Die bezaubernden körperlichen Präsenzen werden durch symbolische und metaphorische Bezüge hervorgerufen. Im Laufe der Geschichte wurde das Weibliche als unzuverlässige, unhandliche und emotionale Kraft angesehen. Aber was passiert, wenn dieses Stereotyp dekonstruiert und zurückerobert wird? In diesen Werken spielt die Figur – oder ihre Abwesenheit, ein Geist – eine große Rolle; Formen werden degeneriert und körperlos; die eigene Identität im Vergleich zu Hypothesen und Bewertungen, die von externen sozialen, kulturellen und historischen Traditionen auf sie projiziert werden, zu verschieben, umzuwandeln und auszuhandeln. Die Künstler zaubern Mensch/Tier/Hexe/Alien-Hybride aus einer Landschaft sinnlicher Materialien und Umgebungen. Der Körper und seine fragmentarischen Teile sind zerlegt und abstrakt; als eine Art Körperarchitektur reformiert.
Sascha Braunigs Körperformen tauchen aus dem Schatten ihrer selbst auf; Wie Fata Morganas sehen wir Gestalten aus der Grenzumgebung auftauchen. Name und Vorname of Neu Spritzspachtel auftragen Es sind geisterhafte Gestalten, die scheinbar hinter einer dunklen Ecke lauern. Auf Zehenspitzen sichtbare Körper, die aus dem gepunkteten Gemälde an den Betrachter herankriechen. Die Mehrdeutigkeit des Themas spiegelt sich in der Mehrdeutigkeit von Oberfläche und Textur wider; die zweidimensionalen Gemälde werden als dreidimensionale Objekte lebendig. Der Vorhang, wie abgebildet Dusche Szene, wird zu einem nützlichen Requisit in Braunigs Werk und wird in seiner gesamten Praxis in verschiedenen Varianten präsentiert. Der hängende Stoff spielt nicht nur auf eine Art Körperlichkeit an, um fleischige, labiale Hautfalten hervorzurufen, sondern suggeriert auch, bezogen auf die Bühne, eine Aufführung oder Maskerade. Der Vorhang fungiert als Schwelle, als Grenze; Es entsteht eine Spannung und ein Dialog zwischen dem Offenbarten und dem Verborgenen und beleuchtet einen ständigen Zustand existenzieller Instabilität: Die Figuren in Braunigs Werk sind nie das eine oder das andere, sie verändern sich ständig, mutieren morphologisch.
Sandra Mujinga erforscht in ihren Performances und Skulpturen auch Fragen der Sichtbarkeit und Repräsentation. Seine Arbeit verdeutlicht die widersprüchliche Natur der Online-Sichtbarkeit, die zwar eine immer größer werdende Plattform zur Förderung von Vielfalt und Unterschieden darstellt, gleichzeitig jedoch die unerwünschte Cyberüberwachung und Datenerfassung erhöht. Diese Beobachtung wird in dargestellt Störend Patterns, ein Video mit drei Bildschirmen, in dem wir eine gesichtslose, transparente Figur tanzen sehen, während gewundene, amorphe Formen über den Bildschirm kommen und gehen und den ohnehin unsichtbaren flüssigen Tänzer verdecken und tarnen. Mujinga sagte, sie habe „Angst vor Solipsismus“, das heißt, sie sei bestrebt, einen Verlust der Subjektivität zu erleben, wenn das Selbst mediatisiert und somit in eine selbstreferenzielle Rückkopplungsschleife (über Social-Media-Plattformen hinweg) eingebunden wird. Um dem entgegenzuwirken, schlägt der Künstler vor, dass die Menschen anpassungsfähiger an ihre Umgebung werden müssen. Wie Braunig zelebriert Mujinga die Mehrdeutigkeit und Anonymität, die uns das Kostüm bietet und die es uns ermöglicht, uns vor aller Öffentlichkeit zu verstecken. Die tragbaren Skulpturen, die Tücher, gefertigt aus sinnlichen Stoffen wie PVC, Latex und Kunstleder, fungieren als erotisch aufgeladene Schutzschilde; ihre tiefe Undurchsichtigkeit, die den panoptischen digitalen Blick ablenkt. Tücher suggerieren einen äußeren Widerstand, einen Widerstand, der den Träger schützt und bewahrt. Aber darüber hinaus verbindet Mujinga das Tier mit dem Menschen (neben dem Elefanten hat sie auch Oktopus-Hybriden geschaffen) und würdigt damit die symbiotische Beziehung zwischen Mensch und Natur.
