită în colecțiile permanente ale Muzeului Metropolitan de Artă, Muzeul Autry, LACMA, Muzeul de Artă Palm Springs, Smithsonian NMAI, Muzeul The Hood, Muzeul Amon Carter de Artă Americană, Muzeul de Artă Montclair, Muzeul Artelor și Cultura indiană și printre importante colecții private.
Jaune Quick-to-See Smith, cetățean al Națiunii Confederate Salish și Kootenai, este o forță de pionierat în arta contemporană a amerindienilor.
Cariera lungă și prestigioasă a lui Quick-to-See Smith a cunoscut o creștere explozivă în ultimii ani. Activitățile artistului au condus recent la o apreciată retrospectivă solo la Muzeul Whitney de Artă Americană din New York în primăvara anului trecut, 2023. Urmărind și în prezent vizionată, Quick-to-See Smith a curatat o expoziție de reper la National Gallery din Washington DC, prima expoziție a instituției de artă nativă americană contemporană în 70 de ani. În lucrarea sa majoră, intitulată My Heart Belongs to Daddy, artistul excavează trecutul prin pictură, tehnici mixte și colaj. My Heart Belongs to Daddy este o critică emoționantă și care provoacă gândirea a aproprierii culturale, mai degrabă decât aculturarea și comercializarea imaginilor native americane.
Marie Watt, infuzează eforturile sale creative cu un puternic simț al comunității, al moștenirii și al povestirii
Crescută în nord-vestul Pacificului, Watt se bazează din perspectiva ei indigenă și din experiențele personale pentru a crea artă care face o punte între tradiție și expresia contemporană. Lucrarea ei acoperă o gamă variată de medii, inclusiv sculptură, instalație și, în special, textile la scară largă care servesc ca vase pentru memoria colectivă și narațiunile culturale. Lucrarea majoră a lui Watt din 2014, Trek (Pleiades), este o mărturie monumentală a puterii comunității narative. Prin cusături meticuloase, artista combină obiecte disparate cu elemente încărcate cu semnificație istorică și simbolică. Folosirea ei de pături are o greutate culturală, simbolizând căldura, confortul și legăturile interpersonale în cadrul comunităților indigene. De-a lungul ascensiunii lui Watt în lumea artei, marcată de numeroase premii și expoziții în galerii și muzee prestigioase, ea rămâne adânc înrădăcinată în comunitatea ei. Watt se angajează în proiecte, ateliere și inițiative educaționale conduse de comunitate, cu scopul de a amplifica perspectivele culturale indigene și de a împuternici următoarea generație de artiști.
Artistul matriarhal Navajo Calvin Toney
Născut în 1987 în Fort Defiance, Arizona, artistul Navajo Calvin Toney locuiește și lucrează în prezent în apropiere de Salina, Arizona. Ea provine dintr-o filiație lungă și bogată de artiști matriarhali. Bunica lui Toney (Beth Bitsuie), mama și mătușa sunt toți țesători renumiți. Cu aceste femei și-a perfecționat priceperea de țesut. Jaune Smith Vizualizare rapidă My Heart Belongs to Daddy, 1998 60 x 50 inchi Maria Watt Trekking (Pleiades), 2014 76 x 118 inchi Calvino Toney Untitled Red Background Fabric, 2022 101,5 x 69,5 inch The Extraordinary Fabrics, în special textile Navajoing, secolul al XIX-lea țesături bogat colorate firele Germantown l-au inspirat foarte mult pe Toney. El a condus o întâlnire din 2019 cu artistul din Santa Fe Ken Williams Jr. la o comisie pentru a crea o lucrare extrem de colorată și pentru a se asigura că țesăturile ulterioare ale lui Toney vor fi o revoltă de culoare, aplicate fără teamă. Toney își vede textilele ca picturi și influențele sale sunt nenumărate, variind de la arhitecții italieni renascentist și moderniști, Jackson Pollock, Jean-Michel Basquiat, Faberge și faimosul olar Hopi, Nampeyo. Lucrările sale la scară largă, precum cele din expoziție, îndeplinesc ambițiile lui Toney de a imagina și exprima modele elaborate și cuprinzătoare.
