Mit einem Eröffnungsabend in Anwesenheit von Sergio Mattarella, Präsident der Republik, Ursula von der Leyen, Präsident der Europäischen Kommission, Giorgia Meloni, Premierminister, Giuseppe Saal, Bürgermeister von Mailand und vielen anderen, beginnt die Spielzeit des Teatro alla Scala in Mailand.
Jetzt wird die Oper, ein beliebtes Musikdrama in vier Teilen (sieben Szenen), am 10., 13., 16., 20., 23., 29. Dezember 2022, immer ab 20 Uhr, in ihrem Kalender fortgesetzt
Die Sets wurden von Es Devlin, Ida Marie Ellekilde entworfen; die Kostüme und Luke Halls die Videos, während die Lichter von Jonas Bǿgh stammen. Die Hauptrollen spielen Ildar Abdrazakov als Protagonist, Ain Anger als Pimen, Stanislav Tro;mov als Varlaam, Dmitry Golovnin als Grigorij und Norbert Ernst als Shuysky, während Lilly Jørstad Fjodor ist. Der Chor des Teatro alla Scala wird von Maestro Alberto Malazzi geleitet.
Wiederkehrender Titel der Scala-Spielzeiten seit der italienischen Erstaufführung von 1909 im Auftrag von Toscanini (allerdings unter der Leitung von Edoardo Vitale), dirigiert unter anderem von Toscanini selbst, aber auch von Guarnieri, Votto, Gavazzeni und Gergiev, eröffnet Boris Godunov die Saison in Verona zum zweiten Mal nach der denkwürdigen Ausgabe unter der Leitung von Claudio Abbado im Jahr 1979 unter der Regie von Yuri Lyubimov . Die gewählte Version ist das Original von 1869, der seine Zeitgenossen durch seine innovativen und realistischen Züge sowohl in dramaturgischer als auch in musikalischer Hinsicht bestürzte, und thematisiert die individuelle Schuld und ihre unvermeidlichen Folgen. Eine dunkle und aktuelle Geschichte, die das Thema von Verdis Macbeth widerspiegelt, mit dem das Teatro alla Scala die Saison 2021/2022 eröffnete. Wir befinden uns im Jahr 1598: Zar Fëdor starb, Wachen und Priester fordern die Menschen auf, zu beten, dass der Bojar Boris Godunov zustimmt, den Thron zu besteigen. Schließlich findet die Krönung auf dem Platz der Kreml-Kathedralen mit einer imposanten Zeremonie statt, die jedoch von einigen Ausschreitungen gestört wird. In einer Zelle des Chudov-Klosters ist der betagte Mönch Pimen dabei, seine Chronik der Ereignisse in Russland fertigzustellen. Die Chronik wird die Wahrheit über die Ermordung des legitimen Thronfolgers Zarevič Dimitri berichten, die auf Befehl von Boris verübt wurde. Pimen erzählt das Verbrechen dem Novizen Grigory, der im selben Alter wie der Zarewitsch beschließt, sich als er auszugeben und eine Revolte gegen Boris anzuführen, um den Thron zu besteigen. Grigorij flüchtet nach Polen, um der Verhaftung zu entgehen, indem er die Grenze zu Litauen überquert. Die letzten Szenen erzählen Ereignisse aus dem Jahr 1604: Die Kinder von Boris, Xenia und Fëdor sind erwachsen geworden; Der Zar regiert ein Land, das jetzt von einer Hungersnot erschöpft ist, in dem Unzufriedenheit unter den Menschen weht und Gerüchte über den begangenen Königsmord sich vermehren, während die von Grigory angeführten Rebellenkräfte an den Grenzen drängen. Vom Geist des Zarewitsch heimgesucht, verliert Boris Godunow den Verstand und stirbt nach einer letzten Ermahnung an seinen Sohn Fjodor.