Die anthropomorphen Formen im Werk von Maria Pinińska-Bereś hinterfragen und dekonstruieren auch Vorstellungen vom verkörperten Selbst, Geschlecht und Repräsentation. Farbe spielt eine wichtige Rolle in Pinińska-Bereśs Werk, das eine ausgesprochen „weibliche“ Palette aus überwiegend Rosa und Weiß aufweist. Das Werk lehnt die willkürlichen Assoziationen dieser Farben mit Überschwang ab und wirkt stattdessen einfach wie Fleisch und aufgeladen mit einer kraftvollen sexuellen Energie. In skulpturalen Stücken wie Swirl on San Marco und Window. Durch die De-Konstruktion des Schiefen Turms wird der Körper abgerissen und in eine abstrakte Masse enthierarchisiert, ganz aus erotischen, fleischigen Falten und sanften, weichen Empfindungen.
Pinińska-Bereś beschäftigte sich mit dem, wie sie es nannte, existenziellen Problem, die Hauptlast des „Standards“ der Weiblichkeit zu tragen.
Ihre Arbeit thematisiert eine allgemein herablassende Haltung gegenüber dem Weiblichen oder Handlungen im Zusammenhang mit der Arbeit von Frauen (häuslich, reproduktiv, emotional). Die Künstlerin verwendete Symbole, die mit standardisierten Vorstellungen von Weiblichkeit spielen, die sowohl aus alltäglichen als auch aus mythologischen Erfahrungen stammen. Der Besenstiel Sabbath ist dafür ein Beispiel, da er sowohl ein Haushaltsreinigungsgerät (ein Werkzeug, das Pinińska-Bereś in Shows wie „Just a Broom“ (1984) verwendete) als auch ein Symbol für Magie und Hexerei ist. Pinińska-Bereś verwandelt alltägliche Rituale in etwas Kraftvolleres, Mystischeres und Geheimnisvolleres. Das Symbol der Hexe (wie in Sascha Braunigs Floe and Shower-Szene dargestellt) oder seine Abwesenheit (wie in Pinińska-Bereśs Sabbath) erinnert an ein weibliches Wesen, das die Fähigkeit zur Gestaltwandlung besitzt. Durch sein Erscheinen und Verschwinden erinnert es daran, dass unsere Individualität aus der Fähigkeit besteht, viele Selbste gleichzeitig auszuführen und zu verhandeln.
Shapeshifter-Künstler erforschen die universelle Erfahrung der Verkörperung und fragen, was passiert, wenn sich der „Körper“ auf kaum vorstellbare Weise manifestiert. Wie wirkt sich das auf unser Konzept unserer Subjektivität aus? Und wie verändert sich unsere Fähigkeit, mit der Welt um uns herum in Beziehung zu treten, sowohl im Hinblick auf die Beziehungen zu anderen Menschen als auch zu unserer Umwelt, wenn wir verflüssigt oder in Teile, lose Gliedmaßen oder Daten zerbrochen werden?
Sascha Braunig (1983, Qualicum Beach, BC, Kanada) lebt und arbeitet in Portland, ME. Zu den jüngsten Ausstellungen gehören The Crease, Office Barock, Brüssel (2018); An Assembly of Forms, Oakville Galleries, Oakville, Ontario, Kanada (2018); Bad Latch, Atlanta Contemporary, Atlanta, GA (2017); MoMA PS1, New York (2016–2017); Kunsthall Stavanger, Norwegen (2016); The Trick Brain, Aïshti Foundation, Beirut, Libanon (2017); Stranger, Museum für zeitgenössische Kunst Cleveland, OH (2016); Surround-Publikum: 2015 New Museum Triennial, New Museum, New York, NY (2015). Braunigs Werke befinden sich in den ständigen Sammlungen des Baltimore Museum of Art, Baltimore; Nationalgalerie von Victoria, Melbourne; Sammlung Zabludowicz, London und New York; Aishti-Stiftung, Beirut; Allen Memorial Art Museum, Oberlin, Ohio.
Sandra Mujinga (*1989) lebt und arbeitet in Berlin und Oslo. Zu den jüngsten Ausstellungen zählen: Bergen Konsthall, Bergen, Norwegen (in Vorbereitung); ILYNL (It's Like You Never Went), Atlanta Contemporary, Atlanta, GA (2018); Hoarse Globules, UKS, Oslo, Norwegen (2018); Calluses, Tranen, Kopenhagen, Dänemark (2018); Skip Zone, Magenta Plains, New York, NY (2017); Klar wie der Tag, Leistung.
Maria Pininska-Bereś (1931, Posen, gest. 1999, Krakau) hat in wichtigen Einzel- und Gruppenausstellungen ausgestellt, darunter The Performer, Galeria Monopol, Warschau (2017); The World Goes Pop, Tate Modern, London (2016); Drei Frauen: Maria Pinińska-Bereś Natalia Lach-Lachowicz, Ewa Partum, Zachęta National Gallery of Art, Warschau (2011); Maria Pinińska-Bereś Galeria Sztuki Współczesnej Bunkier Sztuki w Krakowie, Krakau, Besuch der Galeria Bielska BWA mit Bielsku-Białej, Bielsko-Biało und Galeria Miejska Arsenał w Poznanu, Posen (1999-2000). Pinińska-Bereśs Werke befinden sich in den Nationalmuseen von Krakau, Warschau und Posen.