Charles Loloma este unul dintre cei mai faimoși și mai influenți artiști nativi americani din America
Numit adesea Nașul bijuteriilor native americane contemporane, desenele sale au fost inspirate de iconografia ceremonialismului său tribal, precum și de originile culturale ale Hopi care trăiesc în deșertul arid din nordul Arizona. Piesele colecționate cu aviditate ale lui Loloma sunt prezentate în instituții importante și au făcut parte din colecțiile prestigioase ale regretatei doamne Dwight D. Eisenhower, Frank Lloyd Wright, Lyndon B. Johnson și Regina Danemarcei, printre mulți alții. Inovațiile lui Loloma în domeniu au dat tonul pentru bijuteriile native de la sfârșitul secolului XX și începutul secolului XXI. Una dintre cele mai importante și celebre creații ale sale, un pandantiv Lander din aur de 18k și albastru turcoaz, este inclusă în această expoziție. Acest turcoaz este una dintre cele mai mari și mai înalte pietre prețioase de la una dintre cele mai rare mine de turcoaz din lume. Piatra a fost aleasă și sculptată manual cu meticulozitate de către Loloma pentru a reprezenta portretul unei fecioare sacre de porumb Hopi. Fata însăși este o manifestare unică realizată prin turnarea aurului topit într-o matriță realizată dintr-o sculptură în tuf, o practică tradițională folosită în bijuteriile native americane.
Nicholas Galanin este un artist conceptual care lucrează în studioul său din Sitka, Alaska
Practica sa se întinde pe un spectru larg de mass-media care investighează și dialogează despre ideile de pământ, identitate, repatriere, autenticitate culturală, dispariție, tehnologie și interacțiunile și percepțiile adesea contrastante dintre culturile native și anglo-saxone. Munca lui Galanin provoacă instituțiile să își reconsidere rolul în a spune poveștile popoarelor indigene. Galanin este unul dintre cei mai apreciați artiști nativi americani care lucrează astăzi. Lucrarea sa a fost expusă în mod proeminent în multe muzee și colecții private, cum ar fi Galeria Națională a Canadei, SITE Santa Fe, Muzeul de Artă Denver, Muzeul Național al Indienilor Americani și Galeria Națională din Washington, DC. Ascension, o scară decorată cu aripi care îmbină imaginile consumatorului și simbolurile indigene, întruchipează diferite interpretări în forma sa. Potrivit artistului, „a urca înseamnă a te ridica într-o poziție de importanță și se referă la credința creștină în înălțarea lui Hristos la cer după înviere. În această lumină, sculptura este un fel de lentilă pentru a lua în considerare modurile în care cultura indigenă este transformată într-un instrument de alpinism, în special de către cei care nu fac parte din ea.”
Craig George și Tribal Connections
Craig George își încadrează narațiunile în contextul urbanității, dând voce întrebărilor despre asimilare, colonizare și supraviețuire persistentă care evidențiază legătura sa cu sursele tribale bogate. Cu toate acestea, George a crescut în rezervația Navajo, datorită Legii de relocare a indienilor Navajo din 1956, unde familia sa a fost mutată în Los Angeles. În timpul verii a reluat legătura cu patriile sale și cu perspectivele unei vieți tradiționale. Multe dintre picturile lui George reflectă relația sa cu cartierele specifice din Los Angeles în care el înfățișează un loc Carlo Loloma Hopi în aur de 14k turnat în tuf Maiden Pendant, 1974 5 x 2 x 1 inch Nicola Galanin Ascension, 2022 72,5 x 52 7,8 x 53 inci Prin amabilitatea artistului și a Galerii Peter Blum, New York Craig George Freedom, 2023, 24 x 36 inchi, urbanitate cu coloană sonoră de hip hop, gentrificare și marginea urbană colorată a centrului orașului Los Angeles – străzi marcate de graffiti teritorial. Siluetele lui, adesea pe biciclete, sunt mereu în mișcare, de parcă ar fi călătorit la o ceremonie, îmbrăcate în haine obișnuite. Navajo, Apache și Pueblo făceau parte din comunitatea sa. El a căutat să se lege cu patria sa, în ciuda faptului că a trăit în haosul expansiunii urbane nesfârșite. În cuvintele artistului, „Îmi unesc lumile într-un singur loc, unde sunt în pace cu credințele mele și cu mediul meu. Acasă este un loc în care îți aduci convingerile, așa că ele vor fi mereu acolo.” Multe dintre lucrările sale expuse au fost create pentru această expoziție, prima sa la New York.
