Vom 24. bis 27. Januar geht es auf die Bühne Arte Fiera Bologna, eine der wichtigsten europäischen Messen für moderne und zeitgenössische Kunst. Der ligurische Künstler wird auch an der emilianischen Ausstellung teilnehmen Silvia Celeste Calcagno, Jahrgang '74, wie gewohnt präsentiert von seiner Referenzgalerie PH – Neutro mit Büros in Verona und Pietrasanta (www.ph-neutro.com).
Silvia Celeste Calcagno macht die Antithese zum Schlüssel ihrer Poetik. Die Inhalte seiner Arbeiten, performativen Installationen, beinhalten die Dichotomie: Schönheit und Schmerz, Fleischlichkeit und Seele, Blut und Gedanke. In einer obsessiven fotografischen Reproduktion ihrer selbst spricht Silvia Celeste Calcagno über das Leben durch den Tod; von Schlaf durch Alptraum; von Schmerzen im ganzen Körper. Sein eigenes Spiegelbild suchen und sich darin verlieren.
Er schreibt über sie der Turiner Kunstkritiker Luca Beatrice: „Als Francesca Woodman 1976 im Alter von nur 16 Jahren den Operator bat, ihren Kopf aus der Aufnahme der Szene herauszuschneiden, hatte sie das Muster bereits erraten: Die Künstlerin/Darstellerin musste in die Linse einblenden, verschwinden und dann zeigt sich. Der nackte Körper, stigmatisiert durch visuelle Effekte von Gleichzeitigkeit, Schatten und Bewegung, betont seine Zerbrechlichkeit, Fragmentierung und Zersetzung“.
„Die Praxis der Selbstdarstellung mit dem eigenen Körper als Rohmaterial ist vielen Künstlern gemeinsam, von den ersten Videos von Bruce Nauman und Vito Acconci zu Beginn ihrer jeweiligen Karrieren in den späten XNUMXer Jahren bis hin zur Arbeitsweise von Künstlerinnen und Performer, die in den folgenden zehn Jahren in der Selbstdarstellung den Weg fanden, Botschaften der Denunziation, aber auch Schreie des inneren Schmerzes zu vermitteln, von Gina Pane bis Marina Abramovic. Auch Silvia Celeste Calcagno wählt „sich selbst“ als Thema; nicht so sehr aus narzisstischem Vergnügen, das Ego zu säuern – eine Falle, in die so viele geraten –, sondern um die Richtung der von ihm inszenierten Handlungen besser zu kontrollieren. Es geht nicht um sich selbst, über die sie sprechen möchte, es ist ihr ziemlich egal.
Seine Darstellungen emotionaler Zustände, in denen Anwesenheit für Abwesenheit gegeben wird, Leere in Fülle gefunden wird und Leben sich ständig mit einem tiefen Gefühl des Todes abwechselt. Es gilt die Regel der Gegensätze. Der Körper steht im Mittelpunkt: feststehende Kamera, wiederholte Aktionen, fast eine Besessenheit, die Stunden, Tage andauern kann. Das Ergebnis ist eine – buchstäblich – Wand aus Hunderten von Aufnahmen, fast zeitgleich, nur durchsetzt vom Hauch des ersten Klicks mit dem nächsten. Dies sind, was Silvia Celeste Calcagno als „Beobachtungen“ definiert, in Anlehnung an Gina Pane, die die Arbeit eigentlich als fotografische Dokumentation betrachtete und nicht als die eigentliche Entwicklung der Aufführung, oder besser gesagt als „constat photographique“. Die Arbeit von Silvia Celeste folgt einem Prozess der Verewigung des Bildes in Steinzeugfliesen, auf denen der Eindruck die Leichtigkeit der Aufnahme korrodiert, verbraucht und im Endergebnis komprimiert, ähnlich veralteten und neoromantischen Postkarten.
