Dari Thiebaud hingga Manzoni, seni kontemporer dilelang di New York (Sotheby's)

Lelang menyajikan 51 lot yang telah dipajang untuk umum sejak 1 November di galeri Sotheby's York Avenue, bersama dengan Lelang Seni Kontemporer dan penjualan seni Impresionis dan Modern di bulan November.

Berikut adalah beberapa karya dari lelang Seni Kontemporer:

Dieksekusi pada saat kritis dalam karir Willem de Kooning, Tanpa Judul XXII dari tahun 1977 mewakili puncak dari produksi dewasa artis. Lelah oleh kebisingan dan ketegangan kehidupan Manhattan selama bagian awal karirnya, de Kooning menghabiskan musim panas di East Hampton mulai tahun 1959, dan pindah secara permanen ke Springs pada tahun 1963 untuk membenamkan dirinya dalam lingkungan yang dipenuhi cahaya dan tenang. Sementara Untitled XXII tetap abstrak, ia membangkitkan esensi, ingatan, dan pengalaman lingkungan laut dan damai de Kooning yang memikat sang seniman, mengingatkannya pada rumah masa kecilnya di Belanda. Menandai kembalinya sang seniman untuk melukis setelah jeda yang berfokus pada menggambar dan memahat, Untitled XXII adalah bagian dari ledakan kreativitas yang meledak-ledak yang telah menghasilkan tubuh termasyhur dari kanvas berskala besar yang bermandikan warna yang menempati peringkat di antara yang paling ikonik dalam karier de Kooning.

Blue Over Red mewakili karya tahun kritis pertama Mark Rothko di tahun 1953 akan dilelang dalam lebih dari satu dekade (perkiraan $25/35 juta). Lukisan itu mewakili periode kritis perkembangan di paruh pertama tahun 50-an, segera setelah dia pindah ke studio baru di belakang MoMA, tempat dia melukis beberapa eksplorasi warna yang paling inovatif. Blue Over Red diakuisisi langsung dari artis pada tahun 1957 oleh dealer dan kolektor legendaris Harold Diamond, dan kemudian menghabiskan beberapa dekade dengan kolektor Baltimore Israel dan Selma Rosen, yang menawarkan karya tersebut untuk dilelang pada tahun 2005 ketika terjual seharga $5,6 juta. Itu tetap dalam koleksi pribadi yang sama sejak 2007.

PH-399 mendemonstrasikan inovasi radikal dari karya visioner Still. Dilukis pada tahun 1946 – tahun yang sama dengan pameran tunggal pertama sang seniman di New York – karya ini merupakan tonggak awal dalam praktik Still. PH-399 menandai tidak hanya realisasi gaya tanda tangan Still, tetapi juga peresmian ekspresionisme abstrak – selama tahun 1946, Mark Rothko akan menerima pameran tunggal pertamanya di Museum of Modern Art di San Francisco, lukisan karya Jackson Pollock muncul untuk pertama kali dalam pameran tahunan Museum Whitney di New York, dan kritikus seni Robert Coates secara resmi menciptakan istilah "ekspresionisme abstrak" di
The New Yorker sebagai sarana untuk menggambarkan gerakan baru yang, di tahun-tahun mendatang, akan muncul sebagai modalitas seni yang dominan di Sekolah New York dan dunia seni yang lebih luas.
Sebagai bukti pentingnya karya ini, PH-399 dipilih oleh Still sendiri untuk dimasukkan dalam pameran mani tahun 1959, Paintings by Clyfford Still, yang diselenggarakan oleh Galeri Seni Albright-Knox di Buffalo. Dikuratori secara pribadi oleh senimannya, pameran ini merupakan investigasi skala besar pertama Still dan tetap menjadi salah satu pameran terpenting dalam kariernya. Ketika diminta berpose untuk foto dalam pameran, Still memilih untuk berdiri di depan PH-399, memperkuat statusnya sebagai representasi ikon tunggal tidak hanya dari hasil karyanya yang terkenal, tetapi juga dalam narasi mitis dan perkembangan pascaperang. lukisan.

Muncul dari kenangan emas masa kecil, makanan penutup berwarna indah Wayne Thiebaud yang ditata dengan gaya restoran atau kafetaria klasik adalah motif yang terkenal diciptakannya pada tahun 1961 – dan motif yang telah ia kunjungi kembali selama hampir tujuh dekade. Benda-benda ringan dan keunggulan konsumsi kelas menengah ini membangkitkan semangat dan kemakmuran tahun 60-an. Lelang malam akan menawarkan kue yang diuangkan Thiebaud sebagai penghitung kue pertama yang telah muncul di lelang sejak 1997. Berukuran tinggi 72 inci yang mengesankan, karya ini juga sangat besar dalam oeuvre seniman, dan tetap menjadi koleksi pribadi yang sama sejak diakuisisi langsung oleh seniman pada tahun 2011, tahun penyelesaiannya.

