雕塑一直被认为是一种难以理解的艺术，因此也难以收藏。 偏爱中小型作品，因此易于放置在住宅中，而对于其他公认的纪念性作品，它总是进入公共和机构作品。 没有一个重要的广场没有石头、大理石、青铜或金属来纪念某个崇拜人物或英雄。 在这里，你不想忘记的事件的记忆，随着时间的流逝，一动不动地参与其中。 现在雕塑也是同时代的设计、建筑和形式。 但它的故事可以追溯到很久以前。
在过去的几个世纪里，雕塑家只使用适合建模的材料，例如粘土。 或较硬的材料，如石头或大理石，然而，在石匠熟练的手下，它们可以转变成和谐的形状。 而在今天，现代雕塑家已经扩展到使用其他材料，例如钢或树脂，直至随时间消亡的生物物质。
在古代，术语“artifex”指的是艺术家和雕塑家，而术语“operarius”指的是工人。 但通常，它们被塑造成一个能够塑造和塑造物质的形象。 因此，卡斯蒂利亚石匠和法国雕刻家也属于同一阶级，他们同样值得代表。
在文艺复兴中期，多纳泰罗被称为“scarillator”或石匠，而莱昂纳多在他的 艺术之间的比较，毫不犹豫地将“绘画置于雕塑之上”。 当达芬奇思考支配雕塑活动的原则时，比他年轻 XNUMX 岁的米开朗基罗创作了他最美丽的雕塑作品。 然后让我们回忆一下切利尼、瓦萨里、皮加勒、布沙东或贝尔尼尼。 后来，Falconet 和 Canova，与 Rodin 和 Hildebrand 一起到达十九世纪。 在接下来的二十世纪，形式受到历史时期的影响。 作品必须跨越时间、空间，并且必须摆脱任何多余的东西，直到它们以一种全面的复杂形式变得有意识和纯净，就像摩尔、哈普、博乔尼那样。 空间因此成为上个世纪雕塑的基本属性之一。
今天，雕塑是借助新的方法在空间中进行规划和绘制，利用这个空间，用它来建造，仿佛它是一种新一代的材料。 因此，有时像安尼施·卡普尔 (Anish Kapoor) 那样表现出色的新形式，或将进入我们新世界的符号体系融入语境，请参阅杰夫·昆斯 (Jeff Koons)，他的大心脏由焊接和彩色金属制成，看起来像充气并悬浮在空中的气球和破碎的鸡蛋.
它的可塑性不再像古代那样占据任何神话或宗教肖像，而是仅以唤起物体、分解自然的形式来表达，以达到显然要使用的物品，有时会侵蚀设计的意义。 然而，它本身具有严重的思想僵化，因为它始终保持对形状和比例的尊重。 无论是可感知的还是可想象的，它都蕴含着完美。 我们必须绕过它才能了解它生活在太空中，它与观察它的任何人交谈，它扮演着伟大舞台表演者的角色。 当它变得具有纪念意义时，它就会让位于建筑，而当它成为线条、客观性和可用性的纯粹艺术创作时，它就是设计。
但雕塑仍然在变化，它参与社会生活，在空间中人们也可以在其中反映自己，就像来自芝加哥的印度艺术家卡普尔“云门”的作品一样。 一扇真实的门，存在但不存在，但从下方或周围经过，反映了访客的生活，他再也无法逃脱。 虽然白天的灯光固定了建筑物，夜晚的灯光固定了天空，但这项工作每天都在变化，它使生命不朽，但永远不会修复它。 一部没有电影的长短片。
这就是为什么它在私人空间中的位置越来越少，例如插入房屋角落或桌子上的作品，因为多年来它们已被设计对象所取代，它们越来越丰富多彩并且也有用途，它们给光或给我们让我们坐下。
事实上，我认为“设计”一词确实被滥用了，根据流行的词典，它指的是任何具有风格线条的东西，圆形或方形，意大利制造或中国制造，都没关系。 虽然真正的设计是另外一回事，但它是艺术，它的启发者，设计师，已经能够掌握本质，并创造出极其干净的创造物。
即使在时尚界也越来越多地谈论“雕塑服装”和“时装设计”，但真正的含义是什么？
雕塑裙从非常古老的概念开始，对古代服饰进行改造，在形状和线条上，想想日本设计师，比如三宅一生，他们跨越所用材料的空间，创造出像真实建筑一样的空隙。 应用于任何配饰设计的设计也是如此，如果规则严格，产品不仅会成功，而且会经久不衰，例如爱马仕 (Maison Hermes)，线条不假思索。
在所有这一切中，规则是由受自然启发的创造性思维原则和试图用任何学科来解释它的人类思想所决定的。
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