2026年8月16日まで、パリのルイ・ヴィトン財団は、アレクサンダー・カルダーのフランス到着100周年と没後50周年を記念する大規模な国際回顧展を開催し、カルダーに敬意を表する。展覧会のタイトルは 「カルダー。Rêver en Équilibre」これは、アメリカのキネティック・スカルプチャーの巨匠に捧げられた、これまでで最も重要な展覧会の1つとなり、1920年代から1960年代、1970年代の記念碑的なインスタレーションに至るまで、半世紀以上にわたる彼の芸術活動をたどることになるだろう。
カルダーと、第四の次元としての動き
展覧会は3.000平方メートルを超える広さで、カルダーの研究の中心テーマである動き、光、音、バランス、重力、そして固体と空隙の関係を探求します。ルイ・ヴィトン財団の流動的な建築の中に吊り下げられた有名なモビールは、展覧会をまさに視覚的な振り付けへと変貌させ、作品が空間の中で踊っているように見えます。キュレーターのディーター・ブッフハルトとアンナ・カリーナ・ホフバウアーは、「カルダーは、時間を不可欠な第4の次元として導入することで、彫刻に革命を起こした」と述べています。
シルク・カルダーがパリに帰ってくる
展覧会で最も期待される瞬間のひとつは、有名な カルダー・サーカスホイットニー美術館からの特別な貸与作品である本作は、15年以上もの間フランスを離れていた。1920年代に制作されたこのミニチュアサーカスは、現代パフォーマンスアートの初期の例の一つである。カルダーは、前衛的なパリで増え続ける観客の前で、小さなアクロバット、ピエロ、乗馬芸人を自ら操った。彼のパフォーマンスの観客の中には、フェルナン・レジェ、ジョアン・ミロ、ピエト・モンドリアン、ジャン・アルプ、ル・コルビュジエなど、後に近代美術史に名を残すことになる人物がいた。
モンドリアンとの出会いと「モビール」の誕生
ニューヨークのアート・スチューデンツ・リーグで学んだ後、1926年にパリに到着したカルダーは、すぐにモンパルナスの芸術界の一員となった。しかし、1930年にピエト・モンドリアンのアトリエを訪れたことが、彼の芸術的探求を根本的に変えることになった。オランダ人画家モンドリアンの抽象作品における空間と色彩の使い方に感銘を受けたカルダーは、次第に具象表現を捨て、抽象表現に専念するようになった。1931年、マルセル・デュシャンは自身の動く彫刻を表現するために「モビール」という言葉を作り出し、ジャン・アルプは静的な作品を指すために「スタブル」という言葉を導入した。初期の作品は機械的に作動するものであったが、後にはわずかな空気の動きでも作品に生命を吹き込むようになった。ジャン＝ポール・サルトルは、これらの作品は「大気のぼんやりとした生命から生命を引き出している」と記した。
20世紀の偉大な巨匠たちとの対話
本展では、カルダーと同時代人や友人であるジャン・アルプ、バーバラ・ヘップワース、ジャン・エリオン、パウル・クレー、ピエト・モンドリアン、パブロ・ピカソらの作品も展示され、20世紀のアヴァンギャルドという文脈の中で、彼の画期的な研究が位置づけられる。また、アンリ・カルティエ＝ブレッソン、マン・レイ、アーヴィング・ペン、ゴードン・パークス、アニエス・ヴァルダなど、20世紀を代表する写真家による34点の写真も展示され、芸術と日常生活の狭間に佇むカルダーの姿が捉えられる。
記念碑的な彫刻と公共芸術
1933年にアメリカに帰国後、カルダーはアメリカとヨーロッパを行き来しながら制作を続け、1937年にはピカソやミロと共にスペイン共和国館にも参加しました。戦後、彼はロワール地方のサシェ村に居を構え、そこで公共彫刻の概念そのものを再定義するような、ますます壮大な作品を生み出していきました。風に揺れる繊細な金属構造物から巨大な都市型インスタレーションまで、カルダーは自然や周囲の建築物と調和する抽象作品の創造に成功しました。今回初めて、ルイ・ヴィトン財団は展示室だけでなく屋外の芝生エリアまでもアメリカ人アーティストの作品に捧げ、カルダーのボリュームとフランク・ゲーリー設計の建物のボリュームを直接比較できるようにします。
画像：アレクサンダー・カルダー グレート・ヴィテッセ (1:5 中間模型)、1969 年
板金、ボルト、塗料、259,1 x 342,9 x 236,2 cm
カルダー財団、ニューヨーク
© 2026 カルダー財団（ニューヨーク）／ADAGP（パリ）
写真提供：カルダー財団（ニューヨーク）／アートリソース（ニューヨーク）
