Le Galerien Italiens – Piazza Scala, Museumssitz von Intesa Sanpaolo in Mailand, Gegenwart dal 25. Oktober 2019 bis 15. März 2020 die Ausstellung Canova | Thorwaldsen. Die Geburt der modernen Skulptur, Herausgegeben von Stefano Grandesso und Fernando Mazzocca.
Die Ausstellung wurde in Zusammenarbeit mit dem Thorvaldsen-Museum in Kopenhagen und der Staatlichen Eremitage in St. Petersburg realisiert und wird durch den Beitrag grundlegender Leihgaben von italienischen und ausländischen Museen und Privatsammlungen ermöglicht. Um nur einige zu nennen: die Vatikanische Apostolische Bibliothek, die Uffizien in Florenz, das J. Paul Getty Museum in Los Angeles, das Museo Nacional del Prado in Madrid, die Pinacoteca di Brera und die Pinacoteca della Veneranda Biblioteca Ambrosiana in Mailand Metropolitan Museum in New York, die National Galleries of Ancient Art in Rom, die Gallerie dell'Accademia in Venedig. Ein wesentlicher Kern von Werken stammt auch aus dem Antonio Canova Museum und der Gypsotheca in Possagno, die wichtige Initiativen für die Feierlichkeiten zum 200. Todestag des Meisters geplant haben.
Die Ausstellung schlägt einen nie zuvor versuchten Vergleich zwischen den beiden großen Protagonisten der modernen Skulptur in der neoklassizistischen und romantischen Zeit vor: dem Italiener Antonio Canova (1757-1822) und dem Dänen Bertel Thorvaldsen (1770-1844), den beiden "modernen Klassikern". “ in der Lage, die Idee der Bildhauerei und ihrer Technik zu transformieren und unsterbliche Werke zu schaffen, die auf der ganzen Welt populär geworden sind und reproduziert wurden.
Der Boden, auf dem sich die beiden illustren Meister ursprünglich gegenüberstanden, war der römische Boden, auf dem sie beide einen Großteil ihrer Karrieren ausübten: Canova kam 1781 nach Rom und starb dort 1822, während Thorvaldsen sich ab 1797 dort niederließ für die nächsten vierzig Jahre.
Hier beschäftigen sich die beiden Künstler mit einer der bekanntesten und produktivsten Herausforderungen zu identischen Themen und Themen, die der Kunst einige Meisterwerke bescheren werden: die Figuren der klassischen Mythologie, wie z Amor und Psyche, Venus, Paride, Ebe, die Danke, repräsentierte in der allgemeinen Vorstellung die Inkarnation der großen universellen Themen des Lebens, wie die kurze Reise der Jugend, der Zauber der Schönheit, die Schmeichelei und Enttäuschung der Liebe.
Der Beifall, mit dem sie beide von der zeitgenössischen Kritik empfangen wurden, ist sinnbildlich für eine Zivilisation, die auf die Antike blickte, aber gleichzeitig nach Modernität strebte, eine Dualität, die sie meisterhaft zu interpretieren und zu lenken wussten: Canova war der revolutionäre Künstler gewesen , die der Bildhauerei im Zeichen des Vergleichs und der Überwindung des Alten einen Vorrang vor den anderen Künsten zu garantieren vermag; Thorvaldsen, der sich die Arbeit und Strategie seines Rivalen ansah, ließ sich von einer strengeren und strengeren Idee des Klassizismus inspirieren und startete eine neue Saison der nordischen Kunst, inspiriert von mediterranen Zivilisationen.
Beide hatten sich von dem Zwang lösen können, den der Bauherr der Bildhauerei traditionell aufgrund der hohen Kosten für Marmor oder Bronze auferlegte, große Ateliers mit den Ausmaßen komplexer Werkstätten mit zahlreichen Mitarbeitern und Studenten zu gründen: mit den von eingeführten technischen Innovationen Canova und von Thorvaldsen in großem Maßstab verwendet – er schuf ein Gipsmodell vor der Marmorstatue – erlangte der Bildhauer zum ersten Mal die Freiheit, seine eigene Poetik in der ohne Auftrag geschaffenen Statue auszudrücken.
Durch mehr als 150 Werke unterteilt in siebzehn Abschnitte die Ausstellung beabsichtigt, die außergewöhnliche Komplexität der Kreationen von Canova und Thorvaldsen zu dokumentieren, die sowohl für italienische als auch internationale hochkarätige Sammler bestimmt sind, und die enorme Anhängerschaft, die ihre Skulpturen hatten, und schlägt kontinuierliche Vergleiche mit anderen Künstlern aller Nationalitäten vor.