"Saya tidak dapat memahami pelukis yang, sementara menyatakan diri tertarik pada masalah modern, masih hari ini memandang lukisan seolah-olah itu adalah permukaan yang diisi dengan warna dan bentuk sesuai selera yang kurang lebih bisa diapresiasi dan itu. kurang lebih terlatih […]. Lukisan itu selesai dan permukaan dengan kemungkinan tak terbatas akhirnya direduksi menjadi semacam bejana di mana warna yang tidak alami dan makna artifisial dipaksakan dan dikompresi. Mengapa tidak mengosongkan penerima ini saja? Mengapa tidak membersihkan permukaan? Mengapa tidak mencoba menemukan makna tak terbatas dari ruang total? Dari cahaya murni dan absolut? ”(Seniman yang disebutkan dalam“ Dimensi bebas “, Azimut 2, 1960)
“Salah satu dari dua karya tersebut telah dipamerkan di banyak pameran bergengsi, sedangkan yang lainnya [karya yang sekarang] tersembunyi dari pandangan hingga beberapa waktu yang lalu. Dua kanvas dengan kekuatan yang luar biasa, mampu membuat saya tercengang saat pertama kali melihatnya bersama di sebuah ruangan di Zurich…” (Rosalia Pasqualino di Marineo, ed., Piero Manzoni: The Twin Paintings, New York, 2017, hlm. 7)
Dilaksanakan pada tahun 1959, karya ini adalah salah satu contoh yang paling monumental dan menarik secara visual dari seri akrome terobosan Piero Manzoni. Mewakili ekspresi maksimal filosofi sentral Manzoni, Achrome secara mengejutkan mewujudkan penelitian teoretis dan teknis seniman untuk membebaskan lukisan dari batasan representasi dan gerak paksa. Seperti yang diperdebatkan oleh kritikus seni Italia berpengaruh Germano Celant: “Achrome Manzoni bercita-cita untuk memotong tali pusar antara artefak dan pembuat; itu bertujuan untuk mengurangi ketergantungan seni pada seniman… Achromi tidak mewakili nada suara apa pun, memori berwarna apa pun. Tidak ada yang bisa mengingat sifat hasrat artis. (Exh. Cat., London, The Serpentine Gallery, Piero Manzoni, 1998, hal. 22) Pertama kali disusun pada tahun 1957 sebagai penolakan sadar terhadap tindakan kejantanan Abstrak Ekspresionisme di Amerika Serikat dan gerakan bergambar Art Informel di Eropa, lukisan-lukisan Achrome mewakili upaya Manzoni untuk sepenuhnya memisahkan permukaan yang dicat dari partisipasi aktif seniman dan untuk mengatasi fetishisme gerakan artistik dengan cita rasa kontemporer. Dengan demikian, lukisan-lukisan Achrome menempati posisi makna yang tak terbantahkan: keutamaan yang tak terikat dari bentuk material yang terkristalisasi sebagai penanda murni menempatkan salah satu gerakan konseptual paling radikal dalam sejarah seni abad ke-50. Dengan lebar lebih dari 1959 inci, Achrome XNUMX adalah mahakarya sejati dari korpus yang dihormati dan ambisius ini. Dari sekitar tiga ratus karya yang terdiri dari kaolin di atas kanvas, karya ini adalah salah satu dari hanya sembilan karya yang dieksekusi dalam proporsi yang begitu monumental; yang lain dari grup ini berada di koleksi terhormat seperti Pompidou Center, Paris; Galeri Sipil Seni Modern dan Kontemporer, Turin; Museum Moderner Kunst, Stiftung Ludwig, Wina; dan Koleksi Rachofsky di Dallas. Penuh dengan guratan lembut dan lipatan liris, Achrome segera membangkitkan rasa soliditas pahatan dan cahaya yang halus; namun, tanpa penanda atau ikatan dengan representasi, Achrome tidak lain adalah keberadaannya, tabula rasa yang dibebaskan yang dikosongkan dari alegori, kiasan, dan ekspresi naratif.
Karya ini milik sepasang lukisan penting yang baru-baru ini dihormati dengan proyek ambisius untuk memeriksanya dan karya saudara perempuannya; proyek ini dikerjakan oleh Rosalia Pasqualino di Marineo, direktur Yayasan Piero Manzoni, dan baru saja selesai pada tahun 2017. Proyek ini berusaha untuk mengoreksi penghilangan pertama Achrome dalam Katalog Umum pertama Germano Celant (pengawasan karena asal muasal lukisan tersebut di koleksi pribadi sementara katalog raisonné asli – diterbitkan pada tahun 1974 – sedang dalam pengerjaan). Tentang proyek ini, sutradara Pasqualino di Marieno menulis: "Proyek yang mencirikan kedua achrome ini," kembar heterozigot ", jelas di luar kebiasaan. Nyatanya, bagi saya itu mungkin peristiwa unik dan tidak mungkin terulang: dua lukisan begitu penting, berbeda namun sama, sehingga bisa ditempatkan berdampingan dan dipelajari sekali lagi dan diperdalam kali ini. ” (Rosalia Pasqualino di Marineo, ed., Piero Manzoni: The Twin Paintings, New York, 2017, hlm. 7) Dipandu oleh direktur Yayasan Piero Manzoni, The Twin Paintings menyatukan penelitian penting yang dengan kuat mengkonsolidasikan karya saat ini di dalam Karya luar biasa Manzoni, meskipun flamboyannya dalam beberapa dekade terakhir. Pasqualino di Marineo menulis: “Salah satu dari dua karya telah dipamerkan di banyak pameran bergengsi, sementara yang lain [karya ini] tersembunyi dari pandangan hingga beberapa waktu yang lalu. Dua kanvas dengan kekuatan yang luar biasa, mampu membuat saya tercengang saat pertama kali melihatnya bersama dalam satu ruangan di Zurich… ”(Ibid.)
