Während ihrer fünfzigjährigen Ehe hat sich das Paar auf eine inspirierende Reise in Geschäft, Familie und Sammeln begeben, eine liebevolle Partnerschaft, die zu einer herausragenden Sammlung bildender Kunst geführt hat. Die Auswahl Impressionismus und Moderne umfasst 16 Lose. Weitere Werke aus der Sammlung werden über den American Art Sale in New York am 20. November und den Old Evening Sale Sale in London am 6. Dezember verkauft. Zusammen wird die Sammlung voraussichtlich 50 Millionen US-Dollar übersteigen.
Herbert J. Klapper wurde 1926 in Brooklyn als Sohn eines Nähmaschinenverkäufers geboren; Seine zukünftige Frau Adele wurde drei Jahre später in Brooklyn als Tochter europäischer Einwanderer geboren. Sowohl Herbert als auch Adele Klapper verkörperten den ambitionierten „American Dream“ des XNUMX. Jahrhunderts. Mrs. Klapper brach das College ab, um ihre Familie zu unterstützen. Nach der Rückkehr vom Militärdienst begann Herr Klapper in der Nähmaschinen-Verkaufsfirma seines Vaters im Bekleidungsviertel von Manhattan zu arbeiten; In der Nähe war Adele Klapper bei der International Ladies Garment Workers Union beschäftigt. Und so kam es, dass ein zufälliges Treffen zwischen dem jungen Herbert und Adele bei einem Mittagessen in einem örtlichen Restaurant den Funken für eine Ehe bildete, die ein halbes Jahrhundert dauern sollte.
Klappers außergewöhnliche Geschäftserfolge kamen nach Jahren des Unternehmertums und harter Arbeit, als Herr Klapper das Geschäft seines Vaters in die Superior Sewing Machine and Supply Corporation, den weltweit führenden Anbieter von Nähmaschinenteilen und -komponenten, umwandelte. In der Kunst war Herr Klapper in der Lage, denselben Geschäftssinn und seine Liebe zum Detail zu nutzen, um einer beträchtlichen Privatsammlung zugute zu kommen.
In Zusammenarbeit mit namhaften Galeristen und Auktionshausspezialisten erwarben die Klappers immer wieder herausragende Beispiele alter Meister, impressionistischer und moderner Kunst. Das Paar hat seine Zusammenstellung sorgfältig kuratiert, um sich auf das Beste von Künstlern wie zu konzentrieren Pablo Picasso, Auguste Rodin, Jean Arp, Claude Monet, Pieter Brueghel der Jüngere, Paul Cézanne, Pierre-Auguste Renoir und Edgar Degas.
Führend ist die Sammlung Die Treppe à Vetheuil di Claude Viele, 1881 (12-18 Millionen Dollar). Mit seiner atemberaubenden Fülle von Blumen und Blättern fängt dieses sonnendurchflutete Gemälde die Pracht des Hochsommers in Monets Garten in Vétheuil ein, einem ländlichen Dörfchen, das der Künstler von 1878 bis 1881 sein Zuhause nannte. Die Treppe in der Mitte des Gemäldes dient als Komposition Anker für eine Serie von vier eng miteinander verbundenen Ansichten von Haus und Garten, die Monet während der hochstehenden Sommersonne schuf. Das aktuelle L'escalier à Vétheuil war höchstwahrscheinlich das erste der Serie, das geschaffen wurde, dessen Nahaufnahme der menschenleeren Stufen darauf hindeutet, dass der Künstler seine Staffelei auf der oberen Terrasse aufgestellt hat, um das Panorama einzufangen. Die dekorative Qualität der Vétheuil-Gartenszenen war für den zeitgenössischen Markt sehr klar. Monet verkaufte alle drei Plein-Air-Leinwände innerhalb von ein oder zwei Jahren nach ihrer Ausführung und behielt nur die Studiovariante der National Gallery. Der erste Besitzer der aktuellen Version war der Magnat der Pennsylvania Railroad, Alexander Cassatt, Bruder der impressionistischen Malerin Mary Cassatt und eine bahnbrechende Sammlerin neuer amerikanischer Gemälde; Die Leinwand gelangte um 1883 in seine Sammlung, als Monets Werk jenseits des Atlantiks noch wenig bekannt war. Im Frühjahr desselben Jahres zogen Monet und seine Großfamilie stromabwärts nach Giverny, wo der Garten des Künstlers als Sujet der modernen Malerei endgültig seinen Höhepunkt erreichte. L'escalier à Vétheuil ist das letzte von vier Exemplaren der Serie, das sich in Privatbesitz befindet: Eine Version hängt in der National Gallery in Washington; DC, ein weiteres befindet sich im Norton Simon Museum in Pasadena; und das dritte wurde 2014 vom legendären kalifornischen Geschäftsmann, Philanthropen und Sammler A. Jerrold Perenchio dem Los Angeles County Museum of Art vermacht.
