Heute ist Kunst nicht mehr „Besitz schöner Dinge“, sondern Erfahrung, Idee, Geste oder Debatte, genau wie Duchamp sagte. Jeder kann provozieren, hinterfragen und neu definieren, was Kunst ist, und dabei das Publikum zur gleichen Reflexion anregen.
Marcel Duchamp (1887 – 1968) Er war ein in Frankreich geborener amerikanischer Künstler und gilt als eine der bedeutendsten Persönlichkeiten der Kunst des 20. Jahrhunderts. Er ist vor allem dafür bekannt, das Konzept des Kunstwerks revolutioniert zu haben, indem er sich von der traditionellen Ästhetik zu der Idee bewegte, dass Kunst könnte vor allem ein geistiger Akt seinDer in Blainville-Crevon (Frankreich) geborene Duchamp begann als Maler und näherte sich dem Impressionismus und dann dem Kubismus. Es war die Arbeit Nackt die Treppe hinunter Nr. 2 (1912) machte ihn bekannt für die Verschmelzung von Kubismus und Bewegung. Er verwendete das weibliche Pseudonym Rrose Selavy einige Werke zu signieren und dabei Identität und Urheberschaft in Frage zu stellen. Die „Readymades“: gewöhnliche Objekte, die vom Künstler ausgewählt und als Kunstwerke präsentiert werden (z. B. Fahrradrad, 1913; Fontana, 1917 – ein Urinal mit der Signatur „R. Mutt“).
Die Idee von „fertig gemacht“ Dies ist der Kern von Duchamps Revolution. Duchamp definierte sie als „Industrieobjekte, die durch die einfache Entscheidung des Künstlers in den Status von Kunstwerken erhoben wurden“. Sein symbolträchtigstes Beispiel war das Werk Brunnen (1917): ein umgedrehtes Urinal, signiert "R. Mutt". Aus einer "für alle offenen" Ausstellung abgelehnt, wurde es zum Sinnbild einer neuen Art, Kunst zu verstehen: nicht das Objekt, sondern der Akt der Wahl und das Kontext sie verwandeln es in ein Werk. Sein Werk ist nicht weniger wichtig „LHOOQ“ (1919) eines seiner berühmtesten Werke satirisches ReadymadeDiesmal schuf Duchamp kein neues Objekt, aber er ein Kunstsymbol geändert: eine Reproduktion von Leonardo da Vincis Mona Lisa mit einem dünnen Schnurrbart und Bart darüber.
"Und hier sagt uns Duchamp: Kunst ist eine Idee, kein heiliges Objekt. Ein Beispiel, das das Werk kritisiert, kritisiert die Institutionen, Museen und Kritiker, die definieren, was „Kunst“ ist; den Kunstmarkt, der den Künstler und das Objekt vergöttert; und sogar die Öffentlichkeit, die das Werk oft mehr wegen seines Ruhms als wegen seines Inhalts verehrt."
Warum Duchamp revolutionär war
Für ihn war nicht mehr das „Wie“ des Werks entscheidend, sondern die Idee dahinter. Die Geste des Künstlers wurde konzeptuell. So hinterfragte er die Aura der Kunst, indem er definierte, dass Massenprodukte genauso „Kunst“ sein konnten wie eine einzigartige Skulptur: Nicht mehr Seltenheit oder Handwerkskunst definierten das Werk. Der Künstler war somit nicht mehr nur ein manueller „Schöpfer“, sondern ein Selektor, ein Provokateur, ein Denker. Daher die Öffnung zur konzeptuellen und postmodernen Kunst. Fast die gesamte Nachkriegskunst (von Warhol bis Hirst) verdankt dieser Umkehrung etwas: Das Werk kann eine Idee, eine Geste, eine Handlung sein. Mit anderen Worten: Duchamp zeigt, dass Kunst nicht ein natürliche Kategorie aber eins kulturelle Kategorie, das heißt, ein Objekt ist Kunst, weil jemand (ein Künstler, eine Institution, ein Publikum) beschließt, es als solches zu behandeln.
Die Intuition des fertige Duchamp hinterließ einen starken Einfluss auf andere Künstler und Bewegungen
Nehmen wir zum Beispiel Andy Warhol (Pop Art) So wie Duchamp alltägliche Gegenstände auswählte, wählte Warhol alltägliche Bilder (Campbells Suppendosen, Porträts von Prominenten) und reproduzierte sie in Serien. Für ihn zählt nicht mehr das „veredelte Produkt“, sondern das „Produkt der Massenkultur“. Piero Manzoni (Italien, 60er Jahre) mit Konzeptarbeiten wie Artist's Shit (1961), 90 versiegelte Kisten, die als „Kunstwerke“ bezeichnet wurden und für ein Vermögen verkauft wurden. Sein Duchamp-artiges Erbe stellt das Objekt als reinen Vorwand dar; es ist die Geste (Signieren, Boxen), die Bedeutung schafft. Schließlich, das zeitgenössischste, Banksy (Zeitgenössische Straßenkunst)Seine Graffiti entstehen im urbanen Raum und landen dann auf Auktionen und in Museen. Eine wahre institutionelle Provokation. Performances wie Liebe ist in der Tonne (das Werk, das sich unmittelbar nach der Auktion selbst zerstört) spielen mit dem Kunstsystem, so wie Duchamp das Ausstellungssystem herausforderte. Und während Duchamp Pseudonyme verwendete, um seine Werke zu signieren, nutzt Banksy die Anonymität, um den Fokus vom Künstler auf die Geste zu verlagern.
Anonymität stärkt das Readymade
Anonymität kann die Bedeutung der Arbeit verändern von chi al was und von wirtschaftlicher Wert al konzeptioneller oder sozialer WertEs kann eine Möglichkeit sein, die Kunst vom Ego zu befreien oder umgekehrt eine Möglichkeit, eine neue und andere Aura um das Werk herum zu schaffen. Wenn ein Künstler Anonymität oder ein Pseudonym wählt, spielt er mit einem der heiligsten Elemente moderner Kunst: dem Künstler. In der westlichen Kultur sind wir es gewohnt, den Wert eines Werks mit dem Namen des Künstlers zu verknüpfen (die „Signatur“ erhöht seinen Preis, sein Prestige und seine Aura). Anonymität ist eine Möglichkeit, diesen Mechanismus aufzubrechen und die Geste, Idee oder Botschaft statt der Person hervorzuheben.