Riccardo Chailly und Boris Godunow
Unter den mittlerweile zahlreichen Wegen, die Riccardo Chaillys mehr als vierzigjährige Erfahrung an der Mailänder Scala ausmachen, hat derjenige, der das russische Repertoire quert, eine besondere Bedeutung. Nach dem frühreifen Debüt auf dem Podium der Masnadieri im Jahr 1978, das von Abbado als Nachfolger von Gavazzeni berufen wurde, erzielte Chailly 1979 einen großen persönlichen Erfolg, als er Strawinskys The Rake's Progress im Lirico dirigierte, gefolgt von 1981 mit dem kritischen und interpretativen Rätsel, das von Soročincys Jahrmarkt repräsentiert wird von Musorgsky, brillant gelöst. 1994 war Prokoffjews Feuerengel an der Reihe, ein Erfolg, an den sich viele noch erinnern. „Während der ersten Spielzeiten meiner Musikalischen Leitung – erklärt der Meister – Ich hielt es für notwendig, mich ausschließlich auf das italienische Repertoire zu konzentrieren, mit Kursen zu Giacomo Puccini, Giuseppe Verdis „Jugendtrilogie“ und den Opern, die an der Mailänder Scala uraufgeführt wurden. Heute ist es an der Zeit, anderen Stimmen Raum zu geben, die voll und ganz Teil der Geschichte der Mailänder Scala sind. Modest Musorgskys Boris Godunov hatte seine erste italienische Aufführung in unserem Theater im Jahr 1909 unter der Leitung von Edoardo Vitale und Fëdor Šaljapin als Protagonisten und blieb in den folgenden Spielzeiten als ständige Präsenz, insbesondere dank Arturo Toscanini, der es vier Spielzeiten lang dirigierte zwischen 1922 und 1927 an Antonio Guarnieri, der es 1935, 1941 und 1946 erneut vorschlug, und dann unter anderem an Antonino Votto und Gianandrea Gavazzeni. 1979 war Boris Godunov die zweite nicht-italienische Oper, die die Saison am 7. Dezember nach Fidelio unter der Regie von Karl Böhm 1974 eröffnete: eine Eröffnungswahl, die von Claudio Abbado gewünscht wurde, der ihr zusammen mit dem Regisseur Yurij Ljubimov eine denkwürdige Interpretation gab. Ich war damals Abbados Assistent und erinnere mich an die monatelangen Proben, um eine sehr innovative Show zu schaffen, die auch Gegenstand der Kritik war, aber in der Geschichte der Operninterpretation ebenso wie in der der Mailänder Scala geblieben ist. Tullio Sera schrieb, die Größe von Boris sei vielleicht auf den düsteren Realismus zurückzuführen, mit dem Verdi den Machtschwindel in Macbeth darstellt. Diese Bedeutung hat auch die Präsentation der beiden Werke in zwei aufeinanderfolgenden Einweihungen.“
Die von Kasper Holten und seinem Kreativteam signierte Ausstellung bietet eine Lektüre der Arbeit, die sich auf die Themen Bewusstsein im Gegensatz zu Macht und Wahrheit im Gegensatz zu Zensur konzentriert.
An der Wurzel der Regiereflexion es ist der Ursprung des Librettos, Puschkins Schauspiel, das 1825 komponiert und 1831 veröffentlicht wurde. Das Epos der „Zeit der Trübsal“ entfernend, ließ sich Puschkin offen von den großen historischen Dramen Shakespeares inspirieren, nicht nur in der Pracht des Freskos, sondern auch in der Tiefe der Charaktere. Andererseits ist es interessant zu beobachten, wie Shakespeare in der Zeit des historischen Godunow gelebt hat. Einige in der Show gewählte Lösungen basieren genau auf Shakespeares Theater, wie die Darstellung des Schuldgefühls durch die Materialisierung realer oder imaginärer Geister auf der Bühne. Das Gespenst des von Boris zur Machteroberung ermordeten Zarevič wird ein wiederkehrendes Element sein, ein sichtbares Zeichen der Schuld und schließlich des Wahnsinns seines Attentäters. Ein weiteres Element, das in den Vordergrund gestellt wird, ist die Figur von Pimen, die wir auf der Bühne sehen werden; nicht von Anfang an darauf bedacht, seine Chronik zu schreiben, ein wahrheitsgemäßes und daher politisch gefährliches Zeugnis der Tatsachen, die Boris und seine Schreiber zu verbergen versuchen. Im Zentrum der Ausstellung steht genau dieser Hinweis auf die Wahrheit und die Notwendigkeit, sie zu bezeugen. Der Betrachter wird in Pimens Chronik und damit in die Geschichte versetzt, in der sich Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft überschneiden und gegenseitig beeinflussen. Eine zirkuläre Geschichte, in der Gewalt als Konstante wiederkehrt.
Die in sieben Szenen unterteilte Geschichte ist in zwei unterschiedliche Teile gegliedert, die durch die Einfügung eines Intervalls unterstrichen werden
In den ersten vier Szenen Wir werden Zeuge der öffentlichen Krönungszeremonie als Propagandamittel, um das Volk anzuziehen, Pimens subversives Zeugnis der Wahrheit und Grigorys Entscheidung, diese Wahrheit zu verzerren, um die Macht an sich zu reißen: kurz, wir werden Zeuge dessen, was Boris widerfährt, indem wir ihn von außen betrachten. In den restlichen drei Szenen – die fast sieben Jahre später stattfindet – sind wir zusammen mit Boris, wir sehen, wie er versucht, mit seiner Schuld zu leben, wir spüren seine Angst und seinen Weg in den Wahnsinn, indem wir in seinen Geist eindringen. Auch hier schneiden sich die zeitlichen Ebenen: Boris' Kinder, Fëdor und Ksenija, werden das gleiche Schicksal erleiden wie die Zarevič, aber ebenso viele Opfer der blinden Gewalt der absoluten Macht. Mit dem Tod von Boris schließt sich ein Kreis aus Tinte und Blut, in dem wir Geschichte und ihre Erzählung gemeinsam repräsentiert sehen.
