12 Werke wurden am 83,6. Februar in London bei Sotheby's in der Contemporary Art Evening Auction versteigert, die mit einem Gesamtpreis von XNUMX Millionen Euro abgeschlossen wurde.
Es war vor allem das, was Aufmerksamkeit erregte Francis Bacon, mit dem Triptychon DREI STUDIEN FÜR EIN SELBSTPORTRÄT, ein Werk, das in den in Kürze erscheinenden Katalog der Werke von Francis Bacon aufgenommen wird, der von The Estate of Francis Bacon vorbereitet und von Martin Harrison herausgegeben wird.
Drei Studien zu einem Selbstbildnis, ein Thema, das im Werk des Künstlers eine sehr wichtige Rolle gespielt hat. Mehr als jeder andere Künstler seit Rembrandt spult Bacon Self-Portrait einen gewissen autobiografischen Faden durch die dramatischen Wechselfälle eines Lebens in einem eindringlichen Opus der Selbstporträts. Dieses Werk wurde vom Künstler im Alter von 71 Jahren ausgeführt und ist mit anderen Werken verbunden, etwa zehn, die nach dem Tod seines großen Freundes George Dyer komponiert wurden, der ein tiefes Trauma bei dem Künstler hinterließ.
Es wurde 1980 gemalt, neun Jahre nach Dyers Selbstmord, und diese drei Porträts verkörpern eine intime Form seiner Trauer, aber auch eine erinnerungswürdige Untersuchung. Die Abfolge der Werke strahlt Melancholie aus, die durch eine gewisse heftige körperliche Aggression akzentuiert wird, die in Bacons Malerei unnachahmlich ist.
Three Studies for a Self-Portrait bewahrt eine von Bacons endgültigsten Darstellungen der Ähnlichkeit in diesem strengen, intimen und entscheidenden Format.
Diese Abfolge von Porträtköpfen ist von Luft durchscheinend, wie Erscheinungen eines vergänglichen Geistes, der sich im schwarzen Äther der Leere auflöst und sich in Votivikonen eines Künstlers verwandelt, der selbst eine Ikone seiner Zeit ist.
Wie ein verzerrtes Bild im Spiegel (siehe weißer Kragen), das die Psyche des Künstlers darstellt, drücken die drei Porträts trotz ihrer geringen Größe Unmittelbarkeit und unübertroffene Kraft aus.
Wie Feaver William erklärte: „Studien oder Übungen … diese kleinen Gemälde sind das Herzstück von Bacons Kunst. Die Abfolge lässt sie einander spiegeln, und wenn sie gepaart oder zu dritt gruppiert werden, beleben sie die Unterschiede. Es sind keine Kameras und keine oberflächlichen Landschaftseinstellungen erforderlich. Ohne Kontext oder Körperhaltung haben die Köpfe nichts zu tun, außer sich anzustarren, manchmal einander anzustarren, und zu warten.“ (William Feaver, „That’s It“, Ausstellungskatalog, London, Marlborough Fine Art Ltd., Francis Bacon 1909-1992 Small Portrait Studies , 1993, S. 6).
Diese Arbeiten strahlen die Nervosität des Daseins, Widerstand, Leiden und unfreiwillige Manierismen aus, wenn das Konterfei des Künstlers unter der Oberfläche der Farbe zum Vorschein kommt.
Aufgeladen mit unvergleichlicher melancholischer Schönheit und umrahmt von abgrundtief schwarzen Motiven verbinden diese Portraits meisterhaft Licht mit vollendeter psychologischer Tiefe.
„Ich möchte, dass meine Bilder diese Spuren hinterlassen, als ob ein Mensch zwischen ihnen hindurchgegangen wäre, wie eine Schnecke, eine Spur menschlicher Präsenz und eine Spur der Erinnerung an vergangene Ereignisse hinterlässt, wie die Schnecke ihren Schleim hinterlässt“ (l 'artist , zitiert in: David Sylvester, Looking Back at Francis Bacon, London 2000, S. 33).
Gespenster wie dramatische Physiognomien tauchen vor einem abgrundtiefen schwarzen Hintergrund auf; amorphe Formen, die dem Betrachter eine Art Zeuge einer anhaltenden Erscheinung hinterlassen. Im vollen Bewusstsein seiner niedergehenden Jahre malt sich Bacon hier im trüben Licht der unaufhaltsamen Vergänglichkeit. Vier Jahre nach der Entstehung dieses Werks schrieb Bacon an David Sylvester: „Das Leben ist alles, was wir haben. Ich meine, wir sind für einen Moment hier.“ (Der Künstler, zitiert in: Ebenda, S. 231).
Mit besonderem Bezug auf die vorliegende Arbeit sagt Michael Peppiatt: „… nie war er brillanter, prägnanter und wilder, wenn es darum geht, sich selbst darzustellen. Damit trug er dazu bei, ein Genre wiederzubeleben, und Bacon Self-Portrait kann heute als eines der malerisch einfallsreichsten Porträts des zwanzigsten Jahrhunderts angesehen werden“ (Michael Peppiatt in: Catalogo della fiera, Rom, Galleria Borghese, Caravaggio Bacon, 2009–10, S. 210).