Michael Kabotie a fost pictor, argintar, sculptor și poet Hopi
Tatăl său, Fred Kabotie, a fost și un artist celebru la nivel național. Kabotie a crescut în satul Shongopovi, Arizona, cu toate acestea, când s-a închis Hopi Reservation High School, s-a mutat și a absolvit Haskell Indian School, Lawrence, Kansas, în 1961. În 1967, Kabotie a fost inițiat în Hopi Wuwutsim Society. În timpul acestei ceremonii i s-a dat numele Hopi Lomawywesa (Mercând în armonie) cu care și-a semnat ulterior lucrarea. Kabotie sa alăturat altor patru artiști Hopi la începutul anilor 70 pentru a fonda un grup numit Artist Hopid, dedicat noilor traduceri ale formelor de artă Hopi și care servește ca emisari culturali în întreaga lume. A ținut prelegeri și a expus pe scară largă atât în America, cât și în străinătate. Picturile compuse dinamic și bogat colorate ale lui Kabotie atestă pasiunea lui pentru imaginile derivate din picturile murale Hopi kiva, motivele de coșărie și desenele abstracte și contemporane. Meditația încapsulează frumos integrarea perfectă a elementelor abstracte și reprezentaționale a lui Kabotie. O figură extrem de stilizată, aparent cubistă, amestecată cu motive și modele tradiționale Hopi. Reprezentant pentru lucrările sale cele mai distinctive și convingătoare din punct de vedere vizual, utilizarea de către Kabotie a culorii este neplăcută, imaginativă și expresivă.
Sarah Sense lucrează pe pământuri ancestrale
Sarah Sense (Chitimacha și Choctaw) este din Sacramento, California și a primit BFA de la California State University Chico și masterat de la Parsons the New School of Design din New York. Lucrările ei timpurii, realizate prin țesut foto (folosind tehnici și modele tradiționale de confectionare a coșurilor de familie), se bazează pe peisajele Chitimacha din Louisiana și interpretările de la Hollywood ale Americii de Nord native. Ulterior, munca sa a reflectat cercetările sale extinse, rezidențele și călătoriile în America de Sud, Asia de Sud-Est, Caraibe și Irlanda. Lucrările din seria Sense, Hinushi, sunt compuse dintr-o serie de fotografii de peisaj ale pământurilor ancestrale integrate cu hărți coloniale ale râului Mississippi, Golful Mexic și terenul Choctaw. După îndepărtarea de pe pământul lor ancestral, Choctaw s-a confruntat cu o cale grea și mortală către „indianism”. Teritoriu” – cunoscut acum sub numele de Oklahoma. Hărțile Oil News (1920) care prezintă peisajele Broken Bow, Oklahoma sunt țesute în opera de artă. Modelele de coșărie Choctaw sunt țesute prin aceste hărți și imagini, unind pământul cu hărțile coloniale ca un act de recuperare. După cum a afirmat Sense, „Tăierea hârtiei în benzi și deschiderea lor, depărtarea lor pentru a crea spații pentru interpretări diferite și reinserarea modelelor indigene din aceleași locuri în care au trăit strămoșii au fost îndepărtați, luați și uciși, este un proces de decolonizare”. Convingătoare din punct de vedere vizual și conceptual, ele sunt expresia unei călătorii de descoperire, revelație și reconciliere intens personală, dar aplicabilă universal.