Die Inszenierung bedient sich der Szenographie von Es Devlin. Die britische Künstlerin hat den Umfang ihrer Tätigkeit vom Bühnenbild für Opern bis hin zu Großveranstaltungen erweitert, von Zeremonien für die Olympischen Spiele in London und Rio de Janeiro über Adele- und Beyoncé-Tourneen bis hin zu großen Skulpturen auf dem Trafalgar Square, für das Victoria and Albert Museum und die Art Basel. bis hin zur ursprünglichen Zusammenarbeit mit dem italienischen Physiker Carlo Rovelli. Die Kostüme der Dänin Ida Marie Ellekilde durchqueren die Geschichte mit kreativem und nicht-philologischem Geist von der Zeit Boris Godunovs über die Puschkins, Musorgskys bis hin zu Anspielungen auf die Gegenwart.
Versionen von Boris Godunov
Der Komponist geht dann zwischen 1871 und 1872, in einer Zeit, in der er mit Rimsky-Korsakov ein Zimmer teilt, zu einer radikalen Überarbeitung (der sogenannten "Urfassung") über, die die Hinzufügung von drei neuen Szenen vorsieht. Zwei bilden den spektakulären „polnischen Akt“, in dem nicht nur eine Reihe populärer Lieder die allgemeine Düsternis dämpft, sondern die Tenorstimme von Grigorij (dem „falschen Dimitri“) neben Marina, der weiblichen Figur, Platz und heroische Entfaltung findet es fehlte in der ersten Version. Der dritte, der Themen der „Szene der Unschuldigen“ neu bearbeitet, verlagert das Ende von den bescheidenen Tönen von Boris‘ Tod auf die grandiose Revolte im Wald von Kromy. Nicht nur wird die Kontinuität zugunsten einer „Bilddramaturgie“ gebrochen, die sich zwischen verschiedenen Orten und Zeiten bewegt, sondern die gesamte Musik wird umgeschrieben, indem der Realismus zugunsten einer akzentuierteren lyrischen Dynamik abgeschwächt wird. Die Überarbeitung reichte aus, um die Oper, die am 8. Februar 1874 im Mariinsky aufgeführt wurde, aufführen zu lassen, aber nicht, ihren Erfolg zu verurteilen. Kritiker und Kollegen warfen dem Autor Geschmacklosigkeit und musikalische Ignoranz vor: eigentlich ein regelrechter Lynchmord.
Das Überleben des Titels auf der Bühne ist zu einem großen Teil der von Nikolaj Rimsky-Korsakov im Jahr 1896 abgeschlossenen Überarbeitung zu verdanken, der das Werk neu erfindet, indem er es mit einer üppigen Orchestrierung von immenser Verführung überzieht, die jedoch in starkem Kontrast zu den gewünschten rauen und strengen Farben steht von Musorgsky. In der Zwischenzeit veröffentlichte der russische Musikwissenschaftler Pavel Lamm 1928 eine kritische Revision, die die beiden Originalversionen in die Partitur einbezog und den Willen des Autors und seine äußerst genauen Manuskripte respektierte. Die allererste Aufführung vonUr-Boris findet am 16. Februar 1928 in Leningrad statt. Eine neue Version wurde dann zwischen 1939 und 1940 von Eostakovie vorbereitet und 1959 in Moskau aufgeführtUr Boris auf die Kirov-Fassung von 1992 unter der Regie von Valery Gergiev warten müssen.