Die in jedem Einzelbild bereits enthaltene Bewegung ist in der Gesamtschau eine fotografische Sequenz, die an die Studien zum Buch „Animal Locomotion“ von Eadweard Muybridge erinnert, als sie 1887 die breite Öffentlichkeit eroberte, mehr voyeuristisch als die wissenschaftliche Elite hätte ansprechen sollen. Die Entwicklung von zusammengesetzten Keramikplatten an den Wänden zusammen mit den Fotoserien deutet eine Bewegung jenseits des isolierten Fotogramms in den Installationen des Künstlers an, der in Albissola, dem historischen Zentrum der italienischen Keramik, lebt. In der globalen Vision wird die Erzählung artikulierter und findet ihre Definition in Minivideos und Audiointerventionen, die das Puzzle begleiten, um es zu schließen. Wissenschaftlich, sicherlich nicht bukolisch, ist die kreative Praxis von Silvia Celeste Calcagno, die eine Vergangenheit als professionelle Keramikerin hat und die Erfahrung der Meister erworben hat, um die Besonderheit der Hand zu unterstützen”.
„Im gleichnamigen Video von Silvia Celeste Calcagno geht es bei Attesa immer um das Warten, verloren zwischen einer unbestimmten Anzahl schlafender und schwankender Ophelias. Letzte Aufführung von weißen Schwänen, die das Scheinwerferlicht auf der leeren Bühne verlassen. „Goodnight Ladies“ würde Lou Reed singen: So lenkt die formale Sinnlichkeit eines Mundes im Vordergrund, der sich unter der Einwirkung der Hände eines zweiten Akteurs verformt – Starre – die erotische Aufmerksamkeit auf eine perverse und künstliche Erregung. „Der Sexappeal des Anorganischen“ (Mario Perniola, 1994) betrachtet nicht die Schönheit, sondern den sadistischen und masochistischen Gebrauch des Körpers wie Maschinen, deren virtuelles Potenzial ohne Filter missbraucht werden kann.
Starren ist gleichbedeutend mit einem degenerativen Kommunikationszustand, es ist die Unmöglichkeit zu reagieren, der passive Zustand eines Dialogs für einen einzelnen Akteur, aber es ist die Technik, die Silvia Celestes Arbeiten in einen experimentellen Rahmen stellt, der die Kräfte des Mediums verstärkt. Die Verwendung von Fotografie ist ein Vorwand, eine Beobachtung eines Endergebnisses, das das ursprüngliche Bild in seinen Archetyp verwandelt. Die Übertragung auf Steinzeug bei 1250 Grad Celsius sättigt die Kontraste und verbrennt die Leuchtkraft der Schwarz- und Weißtöne. Sie wirken wie digitale Eingriffe von Veränderungen chromatischer Kurven, die formale Evolution von Materialität. Die Praxis löst die Gleichung zwischen Handwerkskunst und Zeitgenössischem. Experimentelle Fotokeramik, gekonnt im Ergebnis, einzigartig gemacht durch die Eroberung einer Technik durch den Künstler, die niemals in numerischen Editionen wiederholt werden kann, wie dies bei der Fotografie der Fall wäre, unendlich duplizierbar.
Das Bild kann wiederholt werden, aber jede Kopie ist unvorhersehbar und verändert (gemäß dem Urheberrechtsgesetz) 70 % des Originals. Der technische Trick, der „Reproduzierbarkeit des Kunstwerks“ (Walter Benjamin, 1955) und der „Kopie“ im engeren Sinne zu entkommen, ist bei den Exponenten von yBa, den Weggefährten des Saatchi-Stalls, en vogue. Mat Collishaw hat die gleiche Regel wie Silvia Calcagno für erfolgreich befunden: Abdrücke von Bildern auf vielen Keramikfliesen, die das Bild wie in Chuck Closes Gemälden in eine unübersehbare Anzahl von Pixeln zersplittern, wie es die digitale Fotografie erfordern würde. Die ikonische Archäologie wird mit der Ästhetik kontaminiert, die von den zeitgenössischen Medien auferlegt wird, und Handwerkskunst wird zu einem Mittel, um die Kategorie der künstlerischen Unikate zu bewahren.“