Der erste Abschnitt beschäftigt sich mit dem Thema Das Bild des Künstlers. Die Selbstporträts, mit den Werken, die von den beiden Künstlern in drei Momenten aufgeführt wurden: zu Beginn ihrer Karriere, als sie sich bereits etabliert hatten, und jenen, die in Reife entstanden sind. Canova präsentierte sich in einer Reihe von Gemälden sowohl als Bildhauer als auch als Maler. Thorvaldsen hat uns in einigen Zeichnungen ein intimeres Bild seines Gesichts mit romantischen Zügen hinterlassen. Aber die beiden offiziellen Porträts sind diejenigen, in denen sie in zwei Büsten heroischen Charakters, also überlebensgroß, auf altmodische Weise dargestellt werden: zwei sich selbst feiernde Porträts, in eine zeitlose Dimension projiziert, aber auch von einem Großen belebt introspektive Ladung.
Wir fahren mit dem Abschnitt de fort Die Studien von Canova und Thorvaldsen in Rom, mit einer Reihe von Werken, die auf die realen Werkstätten der beiden Meister im Zentrum Roms verweisen: Gezeigt werden Werke von Francesco Chiarottini, Johan Vilhelm Gertner, Hans Ditlev und Christian Martens, Gaetano Matteo Monti, Friedrich Nerly, Ferdinand Richardt, Pietro Tenerani, die bezeugen, wie das Atelier für Canova und Thorvaldsen zu einer Art Künstlermuseum geworden ist, in dem sie ihre Arbeiten ausstellen und Gipsmodelle zum Kopieren ausstellen können.
Die folgenden Abschnitte, gewidmet Porträts, die überwiegend den beiden Bildhauern zugeschrieben werden, zeugen von einem Phänomen, das in Zahl und Qualität in der Kunstgeschichte seinesgleichen sucht, begründet durch die Bewunderung, die ihnen zuteil wurde. Canova erscheint gleichzeitig als Künstler von universellem Ruhm und Verkörperung der italienischen nationalen Identität. Thorvaldsen, der nordische Phidias, ist die Referenz für die Wiedergeburt der germanischen und nordischen Kunst im Allgemeinen.
Im dritten Abschnitt, Canovas Ruhm, eine Reihe von Bildnissen, Werke von Andrea Appiani, Giuseppe Bossi, Giovanni Ceccarini, Hugh Douglas Hamilton, Angelica Kauffmann, John Jackson, Giovanni Battista Lampi Junior, Thomas Lawrence, Ludovico Lipparini, haben Antonio Canova zum Thema, sehr unterschiedliche Bilder, die sie haben zeigen die Größe des Künstlers, manchmal neben seinen Werken dargestellt, und die Bewunderung für ihn. Sinnbildlich ist die in der Mitte dieses Abschnitts platzierte monumentale Statue, in der Canova nicht wie in den anderen Porträts in moderner Kleidung erscheint, sondern sitzend und halbnackt mit athletischem Körper neben dem antiken Kopf des sogenannten Jupiter von Otricoli.
Weiter geht es mit Porträts auf der Bühne, die Porträts mit feierlichem Charakter zusammenbringt, darunter die der beiden Künstler, die in ihren zeremoniellen Gewändern posieren (drei von Rudolph Suhrlandt und eines von Jacob Munch), aber auch die Werke von François Xavier Fabre mit Ugo Foscolo, Vittorio Alfieri, Antonio Canova identifiziert wie die großen Herrlichkeiten Italiens; Dort Italienische Venus und das Porträt von Maria Luigia von Habsburg und Gips für die Denkmal für Vittorio Alfieri, alle von Canova, markieren die letzte große Saison des allegorischen Porträts als altmodische Apotheose.
Besonderes Augenmerk wird im fünften Abschnitt darauf gelegt, Beliebte Symbole. Das multiplizierte Bild von Meisterwerken, bis hin zur Verbreitung von Reproduktionen anderer Künstler in allen Materialien und Techniken, von Bronzereduktionen bis zu Gravuren. Neben den beiden Wachsreliefs von Canova und dem kleinen Wachsporträt von Thorvaldsen von Giovanni Antonio Santarelli sowie fünf Wachsfiguren von Benedetto Pistrucci, Reproduktionen von Werken von Antonio Canova, gibt es eine Goldmedaille von Christen Christensen mit Thorvaldsens Konterfei auf der Vorderseite und Galatea überreicht Amor Dänemark mit Thorvaldsens Leier auf der Rückseite im Vergleich zu einer Bronzemedaille von Giuseppe Girometti mit einem Canova-Motiv.
