Pablo Picasso kehrt 100 Jahre nach seiner Reise nach Rom zurück, die er im Alter von 37 Jahren im stürmischen Klima von 1917 auf dem Höhepunkt des Weltkriegs unternommen hat. Tatsächlich widmen die Quirinale-Ställe dem großen spanischen Maler eine sehr interessante Ausstellung, die ein grundlegendes Jahrzehnt von Picassos künstlerischem und menschlichem Leben umfasst, die Jahre von 1915 bis 1925. Picasso machte seine Reise nach Italien, nach Rom und Neapel von Paris aus. wo er die kubistische Revolution anführte. In Rom lernte er unter anderem die attraktive russische Tänzerin Olga Khokhlova kennen, die später seine Frau werden sollte.
Die Ausstellung mit dem Titel „Picasso. Zwischen Kubismus und Klassizismus 1915-1925“ versammelt mehr als hundert Meisterwerke, darunter Leinwände, Gouachen und Zeichnungen sowie Fotografien, handsignierte Briefe und andere Dokumente, die Kurator Olivier Berggruen mit Anunciata von Liechtenstein sorgfältig ausgewählt hat. Darunter das Porträt von Olga in einem Sessel (1918), Harlekin (Léonide Massine) (1917), Stillleben mit Gitarre, Flasche, Obst, Teller und Glas auf dem Tisch (1919), Zwei Frauen, die am Strand laufen (The Run ) (1922) als Plakat für die Ausstellung ausgewähltes Werk, Panflöte (1923), Sitzender Akrobat mit verschränkten Armen (1923), Harlekin mit Spiegel (1923), Paulo als Harlekin (1924), Paulo als Pierrot (1925). Für Picasso war es eine Zeit des tiefgreifenden Überdenkens seiner eigenen Identität.
Der Krieg beraubte den spanischen Künstler seiner Reisegefährten: Der Maler Georges Braque und der Dichter Guillaume Apollinaire wurden in die Armee eingezogen und der Kaufmann Daniel-Henry Kahnweiler musste aufgrund seiner deutschen Herkunft und seiner französischen Sympathien das Exil in der Schweiz suchen. Picasso arbeitet einsam in seinem Pariser Atelier in der Rue Schoelcher und die Fotografien, die ihn porträtieren, zeugen von der Vielseitigkeit, die er seinem eigenen Bild zuschreibt: dem eines leidenschaftlichen Künstlers mit mehreren Identitäten, der die Kunstwelt herausfordert, während er nach und nach eines Wrestler, Arbeiter, Künstler vom Montmartre und Pariser Bourgeois. Unter diesem Gesichtspunkt kommt der Reise nach Italien eine grundlegende Bedeutung im Leben des Künstlers zu. Hier begegnet er der Kunst Raffaels, in Neapel bewundert er den Farnese Hercules und die anderen klassischen Meisterwerke des Archäologischen Museums. Ganz zu schweigen von der künstlerischen und emotionalen Wirkung, die der geheimnisvolle Charme der Fresken von Pompeji auf ihn ausübte.
Picasso ging im Gefolge seines Freundes Jean Cocteau nach Italien, den er zwei Jahre zuvor kennengelernt hatte und der ihm vom Komponisten Edgar Varese vorgestellt wurde. Und es war Cocteau, der ihn mit dem Burlesque-Ballettprojekt faszinierte, das er mit Diaghilevs russischer Ballettkompanie inszenierte. Aus dem Treffen mit Diaghilev nehme ich Deckung "Parade", eine Tanzshow, die die russischen Ballette für Rom vorbereiten.
All dieses Gepäck an neuen Erfahrungen steht im Mittelpunkt der Ausstellung in der Scuderie del Quirinale. Die Ausstellung konzentriert sich insbesondere auf die Pastiche-Methode und analysiert die Methoden und Verfahren, mit denen Picasso sie als Werkzeug im Dienste der Moderne auf einer der originellsten und außergewöhnlichsten Reisen vom Realismus zur Abstraktion in der Kunstgeschichte einsetzte. Die für das Ballett Parade geleistete Arbeit zur Musik von Satie, wie sein Freund und Kritiker Apollinaire präzisieren wird, wird dazu bestimmt sein, die Ideen der Zuschauer und die Produktion des „Genies Picasso“ stark zu stören. Neben Parade auch die Skizzen für die Bühnenbilder und Kulissen für das Ballett Pulcinella, zwei Theateraufführungen, die stark von den Erfahrungen der Italientournee beeinflusst sind.
