Von Thiebaud bis Manzoni, zeitgenössische Kunst bei einer Auktion in New York (Sotheby's)

Die Auktion präsentiert 51 Lose, die seit dem 1. November in den Galerien von Sotheby's York Avenue öffentlich ausgestellt sind, zusammen mit der Zeitgenössischen Kunstauktion und den Novemberverkäufen impressionistischer und moderner Kunst.

Hier einige Werke aus der Auktion Zeitgenössische Kunst:

Hingerichtet in einem kritischen Moment in der Karriere von Willem de Kooning, Ohne Titel XXII von 1977 stellt den Höhepunkt der reifen Produktion des Künstlers dar. Erschöpft vom Lärm und Stress des Lebens in Manhattan zu Beginn seiner Karriere verbrachte de Kooning ab 1959 die Sommer in East Hampton und zog 1963 endgültig nach Springs, um in die lichtdurchflutete und ruhige Umgebung einzutauchen. Während Untitled XXII abstrakt bleibt, beschwört es die Essenz, Erinnerungen und Erfahrungen von de Koonings ozeanischer und friedlicher Umgebung herauf, die den Künstler faszinierte und ihn an sein Elternhaus in Holland erinnerte. Untitled XXII markiert die Rückkehr des Künstlers zur Malerei nach einer Pause, die sich auf Zeichnung und Skulptur konzentrierte, und ist Teil eines explosiven Ausbruchs von Kreativität, der eine illustre Sammlung von farbdurchtränkten großformatigen Leinwänden hervorgebracht hat, die zu den ikonischsten in de Koonings Karriere zählen.

Blue Over Red repräsentiert Mark Rothkos erstes kritisches Jahreswerk von 1953 in über einem Jahrzehnt versteigert werden (Schätzung 25/35 Millionen Dollar). Das Gemälde stellt eine kritische Entwicklungsphase in der ersten Hälfte der 50er Jahre dar, unmittelbar nach seinem Umzug in ein neues Atelier im hinteren Teil des MoMA, wo er einige seiner bahnbrechendsten Erkundungen der Farbe malte. Blue Over Red wurde 1957 vom legendären Händler und Sammler Harold Diamond direkt vom Künstler erworben und verbrachte anschließend Jahrzehnte bei den Sammlern Israel und Selma Rosen aus Baltimore, die das Werk 2005 für 5,6 Millionen Dollar versteigerten. Seit 2007 befindet es sich in derselben Privatsammlung.

Der PH-399 demonstriert die radikale Innovation von Stills visionärer Arbeit. Das vorliegende Werk wurde 1946 gemalt – im selben Jahr wie die erste Einzelausstellung des Künstlers in New York – und ist ein früher Meilenstein in Stills Schaffen. PH-399 markiert nicht nur die Verwirklichung von Stills charakteristischem Stil, sondern auch die Einführung des abstrakten Expressionismus – 1946 erhielt Mark Rothko seine erste Einzelausstellung im Museum of Modern Art in San Francisco, für die Gemälde von Jackson Pollock zu sehen waren erstmals in der Jahresausstellung des Whitney Museums in New York, und der Kunstkritiker Robert Coates prägte den Begriff des „Abstrakten Expressionismus“ formell ein
Der New Yorker als Mittel zur Beschreibung der neuen Bewegung, die sich in den kommenden Jahren als vorherrschende Kunstmodalität der New York School und der breiteren Kunstwelt herausstellen würde.
Als Beweis für die Bedeutung des vorliegenden Werks wurde PH-399 von Still selbst für die Aufnahme in seine wegweisende Ausstellung Paintings by Clyfford Still von 1959 ausgewählt, die von der Albright-Knox Art Gallery in Buffalo organisiert wurde. Diese vom Künstler persönlich kuratierte Ausstellung war Stills erste groß angelegte Untersuchung und gehört nach wie vor zu den wichtigsten Ausstellungen seiner Karriere. Als er gebeten wurde, für ein Foto in der Ausstellung zu posieren, stellte sich Still vor PH-399 und festigte seinen Status als einzigartig ikonische Repräsentation nicht nur seines gefeierten Schaffens, sondern auch innerhalb der mythischen Erzählung und der Entwicklung der Nachkriegszeit malen.

