Die Bildhauerei galt schon immer als schwer zu verstehende und daher auch schwer zu sammelnde Kunst. Die Vorliebe gilt kleinen und mittelgroßen Werken, die daher leicht in einem Wohnhaus untergebracht werden können, während es für andere von anerkannter Monumentalität immer in öffentliche und institutionelle Werke eingetreten ist. Es gibt keinen wichtigen Platz, der nicht seinen Stein, Marmor, Bronze oder Metall hat, um einer Kultfigur oder einem Helden zu gedenken. Hier spielt die Erinnerung an ein Ereignis, das Sie nicht vergessen möchten, bewegungslos mit, während die Zeit langsam vergeht. Nun ist Skulptur auch Design, Architektur und Form der Zeitgenossenschaft. Aber seine Geschichte reicht weit zurück.
In den vergangenen Jahrhunderten verwendeten Bildhauer nur modellierbare Materialien wie Ton. Oder härtere Materialien wie Stein oder Marmor, die sich jedoch unter den geschickten Händen eines Steinmetzes in harmonische Formen verwandeln ließen. Während moderne Bildhauer heute auch andere Materialien verwenden, wie Stahl oder Harze, bis hin zu biologischen Substanzen, die mit der Zeit verderben.
In der Antike bezog sich der Begriff „artifex“ sowohl auf den Künstler als auch auf den Bildhauer, während der Begriff „operarius“ auf den Arbeiter gerichtet war. Aber oft wurden sie zu einer einzigen Figur geformt, die in der Lage war, Materie zu modellieren und zu formen. Damit gehörten auch die kastilischen Steinmetze und die französischen Bildhauer derselben Klasse an, sie waren gleichermaßen darstellungswürdig.
In der Mitte der Renaissance wurde Donatello "Scarillator" oder Steinmetz genannt, während Leonardo in seinem Vergleich zwischen den Künsten, stellte ohne Zögern das „Gemälde über die Skulptur“. Und während da Vinci über die Prinzipien meditierte, die die Tätigkeit der Bildhauerei beherrschten, schuf der XNUMX Jahre jüngere Michelangelo seine schönsten bildhauerischen Werke. Erinnern wir uns also an Cellini, Vasari, Pigalle, Bouchardon oder Bernini. Später Falconet und Canova, um mit Rodin und Hildebrand das neunzehnte Jahrhundert zu erreichen. Im folgenden Jahrhundert, dem zwanzigsten, werden die Formen von der historischen Periode beeinflusst. Die Arbeiten müssen sich über Zeit und Raum erstrecken und sich von Auswüchsen befreien, bis sie in einer rundum komplexen Form wie bei Moore, Harp, Boccioni bewusst und rein werden. Der Raum wird so zu einem der grundlegenden Attribute der Skulptur dieses letzten Jahrhunderts.
Heute plant und zeichnet die Bildhauerei mit Hilfe neuer Methoden im Raum, nutzt diesen Raum und baut mit ihm, als wäre er ein Material einer neuen Generation. Daher die neuen Formen, die manchmal performativ sind wie die von Anish Kapoor oder die Symbologie kontextualisieren, die in unsere neue Welt eingetreten ist, siehe Jeff Koons mit seinen großen Herzen aus geschweißtem und farbigem Metall, die wie aufgeblasene und in der Luft schwebende Ballons und zerbrochene Eier erscheinen .
Seine Plastizität greift keine mythologische oder religiöse Ikonographie mehr auf wie in der Antike, sondern drückt sich nur in Formen aus, die Objekte, zersetzte Natur evozieren, um zu scheinbaren Gebrauchsgegenständen zu gelangen, die manchmal in die Bedeutung von Design eingreifen. Es hat jedoch in sich eine strenge Denkstarre, weil es immer respektvoll mit der Form und den Proportionen umgehen wird. Darin liegt Vollkommenheit, ob man sie wahrnehmen oder sich vorstellen kann. Wir müssen es umgehen, um zu verstehen, dass es im Weltraum lebt, dass es zu jedem spricht, der es beobachtet, dass es seine Rolle als großartiger Bühnenkünstler spielt. Und wenn es monumental wird, dann weicht es der Architektur, wenn es stattdessen reine künstlerische Gestaltung von Linien, Sachlichkeit und Gebrauchstauglichkeit ist, dann ist es Design.
Aber Skulptur verändert sich dennoch, sie nimmt am gesellschaftlichen Leben teil in Räumen, in denen sich Menschen auch darin spiegeln können, wie im Werk des indischen Künstlers Kapoor „Cloud Gate“ aus Chicago. Eine reale Tür, die existiert und nicht da ist, die aber unter oder um sie herum das Leben des Besuchers widerspiegelt, dem er nicht mehr entkommen kann. Während die Lichter des Tages die Gebäude und die Lichter der Nacht den Himmel fixieren, ein Werk, das sich jeden Tag ändert, das das Leben verewigt, aber nie fixiert. Ein langer Kurzfilm ohne Film.
Deshalb findet es immer weniger Platz in privaten Räumen, wie z. B. in der Ecke des Hauses oder auf dem Tisch eingefügte Werke, weil sie seit Jahren durch immer farbenfrohere Designobjekte ersetzt werden, die auch einen Nutzen haben, den sie geben Licht oder gib uns, lass uns sitzen.
In Wirklichkeit glaube ich, dass der Begriff „Design“ regelrecht missbraucht wurde, der sich laut einem modischen Lexikon auf alles bezieht, was eine stilistische Linie hat, ob rund oder eckig, Made in Italy oder China, egal. Während wahres Design etwas anderes ist, ist es Kunst, bei der ihr Inspirator, der Designer, in der Lage war, das Wesentliche zu erfassen und eine extreme Sauberkeit des geschaffenen Objekts hervorgebracht hat.
Auch in der Mode wird immer mehr von „Skulpturenkleidung“ und „Modedesign“ gesprochen, aber was wird die wirkliche Bedeutung sein?
Die Skulpturenkleider gehen von sehr alten Konzepten aus, eine Überarbeitung alter Kostüme, in Formen und Linien, denken Sie nur an japanische Stylisten wie Issey Miyake, die die Räume der verwendeten Materialien mit den wie echte Architekturen geschaffenen Hohlräumen durchqueren. Dasselbe gilt für das Design jedes Accessoires, und wenn die Regeln streng sind, wird das Produkt nicht nur erfolgreich, sondern auch langlebig sein, ein Beispiel ist die Maison Hermes, Linien ohne Bedenken.
Bei all dem werden die Regeln von den Prinzipien des kreativen Denkens diktiert, das von der Natur inspiriert ist, und vom menschlichen Denken, das versucht, es mit aller Disziplin zu interpretieren.
Inzwischen gibt es Ostereier – besser kaputt – die teuer versteigert werden.