Die Ausstellung veranschaulicht Picassos Experimente mit verschiedenen Stilen und Genres: vom Spiel dekorativer Flächen in Collagen, die während des Ersten Weltkriegs entstanden sind, bis zum stilisierten Realismus der „Djagilew-Jahre“, vom Stillleben bis zum Porträt.
Die Ausstellung dokumentiert somit die nachhaltige Wirkung des Italienaufenthalts auf die Kunst des spanischen Meisters, die durch die zahlreichen Werke klassischer Inspiration hervorgehoben wird, die in der Zeit nach dieser Reise entstanden sind; Werke, die auf sehr persönliche Weise konzipiert und ausgearbeitet wurden, wie der Kurator Olivier Berggruen betont: „Bei den antiken Statuen war er mehr von der Monumentalität und der verborgenen Sinnlichkeit beeindruckt als von den Formen und Proportionen. Aber dann hatte Picasso im Vorgriff auf gewisse moderne Übertretungen begonnen, „hoch“ und „niedrig“ mit großer Leichtigkeit zusammenzufügen. In seinem Wunsch nach einer gleichzeitig moderneren, aber auch primitiveren Kunst interessierte er sich noch mehr für all jene Welten "am Rande des Klassizismus", zog die Etrusker dem antiken Rom und der Renaissance vor, die erotischen Fresken von Pompeji , die Masken der Commedia dell'arte, das frenetische Leben der Via Margutta im Jahr 1917 oder das der Gassen von Neapel».
Bringt Rom Picasso in Kontakt mit der großen römischen Kunsttradition, so stößt der Künstler in Neapel bei einem Spaziergang durch die Gassen von Forcella mit dem großen russischen Komponisten Igor Strawinskij, dessen berühmtes Porträt ausgestellt werden kann, auf ein Puppenspiel der Commedia dell 'arte, traditionelle Open-Air-Theateraufführungen der Pulcinella-Maske. Die bescheidene Show, die das neapolitanische Theater bietet, bekräftigt den Geschmack beider Künstler für populäre und traditionelle Kunstformen und stellt den Beweis dar, dass der einfachste künstlerische Ausdruck universelle Anziehungskraft haben kann.
Unterschiedliche Inspirationsquellen, von den niedrigsten bis zu den höchsten, können in ihre Werke integriert werden, ebenso wie die römische Landschaft eine Vision bietet, in der Antiquitäten, Renaissancekirchen und barocke Paläste zu verschmelzen scheinen.
Im Zuge seiner Italienreise erneuert Picasso die traditionellen Darstellungen von Akrobaten und Zirkusartisten aus seiner Jugend, die nostalgischen Porträts von Künstlern, die oft posierend und nachdenklich gefangen wurden. Die Motive, die die blaue und rosa Periode bevölkert hatten, werden dann zu Modellen seiner persönlichen künstlerischen Vision, sodass die Figur des Harlekins zu einer Metapher für den kreativen Prozess des Malers wird. Picasso wird zu einem geschickten Stiljongleur, der von nachdenklichen Darstellungen von Badenden und Straßenkünstlern zu ironischen Stillleben, von dekorativen kubistischen Kompositionen zu introvertierten Porträts übergehen kann. Diese Periode stilistischer Experimente kulminiert in dem konvulsivischen „La danse“ von 1925, das seinen Abschied von der Welt des Tanzes markiert und stets das letzte Werk der Ausstellung ist.
Die bis zum 21. Januar geöffnete Ausstellung wurde dank 38 Leihgebern ermöglicht. Einzigartige Werke aus Europa, den Vereinigten Staaten und Japan. Musée Picasso, Centre Pompidou in Paris, Tate in London, und wieder das MoMa, das Metropolitan Museum, das Guggenheim in New York, und dann wieder das Museum Berggruen in Berlin, die Fundació Museu Picasso in Barcelona und das Tyssen Museum in Madrid, um nur einige zu nennen ein paar einige. „Es ist eine Ausstellung, an der seit 2015 gearbeitet wird und die sich als eine der wichtigsten Ausstellungen präsentiert, die Picasso jemals in Italien gewidmet wurde“, betont Mario De Simoni, Präsident und CEO von Ales Spa, Co-Produzent der Ausstellung mit MondoMostre Skira und unter Beteiligung der National Galleries of Ancient Art.
Das Projekt wurde unter der Aufsicht eines renommierten wissenschaftlichen Komitees entwickelt, dem Carmen Gimenez, Laurent Le Bon, Brigitte Léal, Valentina Moncada, Bernard Ruiz Picasso und Gary Tinterow angehören. Kuratiert wird die Inszenierung vom Studio Selldorf in New York.