Aus einer goldenen Kindheitserinnerung hervorgegangen, sind Wayne Thiebauds wunderschön farbige Desserts, die im klassischen Restaurant- oder Cafeteria-Stil arrangiert sind, ein Motiv, das er 1961 berühmt erfunden hat – und eines, das er im Laufe von fast sieben Jahrzehnten immer wieder aufgegriffen hat. Diese fröhlichen Objekte und Markenzeichen des bürgerlichen Konsums rufen ein Gefühl des Überschwangs und Wohlstands der 60er Jahre hervor. Die Abendauktion bietet den kassierten Kuchen von Thiebaud seine erste Kuchentheke, die seit 1997 in der Auktion erscheint. Mit einer beeindruckenden Höhe von 72 Zoll ist das Werk auch innerhalb des Oeuvres des Künstlers außergewöhnlich groß und befindet sich in derselben angesehenen Privatsammlung, seit es 2011, dem Jahr seiner Fertigstellung, direkt vom Künstler erworben wurde.

"Ich kann Maler nicht verstehen, die, obwohl sie sich für moderne Probleme interessieren, noch heute ein Gemälde betrachten, als wäre es eine Fläche, die nach einem mehr oder weniger geschätzten Geschmack mit Farben und Formen gefüllt werden kann, und das ist mehr oder weniger ausgebildet […]. Die Malerei ist damit vollendet und eine Oberfläche mit grenzenlosen Möglichkeiten wird schließlich zu einer Art Gefäß reduziert, in dem unnatürliche Farbe und künstliche Bedeutung erzwungen und komprimiert werden. Warum nicht stattdessen diesen Empfänger leeren? Warum nicht die Oberfläche reinigen? Warum nicht versuchen, die grenzenlose Bedeutung des gesamten Raums zu entdecken? Von reinem und absolutem Licht? “ (Der Künstler erwähnt in „Freie Dimension“, Azimut 2, 1960)
„Eines der beiden Werke wurde bereits in vielen renommierten Ausstellungen gezeigt, während das andere [das vorliegende Werk] bis vor nicht allzu langer Zeit verborgen blieb. Zwei Leinwände von solch außergewöhnlicher Kraft, die mir den Atem rauben konnten, als ich sie zum ersten Mal zusammen in einem Raum in Zürich sah …“ (Rosalia Pasqualino di Marineo, Hrsg., Piero Manzoni: The Twin Paintings, New York, 2017, S. 7)
Das vorliegende Werk wurde 1959 ausgeführt und gehört zu den monumentalsten und visuell überzeugendsten Beispielen von Piero Manzonis bahnbrechender Acrome-Serie. Achrome stellt den maximalen Ausdruck von Manzonis zentraler Philosophie dar und verkörpert überraschenderweise die theoretische und technische Forschung des Künstlers, um die Malerei von den Zwängen der Repräsentation und erzwungenen Gesten zu befreien. Wie der einflussreiche italienische Kunstkritiker Germano Celant argumentiert: „Manzonis Achrome strebte danach, die Nabelschnur zwischen Artefakt und Schöpfer zu durchtrennen; es zielte darauf ab, die Abhängigkeit der Kunst vom Künstler zu verringern … die Achromi repräsentieren keine Tonalität, kein chromatisches Gedächtnis. Nichts, was an die Leidenschaft des Künstlers erinnern könnte.“ (Ausst. Kat., London, The Serpentine Gallery, Piero Manzoni, 1998, S. 22) 1957 erstmals konzipiert als bewusste Absage an die machistische Aktion des Abstrakten Expressionismus in den USA und die Bildgesten des Art Informel in Europa, Die Gemälde von Achrome stellen Manzonis Versuch dar, die bemalte Oberfläche vollständig von der aktiven Teilnahme des Künstlers zu trennen und den Fetischismus der künstlerischen Geste mit einem zeitgenössischen Geschmack zu überwinden. Als solche nehmen Achromes Gemälde eine Position von unanfechtbarer Bedeutung ein: Der ungebundene Primat der kristallisierten materiellen Form als reiner Signifikant postuliert eine der radikalsten