Picassos Inspiration bei der Schaffung von Pastell Damen untergebracht, 1921 (10-15 Millionen US-Dollar) war zweigeteilt und verfolgte parallele Interessen in Bezug auf Thema und Stil. Das Modell ist die Frau des Künstlers, Olga, geb. Khokhlova, die er 1917 kennenlernte, als sie Solotänzerin in Serge Djagilews Les Ballets Russes war. Sie heirateten im folgenden Jahr und bezogen kurz darauf eine Wohnung in der Rue la Boétie, dem neuen Epizentrum des Pariser Kunsthandels. Verkäufe machten aus Picasso einen reichen Mann. Am 4. Februar 1921 präsentierte Olga ihrem Ehemann einen Sohn als Erstgeborenen, den einzigen männlichen Erben von seiner Seite der Familie Ruiz-Picasso. Die dankbare Künstlerin feierte das Ereignis in einer Reihe von Mutterschaftszeichnungen und -gemälden und ehrte Olga als zeitloses Vorbild anmutiger und fruchtbarer Weiblichkeit in Figurengemälden und Porträts.
Typischerweise liebte Picasso die Idee, gegen den Strom zu arbeiten und verstieß gegen „den Ruf zur Ordnung“ in den abweichenden Proportionen von Gesicht und Körper, die er in seinen klassischen Figuren verwendete. In Femme accoudée unterzog Picasso Olgas feingliedrige slawische Züge subtilen Rokoko-Verzerrungen, vergrößerte den Raum zwischen ihren Augen und verkleinerte ihre Lippen. Als Kennzeichen von Picassos klassischer Manier ist hier auch die scheinbare Vergrößerung der Arme und Hände des Modells vorhanden. Diese antinaturalistische Geschmeidigkeit in plastischen Formen leitet sich von Präzedenzfällen in Picassos früheren figurativen Stilen sowie in seiner kubistischen Praxis ab und sollte sich in allen seinen nachfolgenden Arbeiten durchsetzen.
Gemalt am 28. November 1924, Buste de Damen au Segeln blau di Pablo picasso (8-12 Millionen US-Dollar) – links abgebildet, gehört zu den neuesten in einer Reihe eleganter und eindringlich rätselhafter neoklassizistischer Porträts, die der Künstler in den frühen Jahren des Jahrzehnts gemalt hat. Dunkles Haar, der nachdenkliche, melancholische Blick der Dargestellten und feine, perfekt gemeißelte Gesichtszüge offenbaren sofort Olga Khokhlovas Präsenz und Charakter. Dieses Gemälde zeigt den Höhepunkt und die subtile Ausdruckskraft, die Picasso hervorrufen konnte, während er in dem kühlen, sinnlichen, urbanen Stil der Porträtmalerei arbeitete, den Olga in ihrer Arbeit inspiriert hatte. In wenigen Monaten würde die jahrzehntelange Faszination des Künstlers für den Klassizismus einem völlig transformativen Eintauchen in die konvulsive Intensität der surrealistischen Revolution weichen.
Gemalt 1896, Tänzer ($6-8 Millionen) gehört zu den wichtigsten Werken von Henry de Toulouse-Lautrec im Ballettthema. Als Lautrec sein Studio betrat, starrte er sein Modell an, während sie die Tüllschichten in dem Ballett-Tutu zurechtrückte, das sie gerade als Vorbereitung auf ihre gemeinsame Arbeitssitzung angezogen hatte. An einen großen Spiegel gelehnt, wirkte die junge Frau auf die Künstlerin, als würde sie sich vor einem Publikum verbeugen. Seine außermittige Haltung, das abgewinkelte Polygon der Schultern und die nach hinten gebogenen Arme erzeugten einen spontanen und bildlich perfekten Kontraposteffekt. Lautrec schätzte schnell die Schönheit des Augenblicks und bemalte sein Modell einfach so. Das Ergebnis ist ein ruhiges und mysteriöses Gemälde, ein zufälliger Erfolg von Timing und Beobachtung, eine sensible Beschwörung einer einsamen Figur in einer intimen und stimmungsvollen Umgebung. Zu Lautrecs Danseuse gehört der renommierte deutsche Händler Justin K. Thannhauser, dessen Sammlung im Solomon R. Guggenheim Museum, New York, einen eigenen Flügel erhalten hat. Ein späterer Besitzer war Arthur Murray, ein Gesellschaftstanzspezialist, der Unterrichtsstunden entwickelte und Ausbilder im Geschäft ausbildete. 1938 gründete Murray das Tanz-Franchise, das seinen Namen trägt.