Einen prominenten Platz nehmen die vergoldeten Bronzereduktionen ein, die als außergewöhnliche Möbelstücke verwendet werden: Während Desiderio Cesari den dänischen Meister mit dieser Technik porträtiert, wird eines von Canovas Lieblingssujets ausgestellt, aEbe hergestellt von der Manufaktur Strazza und Thomas, im Vergleich zu der nach dem Vorbild von Pietro Galli, von Thorvaldsen, von Wilhelm Hopfgarten und Benjamin Ludwig Jollage, die ebenfalls ausgestellt ist Jason mit dem Goldenen Vlies.
Die Sektion schließt mit Lithografien mit religiösen Motiven und Porträts im neoklassizistischen Stil von Michele Fanoli aus der Nationalbibliothek Braidense, die veröffentlicht und in die ganze Welt verbreitet wurden und die den Umfang und die Vielseitigkeit von Canovas Schaffen belegen.
Im sechsten Abschnitt Thorvaldsens Ruhm, um das monumentale Bildnis in voller Länge desSelbstbildnis mit der Statue der Hoffnung, wo der Künstler die geheimnisvolle Schönheit der griechischen Kunst des archaischen Zeitalters wiederbeleben konnte, finden wir Bildnisse, die ihn darstellen oder seine Werke reproduzieren, von Karl Begas, Ditlev Conrad Blunck, Vincenzo Camuccini, Johan Vilhelm Gertner, Alessandro Puttinati, Carl Adolf Senff, Horace Vernet, Carl Christian Vogel von Vogelstein und Emil Wolff: Thorvaldsens Bild wurde außerordentlich populär und nährte den Mythos des Bildhauers, der aus dem Norden kommend zum Interpreten eines klassischen und mediterranen Schönheitsideals geworden war.
Das Primat der Skulptur und die Feier des Genies konzentriert sich auf das Glück, das das skulpturale Genre dank Canova und Thorvaldsen erlangte, bezeugt sowohl auf illustrativer als auch auf allegorischer Ebene, auf Marmor und auf Leinwand, von Giuseppe Borsato, Carl Dahl, Giacomo De Maria, Julius Exner, Constantin Hansen, Leopold Kiesling, Tommaso Minardi, Giuseppe Sabatelli, LA Smith, Fritz Westphal. Allegorien klassischer Abstammung wurden verwendet, um die Macht der Künste und insbesondere der Skulptur zu feiern, die es am meisten schafft, die Natur zu imitieren und mit ihr zu konkurrieren, indem sie dreidimensionale Figuren schafft, die im Raum leben können.
Es gibt auch Porträts von Canova, wo er in den feierlichen Zeremonien zu seinem Tod gefeiert wird, die als nationale Trauer erlebt werden, und in den Denkmälern, die an ihn als Universalgenie erinnern werden. Auch Thorvaldsen wurde bei seiner Rückkehr nach Kopenhagen wie ein Gott gefeiert und ihm wurde ein persönliches Museum gewidmet, eine Ehre, die noch nie zuvor einem lebenden Künstler zuteil wurde.
In der großen zentralen Halle, um die sich die Ausstellung dreht, Die Grazien und der Tanz, der Abschnitt, der dem sensationellen Vergleich gewidmet ist, der noch nie zuvor vorgeschlagen wurde, zwischen den beiden berühmten Meisterwerken, den beiden Marmorgruppen Graces wo Canova und Thorvaldsen ihr Schönheitsideal am besten zum Ausdruck brachten. Auf das Konzept der Anmut als Bewegung, Vielfalt und Gefühl von Canovas Gruppe aus der Eremitage antwortet Thorvaldsen, indem er sein strenges Ideal der keuschen Einfachheit mit bekräftigt Die Grazien mit Amor, aus dem Thorvaldsens-Museum. Diese beiden Werke sind von einer Choreografie aus vier Figuren umgeben, in denen Canova, Thorvaldsen und einer ihrer Nachfolger, Gaetano Matteo Monti, das Motiv des Tanzes dargestellt haben, eine große Neuheit, weil ein Thema, das in der Skulptur noch nie zuvor behandelt wurde.
