Le chemin tourne autour de la figure de Antonio LigabueFrançais : « Toni al matt », comme l’appelaient souvent les habitants de la Basse-Pologne, la région où il passa une bonne partie de sa vie, et dont nous célébrons le soixantième anniversaire de sa mort, survenue à Gualtieri (RE) le 27 mai 1965. La vie difficile et tourmentée de Ligabue, né à Zurich en 1899 et transféré en Italie, à Gualtieri, à l’âge de vingt ans, fut marquée par l’hostilité et les malentendus, par des hospitalisations à l’Institut psychiatrique San Lazzaro de Reggio Emilia et à l’Hospice de Mendicità de Gualtieri, mais il se consacra entièrement, jusqu’à sa mort, à la peinture et à la sculpture.
À Lecco sont exposés certains de ses plus grands chefs-d'œuvre, documentant ses motifs les plus récurrents, des bêtes sauvages (Jaguar avec gazelle et serpent, 1948, collection privée; Lionne avec zèbre, 1959-1960, Collection d'entreprise La Galerie BPER Banca ; Renard en fuite, 1957-1958, collection privée), aux paysages ruraux de la vallée du Pô (Retour des champs avec château, 1955-1957, Collection d'entreprise La Galleria BPER Banca) d'après le travail dans les champs (Farmer with horse in tract, 1955-1956, collection privée ; Labour avec des bœufs, 1953-54, Collection Corporative La Galleria BPER Banca) aux autoportraits (Autoportrait avec grille, 1957, collection privée), ainsi que deux œuvres inédites provenant d'une collection privée : Autoportrait avec libellule e Pâturage.
Certains des artistes présentés dans l'exposition ont intégré des établissements psychiatriques alors qu'ils étaient déjà des peintres confirmés, d'autres se sont découverts dans les chambres d'une maison de retraite. Tous se sont distingués par leur diversité, leur liberté de pensée, leur singularité, leur vocation poétique de porteurs de points de vue différents. Huit vies. Huit histoires personnelles. Huit langages artistiques hors du commun, capables de raconter la relation complexe entre l'art et la « folie », une intrigue difficile à démêler qui offrira au visiteur d'importantes pistes de réflexion.
L'exposition est organisée par Simona Bartolena, produite et créée par ViDi cultural et Ponte43, en collaboration avec la municipalité de Lecco et le système des musées urbains de Lecco, et s'ouvre avec une installation de Jean Sesia, artiste contemporain, a travaillé sur le thème des internés en asile psychiatrique, utilisant dans ses œuvres des photographies de leurs visages, extraites des archives des principales institutions italiennes du début du XXe siècle, et en faisant un thème central de ses recherches. Une autre personnalité de premier plan autour de laquelle s'articule le parcours de l'exposition de Lecco est Philippe de Pisis (1896-1956), peintre, mais avant tout poète, doué d'une sensibilité marquée. Sa figure stylistique s'inscrit d'abord dans le domaine de la métaphysique, après sa rencontre avec Giorgio de Chirico et son frère Alberto Savinio. Sa peinture est élégante, touchante, mais où transparaît une veine poignante, une anxiété latente qui transparaît de l'apparente légèreté de l'ensemble. Après des périodes heureuses passées à Paris et à Londres, de Pisis retourne en Italie ; là, une maladie subtile, rampante et incalculable s'empare de son corps et de son esprit. Son extraordinaire sensibilité se transforme en un profond malaise, une agitation incontrôlable. Pour guérir de sa maladie, il entre à la Villa Fiorita de Brugherio, un établissement spécialisé dans la Brianza, près de Monza. À Lecco, des propositions déchirantes sont proposées Natures mortes et un aperçu de Brugherio (d'une collection privée) créés à cette époque, de véritables chefs-d'œuvre de la douleur, dans lesquels la trace du malaise dont il est victime est évidente, composés de quelques touches, de coups de pinceau de couleur pure, avec des contours noirs continus, des ombres sombres, sur une toile laissée en grande partie à découvert, dans laquelle on peut respirer une sensation désespérée de vide.
