Morandi hatte kein richtiges Atelier, er lebte und arbeitete in einem Raum, in dem es einen Flur, einen Schreibtisch, einen Zeichentisch, eine Staffelei und unendlich viele Regale gab, auf denen er Vasen, Krüge, Gläser und Kisten abstellte alle Arten.
Diese bewegungslosen Objekte waren seine Vorbilder, die er nach Lust und Laune in Stillleben in perfekter Farbharmonie komponierte und zerlegte.
Morandi, ein Bologneser Künstler und Dichter, war ein großer Bewunderer von Pascal und Leopardi. Gerade von Anfang an verstand er, wie wichtig es ist, die Kunst mit dem Leben in Einklang zu bringen und seine Werke durch seine Existenz leben zu lassen. Und so gibt es in seinen Werken keine Grenze zwischen Raum und Zeit, zwischen Materialität und Immaterialität.
Ein einfacher Mann mit einer starken Persönlichkeit, der sich seiner Ausdrucksfähigkeit bewusst ist, wo sein physischer Raum zu einer Projektion seines eigenen mentalen Raums wird.
Seine Werke erscheinen als metaphysische Naturen einer unerreichbaren Welt, die das Wesen der Dinge zu erreichen wissen.
Sogar die Landschaften sind in eine Art fast neu erfundenes Licht getaucht, staubige Farben und auf sich selbst gemischt, nicht weit von den walisischen Sonnenuntergängen entfernt Drechsler.
Aber es sind die Stillleben, die ihn am besten repräsentieren, wo Objekte der Spiegel seiner selbst sind, wo er seine eigene Existenz untersuchen kann, tatsächlich sind seine "Kreaturen" sehr oft immer dieselben, unbeweglich, wo die Schatten mit ihrer Materialität zusammenfallen.
Geboren 1890 in Bologna, wo er sein ganzes Leben lang neben seiner geliebten Mutter Maria Caccaferri und seinen drei Schwestern Dina, Anna und Maria Teresa leben wird.
1907 schrieb er sich in den Vorbereitungskurs der Akademie der Schönen Künste in Bologna ein und schloss sein Studium in drei Jahren mit voller Punktzahl ab und erhielt ein Ehrendiplom.
Zwei Jahre später entdeckt Morandi in Vittorio Picas Buch „Die französischen Impressionisten einige Gemälde von Cézanne wie „Blumenvase“ und „Tischecke“, Werke, die ihm unbekannt sind, die ihn aber zutiefst faszinieren.
Und 1909 ging er nach Florenz, um das zu sehen Uffizien, wo ihn besonders die Arbeit von beeindruckt Giotto und masaccio und Paolo uccello. Während Sie in Venedig die Biennale mit einem Ziel besuchen, besuchen Sie den Raum mit siebenunddreißig Werken von Auguste Renoir.
Zurück in Bologna malte er "Die Frühlingslandschaft"Und die"Schneefall“, wo bereits eine Morandi-ähnliche Persönlichkeit wahrgenommen wird, auch wenn der Entstehungsprozess von Morandi noch in den Kinderschuhen steckt. 1912 erhielt er die Befähigung zum Zeichenlehrer.
Von diesem Moment an beginnt seine Beziehung mit dem Futurismus, und damit seine Analyse der Transparenz von Glasvasen, ohne jedoch jemals auf die Vorzüge des Konzepts von Stärke und Dynamik einzugehen, das der futuristischen Sprache zugrunde liegt.
Wir befinden uns im Jahr 1913, in dieser Zeit werden die Werke aufgeführt, "Stillleben aus Glas""Porträt der Schwester"3 etwas"Landschaft".
Morandi mit dem Krieg, der zu den Waffen gerufen wurde, wird das Malen einstellen, bis er ernsthaft krank wird und nach Hause geschickt und reformiert wird. Nachfolgende Arbeiten scheinen aus Bildern der allerersten hervorzugehen vierhundert mit einem offensichtlichen Hinweis auf Giotto.
1920 begann für den Künstler eine Reifezeit, in der sich alle seine Erfahrungen neu zusammensetzten. Er reibt die Farben, um neue Töne zu finden, er bereitet die Leinwände vor und wählt seine Objekte immer sorgfältiger aus, um Metaphysik in die einfachsten Dinge zu bringen. Hier erscheinen die Formen wie Bilder einer in der Luft schwebenden Seele, und die Werke werden immer ewiger.
Ende der 20er Jahre nehmen die Gemälde eine naturalistischere Bedeutung an, als er die Umgebungen des „Wild“ und des „Italienisch” jeweils gegründet von Mino Makkari und Leo Longanesi.
In den folgenden zehn Jahren änderte sich Morandis Malerei vollständig und ging von einem naturalistischen Stil zu einem Stil über, dessen Form von Auflösung fasziniert war, fast diktiert von der psychologischen Existenz des Künstlers, sich ohne Berufungen einer Prüfung zu unterziehen.
Die Gemälde sehen aus wie Rahmen desselben Bildes, die sich wiederholen, und als der zweite Krieg zu Ende geht, verlässt Morandi Bologna, um aufs Land zwischen Bologna und Florenz zu ziehen. Eine Zeit, in der der Maler den Weg der Innerlichkeit, Stille und Einsamkeit wählt, der alles weiß macht.
Als seine Bekanntheit zunimmt, zieht sich Morandi in sich selbst zurück und es ist auch die Zeit, in der er Landschaften fast vollständig aufgibt und sich in Stillleben flüchtet, mit immer mehr Kontrasten zwischen Licht und Schatten.
Allmählich wird auch die lachsrosa Farbe, die viele seiner Bilder beleuchtet, durch das fast violette Schwarz ersetzt, das dem Objekt die Bedeutung eines Protagonisten verleiht.
In den letzten Jahren, wir befinden uns zwischen 1963 und 1964, entdeckt er seine Liebe zum Aquarell wieder, wie das Markieren „des flüchtigen Moments“ auf Papier oder vielleicht jenen Regenbogen seines Herzens, den er nie ausdrücken konnte: wo es weder Landschaften noch Stille gibt Leben, sondern nur Essentialismus der Form.
Morandi komponierte die Form und wusste dann, wie man sie aufrichtet und sie in Stille zum Leben erweckt. Jetzt können wir besser verstehen, dass jedes seiner Objekte ein Leben hatte, eine vom Schatten verborgene Bewegung oder eine immense Zerbrechlichkeit, vergleichbar mit dem, was Morandis Werk der modernen Kunst verliehen hat.