Porträts als Spiegel einer Epoche zeichnet die umfangreiche Marmorporträtproduktion von Canova und Thorvaldsen nach und stellt das Bild der prominentesten Persönlichkeiten der Zeit wieder her, Herrscher, Aristokraten, Sammler, Künstler und Literaten, die in idealisierten Gesichtszügen verewigt werden wollten. Trotz der Idealisierung wirken diese Gesichter nicht kalt, sondern beseelt von einer außergewöhnlichen Fähigkeit, die Psychologie der Figuren zu vermitteln.
Ein weiteres Thema, das den beiden Bildhauern am Herzen liegt, wird in der Sektion exemplarisch dargestellt Venus und der Triumph der Schönheit. Canova, Thorvaldsen und ihr Anhänger Mathieu Kessels werden in der Darstellung der Liebesgöttin Venus verglichen. Vor allem Canova favorisierte dieses Sujet, indem er in verschiedenen, leicht voneinander abweichenden Statuen das Motiv der Venus darstellt, die sich aus dem Badezimmer kommend versucht, sich vor neugierigen Blicken zu schützen. Auf diese Weise wollte er die Emotion vermitteln, die man jedes Mal empfindet, wenn Schönheit auftaucht. Canovas Göttin erscheint weiblicher und damit sinnlicher als die von Thorvaldsen, die in ihrer absoluten Nacktheit eine Gottheit bleibt: eine siegreiche Venus, die vollkommen still den Siegesapfel triumphierend zur Schau stellt, der ihr im berühmten Wettstreit zuerkannt wurde.
Der elfte Abschnitt, Liebe Vincit Omnia. Die Darstellung der Liebe, untersucht eines der beliebtesten Themen in Skulptur und Malerei zwischen Neoklassizismus und Romantik, nämlich das der Liebe oder des Amors. Als Symbol sinnlicher Anmut, intakter und unschuldiger Schönheit, mit dem Körper eines Jugendlichen oder eines Kindes, bot die Figur des Amors eine Gelegenheit für eine einzigartige Virtuosität in der Darstellung der Flügel, die diese Bilder außerordentlich verführerisch machen. Thorvaldsen und sein Anhänger Wolff stellen die Liebe als siegreiche Gottheit dar, die stolz auf ihren Triumph ist, und machen so die Macht dieses universellen Gefühls dominant über das Leben und Schicksal des Menschen. Besonders geschätzt und nachgefragt waren die Flachreliefs, in denen Thorvaldsen den antiken Mythos wiedergeben konnte Von Venus getröstete Kinderliebe oder als Emblem, zusammen mit Bacchus oder Anakreon, der Jahreszeiten, in denen jugendliche Schönheit zusammen mit den allegorischen Ressourcen des Mythos untersucht wird, um zu symbolisieren, dass es immer eine Zeit zum Lieben gibt. Im'Apollo krönt sich, ein frühes Experiment von Canova, das 1781-82 im Atelier in Rom durchgeführt wurde und heute im Getty Museum in Los Angeles aufbewahrt wird, und imApoll erst kürzlich wiederentdeckt, wird die Aufmerksamkeit auf die Bewegung stärker akzentuiert. Ebenfalls zu sehen sind Werke auf Leinwand von José Álvarez Bouquel, Francesco Hayez, CF Høyer, Mathieu Kessels, Joseph Paelinck, Julien de Parme, Emil Wolff.
Im Gefolge von Amor sind die beiden Abschnitte ganz den Lieblingssujets der beiden Bildhauer gewidmet: der zwölfte bis Amor und Psyche und die dreizehnte Anzeige Na und.
In der ersten, Im Zeichen der Gnade. Liebe und Psyche, das Thema wird in den Werken auf Leinwand und Marmor von Giovanni Maria Benzoni, Agostino Comerio, François Pascal Simon Gérard, Felice Giani und Johan Tobias Sergel abgelehnt, die die berühmte Canova-Gruppe in der Eremitage umrahmen Liebe und Psyche stehen zusammen mit Psyche mit der Vase von Thorvaldsen. Die Umarmung der beiden Liebenden wird in den beiden Marmorgruppen von Canova und Thorvaldsen auf ganz unterschiedliche Weise wiedergegeben. Während im ersten Fall ihre Aufmerksamkeit auf den Schmetterling konzentriert zu sein scheint, der als Emblem der Seele identifiziert wird, richtet sich der Blick im zweiten auf die Vase, die als mysteriöses Objekt und Schlüsselelement des Mythos identifiziert wird. Verglichen mit der fesselnden Sinnlichkeit von Canovas Schaffen scheint das Werk des dänischen Bildhauers von einer distanzierteren Anmut geprägt zu sein.