L'exposition continue avec les créations des autres outsider
Parmi ceux-ci, celui de Livourne se distingue Mario Puccini (1869-1920), véritable exemple de la peinture toscane entre les deux siècles. Isolé, atteint de pathologies comportementales complexes, autonome dans sa recherche picturale, il fut qualifié par le critique Emilio Cecchi, son admirateur, de « Van Gogh involontaire ». Considéré comme fou, il fut interné en 1894 à l'hôpital psychiatrique San Nicolò de Sienne, établissement dont il sortit quatre ans plus tard. Puccini se remit à peindre, comme un homme nouveau, comme si les années d'emprisonnement l'avaient convaincu de sa vocation artistique. Une fois sorti des murs de l'hôpital, il s'intéressa exclusivement à ses peintures, caractérisées par une certaine répétitivité des thèmes (marines et paysages de Livourne), mais animées par une figure stylistique personnelle, unique et puissamment émotionnelle, où la couleur est le véritable protagoniste.
Même celui de Gino Sandri (1892-1959), intellectuel de grande valeur, écrivain exceptionnel, dessinateur et peintre à la main de maître, sa vie fut marquée par son séjour en hôpital psychiatrique. Artiste prometteur, illustrateur reconnu, Sandri fit l'objet d'une enquête en 1924 et fut interné dans une maison de retraite à Rome, accusé d'être une personne dangereuse, suite à des délits non spécifiés de nature politique. Libéré et de retour à Milan en février 1926, il reprit son activité artistique. Quelques mois plus tard, il fut de nouveau interné dans une clinique de Turro, puis à Affori, puis, après la mort de sa mère, il passa deux ans à l'hôpital psychiatrique de Mombello, à Limbiate (MB). Une fois libéré, il s'installa à Ceriano Laghetto, mais son équilibre mental était désormais compromis et il retourna souvent en hôpital psychiatrique. Complètement seul, il laissa son témoignage de vie dans les nombreuses pages et feuilles où il traçait les visages de ceux qui l'entouraient. Ses dessins des pensionnaires de l'asile – dont beaucoup peuvent être admirés au Palazzo delle Paure – dessinent, avec la marque d'un artiste accompli et talentueux, les personnages d'une humanité variée, en marge de la société, mais toujours poétique. D'une qualité stylistique exceptionnelle, les œuvres de Sandri ont le don d'émouvoir, racontant des personnes réelles, décrites dans toute leur complexité.
Les portraits des détenus de l'asile de Mombello étaient également le sujet privilégié de Rino Ferrari, admis en hôpital psychiatrique suite à l'expérience traumatisante vécue lors du massacre de Céphalonie. Encouragé par le médecin, Ferrari se met à dessiner. L'artiste passe des heures auprès des mourants, cherchant à capturer, comme dans les œuvres de la série. Agonie, le moment du passage entre la vie et la mort. Charles Zinelli (1916-1974), l'un des auteurs les plus célèbres de la scène artistique, né dans un asile psychiatrique, a trouvé dans l'art un moyen de communication extraordinaire. Grâce à la proximité et au réconfort du psychiatre Vittorino Andreoli, Zinelli a produit des œuvres à la signature stylistique inimitable, reconnues aujourd'hui comme l'une des expressions les plus intéressantes de laart Brut.
L'examen est complété par deux axes sur Pietro Ghizzardi (1906-1986) éd Édouard Fraquelli (1933-1995). Le premier, fils de la grande plaine traversée par le Pô, est souvent comparé à Antonio Ligabue. Mais sa peinture ne raconte pas la vie des champs, les paysages de la Bassa, les décors exotiques peuplés de bêtes sauvages, mais représente plutôt les belles femmes du village avec un style aux accents primitivistes inattendus et une palette aux infinies nuances de gris. Le second, né à Tremezzo, sur le lac de Côme, fit ses premiers pas dans le mouvement informel, avec des nuances plus proches du naturalisme de Morlotti. Extrêmement fragile psychologiquement, Fraquelli fut interné dans un asile psychiatrique et abandonna temporairement l'art. C'est la rencontre de deux jeunes collectionneurs, tombés amoureux de sa peinture et le soutenant, qui le poussa à se remettre à peindre. Ses œuvres se caractérisent par une sagesse compositionnelle et un équilibre toujours très maîtrisé. Fraquelli passe de créations chromatiquement vibrantes et d'un signe empreint de tension à des œuvres où règnent l'ordre et le silence. Son heure est un tableau de lumière, de jaunes vibrants et de roses oniriques, résultat presque inévitable d’une libération intérieure, d’une nouvelle prise de conscience et d’un espoir profond.