konzeptuellen Gesten in der Kunstgeschichte des 50. Jahrhunderts. Mit einer Breite von über 1959 Zoll ist die Achrome von XNUMX ein wahres Meisterwerk dieses verehrten und ehrgeizigen Korpus. Von den etwa XNUMX Arbeiten aus Kaolin auf Leinwand ist das vorliegende Werk eines von nur neun Stücken, die in solch monumentalen Ausmaßen ausgeführt wurden; andere aus dieser Gruppe befinden sich in angesehenen Sammlungen wie dem Centre Pompidou in Paris; die Civic Gallery of Modern and Contemporary Art, Turin; das Museum Moderner Kunst, Stiftung Ludwig, Wien; und die Rachofsky-Sammlung in Dallas. Voller weicher Streifen und lyrischer Falten ruft Achrome sofort ein Gefühl von skulpturaler Solidität und ätherischer Leichtigkeit hervor; Doch ohne Signifikanten oder Repräsentationsbindungen ist Achrome nichts als seine Existenz, eine emanzipierte tabula rasa, die von Allegorie, Anspielung und narrativem Ausdruck befreit ist.
Das vorliegende Werk gehört zu einem bedeutenden Gemäldepaar, das kürzlich mit einem ehrgeizigen Projekt geehrt wurde, es und sein Schwesterwerk zu untersuchen; Dieses Projekt wurde von Rosalia Pasqualino di Marineo, Direktorin der Piero Manzoni Foundation, durchgeführt und vor kurzem im Jahr 2017 abgeschlossen. Dieses Projekt zielte darauf ab, die erste Auslassung von Achrome in Germano Celants erstem Gesamtkatalog zu korrigieren (ein Versehen aufgrund der unberührten Herkunft des Gemäldes in a Privatsammlung, während das ursprüngliche Werkverzeichnis – erschienen 1974 – in Bearbeitung war). Über dieses Projekt schreibt der Regisseur Pasqualino di Marieno: „Das Projekt, das diese beiden Achrome, ‚heterozygote Zwillinge‘, charakterisiert, ist entschieden außergewöhnlich. Tatsächlich ist es für mich wahrscheinlich ein einzigartiges Ereignis und eines, das sich wahrscheinlich nicht wiederholen wird: zwei Gemälde, die so wichtig, unterschiedlich und doch gleich sind, dass sie nebeneinander gestellt und dieses Mal noch einmal studiert und vertieft werden könnten. “ (Rosalia Pasqualino di Marineo, Hrsg., Piero Manzoni: The Twin Paintings, New York, 2017, S. 7) Unter der Leitung des Direktors der Piero Manzoni Foundation bringt The Twin Paintings wichtige Forschungsergebnisse zusammen, die das vorliegende Werk fest verankern Manzoni ist trotz seiner Extravaganz in den letzten Jahrzehnten eine erstaunliche Arbeit. Pasqualino di Marineo schreibt: „Eines der beiden Werke wurde bereits in vielen renommierten Ausstellungen gezeigt, während das andere [das vorliegende Werk] bis vor kurzem verborgen blieb. Zwei Leinwände von solch außergewöhnlicher Kraft, die mir den Atem rauben konnten, als ich sie zum ersten Mal zusammen in einem Raum in Zürich sah… “(ebd.)
Um die Achrome-Gemälde zu schaffen, klebte Manzoni zunächst eine rohe, unbemalte Leinwand in eine scheinbar organische Anordnung aus sich selbst wuchernden Falten und Falten, dann trug er Kaolin – eine kalkhaltige, farblose Lösung, die in der Porzellanherstellung verwendet wird – auf die Oberfläche der Leinwand auf und ließ die kreideartige Lösung trocknen. Durch den selbst definierten Trocknungsprozess, ohne Zutun des Künstlers, erhält das Werk schließlich seine endgültige Form. Noch weißer und reiner als die ursprüngliche Rohleinwand bot Kaolin Manzoni das ideale Medium, um seine „ungemalten“ achromatischen Gemälde zu konzipieren. Diese Technik entfernt nicht nur die Hand des Künstlers, sondern verstärkt auch die skulpturale Tiefe und Solidität der Wellen der Oberfläche. Tatsächlich scheinen die