Das 1961 begonnene erste Triptychon in diesem Format wurde direkt als Reaktion auf den Tod von Lacy Pater gemalt, dem Thema von Bacons erster großer Romanze. Als ehemaliger RAF-Pilot mit einer selbstzerstörerischen Natur, die besonders zu Wutausbrüchen neigt, verkörpert Lacy eine magnetische Kraft, die in Bacon einen gewalttätigeren Ausdruck annimmt als alle Aspekte seines Lebens.
Bereits Mitte der 50er-Jahre war die stürmische Beziehung zu Lacy beendet und er zog nach Tanger, doch der Schmerz wird in der Malerei zur Emanation als Erinnerungsakt der Wiederbelebung und Sühne.
Wie Peppiatt feststellte: „Für Bacon war Lacy selbst Teil des Künstlermythos von Schuld und Bestrafung geworden. Er konnte das Leben wieder aufnehmen, indem er den Tod voraussah, der sich in seinem Erscheinen auflösen würde“ (Michael Peppiatt, Francis Bacon: The Anatomy of an Enigma., London 2008, S. 236).
Zehn Jahre nach Lacys Verschwinden und am Vorabend der Eröffnung der Bacon-Retrospektive im Grand Palais in Paris im Jahr 1971 wird George Dyer – Bacons Weggefährte, Liebhaber und künstlerische Referenz seit 1964 – tot aufgefunden. Eine unwiderstehliche Kraft in Dyers Leben, in Dyers Tod, Abwesenheit-Anwesenheit nimmt in Bacon das Gewicht des Verlustes an, das zu einem tiefen Schmerz wird, der nach 1971 durch Bacons Werk hindurch hallt.
Auf die Frage von Sylvester im Jahr 1979, warum es so viele Selbstporträts gibt, erklärte Bacon: „Um mich herum sterben die Menschen wie die Fliegen, und ich hatte niemanden außer mir selbst zum Malen … Porträts“ (der Künstler, zitiert in: … David Sylvester, op. cit, S. 129).
Es war Caravaggio, der Bacons Gedanken sublimierte, das Selbstporträt als Bacchus (1593) und David mit dem Kopf von Goliath (1610) sowohl als präzise autobiografische Lesart zu betrachten, sei es Ausdruck von Krankheit, Armut und existenziellem Unwohlsein Künstler als Bacchus oder als Verfolger und Verfolgter wie bei David und Goliath, Wissenschaftler haben die Physiognomie des Künstlers identifiziert, die in all seinen Arbeiten verborgen und gegenwärtig ist. Bacon wie Caravaggio vermischt in den drei Studien für ein Selbstporträt das Junge mit dem Alten, das Leben mit dem Tod, ähnlich wie Caravaggio, wo die kühne und dramatische Verschmelzung des letzteren mit Bacon eine ebenso heftige Spannung des Blutigen offenbarte Körperlichkeit zweier über 300 Jahre getrennter Künstler.
Der Schatten und das Licht in einer immensen durchdringenden Dunkelheit bedeutet sowohl für Caravaggio als auch für Bacon, die Theatralik und Vision der Tragödie der menschlichen Phasen und einer Gewalt auszudrücken, als ob sie zeitlich versetzt wären. Während er Caravaggio nie offen als Einfluss zitierte und stattdessen seinen caravaggesken Vorgänger Velazquez bevorzugte, schafft Bacon einen neuen Vergleich.
Als bahnbrechender Vorfahre von Caravaggio und des Genres, das von Meistern von Rembrandt bis Picasso entwickelt wurde, war Bacon von dem unaufhörlichen Drang getrieben, ein künstlerisches Vermächtnis für die Erfahrung seiner Zeit zu schaffen. Überhaupt offenbart ein Selbstporträt vermutlich die private Seite eines öffentlichen Berufes, nirgendwo kann man so offen nachvollziehen, dass Bacons Werk von Rembrandt beeinflusst ist. Rembrandt war der Prüfstein und von Bacons Erfindungsreichtum, besonders in diesen kleinen Leinwänden. Er hielt Rembrandts Selbstporträts für „formal die außergewöhnlichsten Gemälde. Er modifizierte die Malerei in gewisser Weise durch die Art und Weise, wie er mit sich selbst umging, und vielleicht fühlte er sich freier, überhaupt so mit sich umzugehen
Die Three Studies for a Self-Portrait sind wirklich ein Meisterwerk unter allen Triptychen von Bacon im Maßstab ... der Schlüssel zum Lesen liegt in Bacons nachdrücklichem Zitat an Jean Cocteau: "Jeden Tag schaue ich im Spiegel auf den Tod bei der Arbeit.“
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