die Arbeit Aisthese. Szenen des ästhetischen Regimes der Kunst des Philosophen Jacques Rancière ermöglicht es uns, die Artikulationen des Denkens dieses Philosophen, der Ästhetik konstruiert, mit größerer Subtilität und Präzision zu verstehen. Der Beitrag besteht daher darin, der Öffentlichkeit einen Teil des Studienfonds und bestimmte Werke zu liefern, auf denen jedes der eher theoretischen Werke des Autors basiert. Untertitel Szenen des ästhetischen Regimes der Kunst, ist um vierzehn solcher Szenen herum organisiert die sich jeweils auf ein Ereignis beziehen, datiert und platziert in Raum und Zeit, daher stellt sich hier die Frage nach der ständigen Veränderung dieser „Kunst“, da die Entstehung von Ästhetik vorgeschlagen werden kann. „Aisthesis“, ein aus dem Griechischen stammender Begriff, ist in der Tat der Name der Kategorie, die im Abendland seit drei Jahrhunderten (Baumgarten und Kant) den empfindlichen Stoff und die Form der Verständlichkeit dessen bezeichnet, was wir „Kunst“ nennen, ist auch deshalb gut, weil einerseits dieser Begriff basiert laut Rancière auf Geräten, Formen der Sensibilität und Diskursen über künstlerische Revolutionen, und andererseits ist „Kunst“ – mit einem Großbuchstaben – ein Begriff, der eine spezifische Form der Erfahrung des Sinnlichen bezeichnet. Letztere existiert im Westen erst seit dem 18. Jahrhundert, dem Jahrhundert der Ästhetik selbst, auch wenn sie den allgemeinen Schönheitsbegriff, wie wir ihn von den Griechen übernommen haben, entleert.
Diese Kategorie "Arte“, bezieht sich also auf Formen sensibler Erfahrung, Wahrnehmungs- und Betroffenheitsweisen, auf eine Lebensweise, „nach der wir seit zwei Jahrhunderten sehr unterschiedliche Dinge durch ihre Herstellungstechniken und ihre Bestimmung als gemeinsam mit der Kunst wahrnehmen . Wir dürfen jedoch nicht glauben, dass Rancière damit eine Reflexion des Wesentlichen zurückgibt. Das Regime der Wahrnehmung, Empfindung und Interpretation von Kunst wird ständig konstituiert und transformiert. Wir wissen, dass Rancières Neukonfiguration des ästhetischen Denkens zu einer ganzen Reihe neuer Reflexionen über die Beziehung zwischen Ästhetik und Politik geführt hat. Der Autor hat auch gezeigt, dass die Begegnung zwischen den beiden, Ästhetik und Politik, nicht kontingent war, sondern in den Begriff der Politik selbst eingeschrieben war. Es ist das Konzept des „Sharing the Sensible“, das seine Konturen gegeben hat. Es blieb jedoch, diesem Begriff von "Kunst" ein Statut zu geben, ihn aus der traditionellen Grundlage der Nachahmung herauszulösen.
"Kunst"? Und dieses Konzept? Diese Verwendung des Begriffs ohne Substantivergänzung hat sich historisch etabliert. Rancière brachte ihn zu Winckelmann. Es bezieht sich in keiner Weise auf eine Kompetenz (die der Schöpfer), sondern auf die Existenz eines "sensiblen Umfelds, in dem die Werke koexistieren". Um eine solche Anordnung herzustellen, mussten viele Operationen durchgeführt werden. Die eine bestand darin, den Kunstbegriff aus dem Horizont des Künstlerlebens und dem der Künste zu extrahieren; Kunst musste Kunst an sich werden; dann nimmt es die Form einer Geschichte an, eines zeitlichen und kausalen Schemas, das Schönheit in einen Prozess des Fortschritts einschreibt; um am Ende einem desinteressierten Blick in den Museen angeboten zu werden. So ist Kunst zu einer autonomen Realität geworden, in Beziehung zu einer Umwelt (Formen des kollektiven Lebens und die Möglichkeit individueller Erfindungen).
Das ästhetische Regime der Kunst steht dem repräsentativen Regime gegenüber. Die erste offenbart uns, dass „der Wille erschöpft ist für das, was er für seine Zwecke hält und die in Wirklichkeit nichts sind als der sture Marsch eines Lebens, das nichts will“. Kunst muss nicht länger die physische Natur oder menschliche Leidenschaften imitieren. Sie schreibt nun der Heirat die spezifische Kraft der Dinge oder des Satzes zu, ihre „reine Kraft, in ihrer Produktion zu produzieren oder zu verschwinden“. Rancière zeigt es uns in jeder der Szenen, indem er zum Beispiel detailliert beschreibt, wie Emerson 1841 in Boston das modernistische Ideal eines neuen Gedichts des neuen Menschen, der sich nicht bindet, in seiner ganzen Radikalität formuliert sich schließlich in vulgärer Materialität, nur um sie in das Gedankenleben und das Ganze zurückzubringen.
Diese Szenen der Ästhetisches Regime der Kunst sie stellen einen beeindruckenden Mechanismus dar, um ein Verständnis dieses Konzepts zu integrieren. Man könnte schlussfolgern, dass der Student dieser Philosophie nicht dem unaufhörlichen Bemühen nachgeben darf, die Leugnung der ererbten Urteile über die Geschichte der Moderne zu üben. Es muss Schritt für Schritt die Lücken bauen, die es ihm ermöglichen, sowohl eine neue Geschichte der letzteren zu schaffen als auch zeitgenössisch zu werden, indem es sich im Konflikt zwischen heterogenen Zeitlichkeiten und in einer radikalen Lücke mit dem, was allein ist, behauptet.