horizontalen Falten und Grate von Achrome wie ein Fossil erhalten zu sein, versteinert in einem Zustand materieller Metamorphose. Nicht länger die fließende Weichheit und Flüssigkeit seines Primärzustands, sondern eine positive und eine negative Schwebung, die in einer doppelten Bestätigung von sowohl Substanz als auch Leerheit verhärtet sind: ein wahres Beispiel für Manzonis metaphysische Suche nach „totalem Raum“ und „reinem absoluten Licht“. Künstler zitiert in „Dimensione libera“, Azimut 2, 1960, np) Durch die Verdrängung der künstlerischen Handlungsfähigkeit und Gesten von der Oberfläche der Leinwand zielte Manzoni darauf ab, die Repräsentation zu eliminieren und darin ein vollständig selbst produziertes metaphysisches Bild von absoluter Reinheit zu erhalten.
Während Manzoni mit einer Fülle von Materialien experimentierte, darunter so unterschiedliche Substanzen wie Stroh, Styropor, Kies, Rollen, Filz und Wolle, bildet sein ikonischer Körper von „achromatischen“ Arbeiten auf Leinwand, die aus kaolingetränkten Falten bestehen, den Höhepunkt des bahnbrechenden Konzepts von Der Dialogkünstler. Außergewöhnlich in Größe und kompositorischer Komplexität, steht Achrome als Musterbeispiel für dieses Gesamtwerk: Umrahmt von zwei horizontalen Bändern aus tonal durchsichtigem, schleierartigem Kaolin, ist das umhüllende zentrale Feld aus straffen Falten, die mit schwerem Kaolin durchtränkt sind, absolut hypnotisierend. Obwohl Manzoni ausdrücklich Referenzen vermied, deutet die exquisite formale Harmonie von Achrome auf eine Art organische Architektur hin, als würde sie eine angeborene Schönheit nutzen und freisetzen, die in den Materialien der Leinwand und des Kaolins selbst schlummert. Die wunderschön reiche und chromatisch homogene Oberfläche erinnert an die staubige Zerbrechlichkeit von Gips und die kalte Festigkeit von Marmor. Die Absorption und Reflexion des natürlichen Lichts durch die Porzellanerdefalten, betont durch ihre gestreiften, eckigen Grate, erinnert an die fühlbaren Falten skulptierter Renaissance-Vorhänge, während die komplizierte Oberflächenkomplexität ein dramatisches Hell-Dunkel erzeugt, um unser Auge zu verführen, da die Dunkelheit und das Licht auffallend sind nebeneinander. Scheinbar weiß wirkt Kaolin, indem es Farbe entfernt und Gewicht hinzufügt, was diesen Werken ein gewisses Gefühl von Monumentalität verleiht, das abstrakt an klassische Marmorstatuen erinnert. Wenn dieses Werk jedoch an die monumentale Kunst der Vergangenheit erinnert, ist es nur ein Zeugnis der Abgeschiedenheit der Kunst selbst, einer rein visuellen Sprache von strahlend leuchtender Materialität.
Während eines tragisch kurzen Lebens, das im Alter von nur dreißig Jahren endete, verfolgte Manzoni einen revolutionären konzeptuellen Ansatz für die Schaffung und Präsentation von Kunst, wobei die Oberfläche und die Materialien als wahres Thema der Arbeit hervorgehoben werden. Mit der Schaffung der Achromi erweckte Manzoni einen Bereich der Kreativität, in dem das Thema des Gemäldes seine selbstgenerierende Form war; 1960 schrieb er: „Der Künstler hat ganzheitliche Freiheit erlangt; reines Material wird reine Energie; alle Probleme der Kunstkritik sind überwunden; alles ist erlaubt". (Ibid.) Manzonis vorausschauende Innovationen nahmen sowohl den Konzeptualismus als auch die Arte Povera vorweg, während sein künstlerisches Vermächtnis von sanktioniert wurde ikonische Werke wie das aktuelle Achrome sind bis heute eine revolutionäre Präsenz in der zeitgenössischen Kunst.