Für seine neunte Saisoneröffnung hat sich Maestro Riccardo Chailly für das Dirigat entschieden Boris Godunov in der ersten Version in sieben Szenen, die Musorgsky 1869 in den kaiserlichen Theatern von St. Petersburg präsentierte
Die Oper gehört zu den größten Meisterwerken des Musiktheaters, hat eine komplexe Schwangerschaft und Geschichte. Der aus einer Gutsbesitzerfamilie stammende Komponist, der seine Militärkarriere aufgab und sich der Musik zuwandte, hatte die wirtschaftlichen Folgen der Abschaffung der Leibeigenschaft erlitten und sich auf ein unsicheres und prekäres Leben reduziert, das von Alkohol und Epilepsie untergraben wurde. Boris Godunov es ist sein Erstlingswerk und bricht mit disruptiven Effekten die Konventionen des damaligen Musiktheaters. Das Libretto, in der Hand des Komponisten, stützt sich auf Puekins Tragödie und weiter Geschichte des russischen Staates von Alexander Karamzin, ein Shakespeare-Schuldrama vor dem Hintergrund der sogenannten „Zeit der Wirren“ (1598-1614), der Jahre der Anarchie zwischen dem Tod Iwans des Schrecklichen und dem Aufkommen der Romanows, zu zeichnen. Dazu imaginiert Musorgsky eine visionäre und vorausschauende Musiksprache, die die geschlossenen Formen der traditionellen Oper zugunsten eines absoluten Festhaltens an der Morphologie der russischen Sprache aufbricht. Nach etwas mehr als einem Jahr Arbeit, von Oktober 1868 bis Dezember 1869, präsentiert Musorgsky im Auftrag der Kaiserlichen Theater von St. Petersburg ein radikal innovatives Werk: In 7 Szenen unterteilt, hat es keine geschlossenen Nummern, es enthält keine a sentimentale Handlung, hat keine relevante weibliche Rolle, enthält aber nicht einmal einen heroischen oder amourösen Tenor. Es ist die sog Ur-Boris o Boris ursprünglich: dicht, düster, tief. Heute präsentiert die Mailänder Scala es als Eröffnungstitel; es war damals viel zu ungewöhnlich für die Kommission, die es mit sechs zu einer Stimme ablehnte.
Die verschiedenen Versionen der Boris – beobachtet Franco Pulcini – spiegeln verschiedene Momente des Nationalgefühls in Russland wider: dieUr-Boris spiegelt die russische religiöse und spirituelle Tradition wider, die sich auf das Thema der individuellen Schuld konzentriert, mit Akzenten, die in gewisser Weise analog zu sind Verbrechen und Bestrafung von Dostojewski. Dieses Gewissensdrama wird in der Urfassung von 1874 mit Hinzufügung des polnischen Gesetzes stärkere historisch-politische Züge annehmen. Die von Musorgsky gewünschte Ablehnung beider Versionen spiegelt das Minderwertigkeitsgefühl der Russen des XNUMX. Jahrhunderts gegenüber der europäischen Kultur und ihre Angst wider, primitiv, brutal und wild zu erscheinen. Ein Gefühl, zu dem die instrumentale Meisterschaft von Rimsky-Korsakov mit ihrer arabesken Tönung Zuflucht findet, die die Gewalt des Realismus des Autors abschwächt. Die Sowjetzeit hingegen beeinflusst Eostakovies Version, in der die polnische Tat zur Metapher für die Angst vor äußerer Aggression wird, die die Russen während der Jahre des Kalten Krieges empfanden. L'Ur-Boris, mit seinen Shakespeare-Akzenten und seiner fast religiösen Reflexion über die Dostojewski-Themen Verbrechen, Schuld, unvermeidliche Bestrafung und die Koexistenz von Gut und Böse, hat mehr als andere Versionen einen universellen Charakter.
Der Protagonist
Ildar Abdrazakov kommt mit Boris Godunov an seinem sechsten 7. Dezember. Vom Debüt ne La Sonnambula 2001 sang Abdrazakov an der Scala ne die Macht des Schicksals, Macbeth, Simson und Delila, Iphigenie in Aulide (mit Riccardo Muti, 7. Dezember 2002), Fidelio, Moïse und Pharao (mit Riccardo Muti, 7. Dezember 2003), Carmen, Lucia di Lammermoor, Les contes d'Homann, Le Nozze di Figaro, Don Carlo, Ernani und die letzten drei Saisoneröffnungen mit Riccardo Chailly: Attila am 7. Dezember 2019, der Abend „A riveder le stelle“ am 7. Dezember 2020 und Macbeth am 7. Dezember 2021, sowie in zahlreichen Konzerten. Ausgestattet mit einer Gesangstechnik und szenischen Qualitäten, die es ihm ermöglichen, ein riesiges Repertoire vorzubereiten, reicht Abdrazakov auch bei seinen Engagements dieser Spielzeiten ausItalienisch in Algier (Salzburg 2022 und 2023 mit Cecilia Bartoli, St. Petersburg 2022) und ab Il turco in Italien (Wien, 2022) a Attila (London 2022), Don Carlo (München, 2022 und 2023), Die Verdammnis von Faust (Neapel 2023); nicht gerade ein Boris Godunov (Waldiwostok und Mailand 2022, München 2023).
Alla Scala wird im März 2023 wiederkommen um die vier bösen Charaktere in der zu spielen Grafen von Homann unter der Regie von Frédéric Chaslin. Intensiv ist auch seine Konzerttätigkeit, die ihn nach den Galas in der Arena von Verona und in St. Petersburg 2023 mit dem Boston Symphony Orchestra unter der Leitung von Andris Nelsons zurück in die USA führen wird.