In dieser Sekunde, Fliegende Figuren. Hebe Mundschenk der Götter, bieten die Werke von Vincenzo Camuccini, Gavin Hamilton, John Gibson, Gaspare Landi, Pietro Tenerani Einblicke in dieEbe canoviana der Eremitage und der drei Werke (Statuen und Reliefs) von Thorvaldsen, in denen sie erscheinen Ebe, Herkules, Nemesis e Jupiter.
Die Figur der Hebe, die als Symbol der ewigen Jugend identifiziert wurde, hatte im Gegensatz zu Venus, Amor und Psyche keine ikonografische Tradition, die bis in die Antike zurückreicht und von der sich Canova und Thorvaldsen inspirieren ließen. In der neoklassizistischen Ära hatte Ebe beträchtlichen Erfolg in der Malerei, insbesondere unter englischen Künstlern, wie das Beispiel von Gavin Hamilton zeigt, der als einer der ersten Unterstützer von Canova gilt. Verglichen mit der außergewöhnlichen dynamischen Kraft der Statue von Canova, halbnackt und mit durchsichtigen Kleidern, die der Wind am Körper haften lässt, sticht die unbewegliche Keuschheit von Thorvaldsens Hebe hervor, eingeschlossen in ihre melancholische und spirituelle Schönheit.
Ein eigenes Kapitel, Die großen Gönner. Napoleon und Sommariva, konzentriert sich auf die Beauftragung der beiden Meister: Gönner wie Napoleon und seine Familie und der große lombardische Sammler Giambattista Sommariva, der zahlreiche Statuen von Canova erwarb und sein Meisterwerk von Thorvaldsen erhielt, Alexanders Triumph in Babylon von Napoleon für den Quirinale in Auftrag gegeben, dann aber für die Villa von Tremezzo am Comer See ausgeführt. Dank Sommariva und anderer Mäzene hatten beide Künstler eine privilegierte Beziehung zu Mailand. Durch die Darstellung Napoleons versuchte Canova, den Charme des Helden, des Schicksalsmenschen zu vermitteln, während Thorvaldsen den Kaiser vergötterte, indem er ihn als Jupiter mit einem Adler darstellte. Sommariva ist in dem großartigen Porträt von Prud'hon vertreten, das von den großen englischen Sammlern inspiriert wurde, die Batoni sie zusammen mit den in Rom bewunderten antiken Statuen porträtieren ließ.
Wir fahren mit den Themen fort, die Thorvaldsen am Herzen liegen Der Charme der ewigen Jugend. Ganymed: Das Lieblingsthema des Meisters, komplementär zu dem von Hebe, wurde von Canova nie in Betracht gezogen. Der Däne machte daraus das männliche Bild eines jugendlichen Schönheitssymbols ewiger Jugend, experimentierte mit verschiedenen Darstellungsweisen und beeinflusste zeitgenössische Maler und Bildhauer, wie im Fall der in der Ausstellung präsentierten Werke von Camillo Pacetti.
Das romantische Erbe. Der wandernde Hirte fasst mit Werken, die der natürlichen Schönheit und dem sentimentalen Charakter der arkadischen und pastoralen Themen von Hippolyte Flandrin, John Gibson, Aleksandr Andreevic Ivanov und Bertel Thorvaldsen gewidmet sind, das Erbe stilistischer Merkmale und Modelle zeitloser Universalität der Sprache von Canova und Thorvaldsen zusammen. Hier werden die eher idealisierten Merkmale von Ganymed durch die natürlicheren der ersetzt Hirtenjunge die in der Version der Manchester Art Gallery immer noch auf ihrem ursprünglichen, von Flaxman entworfenen Sockel ruht. Im Faun vertreten durch Thorvaldsens besten Anhänger, Pietro Tenerani, verführt er live zur Wahrhaftigkeit, während er Musik spielt, die seine Glieder zu beruhigen scheint. In ähnlicher Weise verleiht der Schlaf Gibsons verlassener und verträumter Hirtenfigur ein Gefühl der Melancholie. Wir finden die gleiche Trägheit in der Junger Hirte gemalt von Flandrin, nostalgisch für ein verlorenes Arkadien.
Den Abschluss der Ausstellung bildet die prächtige Serie von 13 Basreliefs aus Gips von Canova, die ständig in der Gallerie d'Italia ausgestellt sind und zur Sammlung des XNUMX. Jahrhunderts der Fondation Cariplo gehören. Sie verewigen mythische Szenen und Darstellungen einiger Vorschriften der sokratischen Philosophie.