Untuk membuat lukisan Achrome, Manzoni pertama-tama menempelkan kanvas mentah yang tidak dicat ke dalam susunan lipatan dan lipatan yang tampaknya organik yang berkembang biak dengan sendirinya, kemudian menerapkan kaolin - larutan kapur dan tidak berwarna yang digunakan dalam pembuatan porselen - ke permukaan kanvas dan membiarkan larutan seperti kapur mengering. Pada akhirnya, melalui proses pengeringan yang ditentukan sendiri, tanpa campur tangan seniman, karya tersebut mencapai bentuk akhirnya. Bahkan lebih putih dan lebih murni dari kanvas mentah aslinya, kaolin menawarkan Manzoni media yang ideal untuk menyusun lukisan akromatiknya yang "tidak dicat". Teknik ini tidak hanya menghilangkan tangan seniman, tetapi juga meningkatkan kedalaman pahatan dan kekokohan gelombang permukaan. Memang, lipatan horizontal dan pegunungan Achrome tampak terawetkan seperti fosil, membatu dalam keadaan metamorfosis material. Bukan lagi kelembutan cairan dan likuiditas dari keadaan utamanya, tetapi suspensi positif dan negatif mengeras dalam penegasan ganda dari substansi dan kekosongan: contoh nyata dari pencarian metafisik Manzoni untuk "ruang total" dan "cahaya absolut murni". . artis dikutip dalam “Dimensione libera”, Azimut 2, 1960, np) Dengan memindahkan agensi artistik dan gerak tubuh dari permukaan kanvas, Manzoni bertujuan untuk menghilangkan representasi dan di dalamnya memperoleh citra metafisik murni yang diproduksi sendiri sepenuhnya.
Sementara Manzoni bereksperimen dengan sejumlah besar bahan, termasuk bahan-bahan yang berbeda seperti jerami, styrofoam, kerikil, gulungan, kain kempa dan wol, karya "akromatik" ikoniknya di atas kanvas yang terdiri dari lipatan jenuh kaolin membentuk puncak dari konsep perintis dari seniman dialog. Luar biasa dalam skala dan kompleksitas komposisi, Achrome berdiri sebagai teladan dari karya ini: dibingkai oleh dua pita horizontal dari kaolin yang hening, seperti cadar, bidang tengah yang membungkus lipatan kencang yang dipenuhi dengan kaolin yang berat benar-benar memesona. Meskipun Manzoni secara khusus menghindari referensi, harmoni formal yang sangat indah yang terlihat di Achrome menunjukkan semacam arsitektur organik, seolah-olah memanfaatkan dan melepaskan keindahan bawaan yang terbengkalai dalam bahan kanvas dan kaolin itu sendiri. Permukaan yang indah kaya dan homogen secara kromatis membangkitkan kerapuhan plester yang berdebu dan kepadatan marmer yang dingin. Penyerapan dan pantulan cahaya alami oleh lipatan tanah liat Cina, ditonjolkan oleh bubungan bersudut luriknya, membangkitkan lipatan taktil dari gorden Renaisans yang terpahat, sementara kompleksitas permukaan yang rumit menciptakan chiaroscuro dramatis untuk menggoda mata kita, karena gelap dan terang sangat mencolok. disandingkan. Tampak putih, kaolin bekerja dengan menghilangkan warna dan menambah bobot, memberikan karya-karya ini rasa monumentalitas tertentu yang secara abstrak membangkitkan patung marmer klasik. Namun, jika karya ini membangkitkan seni monumental masa lalu, itu hanyalah bukti kepicikan seni itu sendiri, bahasa visual murni dari materialitas bercahaya yang gemilang.
Selama hidupnya yang pendek secara tragis di usianya yang baru tiga puluh tahun, Manzoni mengambil pendekatan konseptual revolusioner terhadap penciptaan dan pertunjukan seni., menekankan permukaan dan material sebagai subjek sebenarnya dari karya tersebut. Dalam menciptakan Achromi, Manzoni membangkitkan area kreativitas di mana subjek lukisannya adalah bentuk yang dihasilkan sendiri; pada tahun 1960 dia menulis: “Seniman telah mencapai kebebasan integral; materi murni menjadi energi murni; semua masalah kritik seni teratasi; semuanya diperbolehkan". (Ibid.) Inovasi prakiraan Manzoni mengantisipasi baik Konseptualisme maupun Arte Povera, sementara warisan artistiknya, disetujui oleh karya ikonik seperti Achrome saat ini, bertahan sebagai kehadiran revolusioner dalam seni kontemporer saat ini.