Sammlung Marino und Paola Golinelli im Opificio Bologna

Africa Vibes: im Opificio Golinelli eine Reise durch die afrikanischen Werke der Sammlung Marino und Paola Golinelli

Werke von Joël Andrianomearisoa (Antananarivo, Madagaskar, 1977), Abdoulaye Konaté (Diré, Mali 1953), Gonçalo Mabunda (Maputo, Mosambik, 1975), Cameron Platter (Johannesburg, Südafrika, 1978), Pascale Marthine Tayou, (Yaoundé, Kamerun , 1967), Ouattara Watts, (Abidjan, Côte d’Ivoire, 1957), die alle im letzten Jahrzehnt entstanden sind, in einem kohärenten Weg mit dem multidisziplinären und didaktischen Kunstansatz, den die Golinelli Foundation durch die Aktivitäten des Projektbereichs Art, Science vorschlägt und Wissen, insbesondere durch die großen Ausstellungen, die seit 2010 jährlich stattfinden.

Die 11 im Opificio Golinelli ausgestellten Werke wurden aus den rund 600 Werken der Golinelli-Sammlung ausgewählt. Sie unterscheiden sich in den verwendeten Sprachen und im Ausdruck individueller Poetik, verbinden sich jedoch durch die gemeinsame Verwendung von Techniken, die stark vom Handwerk geprägt sind, durch die Rückgewinnung und Transformation gefundener Materialien, indem sie sich auf halbem Weg zwischen der Kultur der Herkunft und westliche Erfahrung. Eigenschaften, die in den von den Tutoren der Golinelli-Stiftung vorgeschlagenen Lehr- und Laboraktivitäten untersucht werden, die an Themen wie Wiederverwendung arbeiten, die nicht nur politisch und anthropologisch korrekt sind, sondern die heute eine der raffiniertesten und aktuellsten Ausdrucksformen darstellen Forschung nicht nur in der Kunst, sondern auch in Design, Architektur und sogar im Kino.

Jean Apollinaire Tayou wurde 1967 in Yaoundé, Kamerun, geboren. Mitte der XNUMXer änderte er seinen Namen in einen weiblichen Namen und wurde so zu Pascale Marthine Tayou. Tayous Arbeit ist eng mit der Idee des Reisens und der Begegnung mit dem Anderen verbunden. Das des Reisenden ist für Pascale Tayou nicht nur eine Lebensbedingung, sondern eine psychologische Bedingung, die zeitgenössische Themen wie Identität, kulturelle Aneignung, die Durchlässigkeit von Grenzen in Bezug auf menschliche Migrationen untersucht. Tayou machte seinen Einwandererzustand zum Ausdruck einer ganzen Generation von Männern und Künstlern: diejenigen, die sich „auf halbem Weg“ zwischen ihrer ursprünglichen Kultur und der westlichen Erfahrung befinden; Afrikaner im Geiste, aber gleichzeitig neue europäische Bürger; desorientiert und postkolonial. In den farbenfrohen Skulpturen der Fashion Street kombiniert Tayou Glas, Schwämme, Wolle, Kunststoff, Leder, Meeresperlen und Muscheln und andere recycelte Materialien in einer Arbeit, die stark mit seinem spezifischen kulturellen Hintergrund verbunden ist. Die von den Figuren getragenen „Kleider“ sind von afrikanischen Stammesformen inspiriert, kombiniert mit Gegenständen, die der europäischen Konsumgesellschaft entstammen. Die Figuren selbst sind aus Glas gebaut, das wenige Kilometer von Florenz entfernt hergestellt wird.

Die Artisten…
 
Der 1957 in Abidjan (Elfenbeinküste) geborene Ouattara Watts studierte an einer religiösen Schule und wurde früh in schamanische Rituale eingeweiht, obwohl er in einer Großstadt lebte und daher auch der städtischen Kultur ausgesetzt war. Ein Zustand zwischen Moderne und Tradition, der sich in seinen Werken widerspiegeln wird. 1977 zog er nach Paris, um an der École Nationale Supérieure des Beaux-Arts zu studieren. In der französischen Hauptstadt lernt er Ende der Achtziger Jean Michel Basquiat kennen, mit dem er sich anfreundet, der ihn überzeugen wird, nach New York zu ziehen, wo er noch heute lebt. Als Autor eines lebendigen Gemäldes aus Farben, Materialien und hypnotischen Zeichen erforscht Watts die multikulturelle Identität und den Sinn für Spiritualität in der heutigen Gesellschaft. Im Laufe der Zeit hat er einen reichen Ausdruckscode entwickelt, ein Alphabet aus Formen, Zahlen, Buchstaben, wissenschaftlichen und religiösen Symbolen, die er verwendet und mit der Verwendung von gefundenen und recycelten Objekten, Fotografie und anderen Medien verschmilzt, um seine Dynamik und Poesie zu kommunizieren Vision von Gesellschaft und Geschichte und seine persönliche Herangehensweise an die Metaphysik. Ihre Werke erinnern an das angestammte Afrika, aber auch an die Einflüsse von Künstlern wie Picasso oder Cy Twombly, die wie schwebend zwischen zwei Welten bleiben und eine Brücke zwischen ihnen schlagen. „Meine Vision basiert nicht auf der Zugehörigkeit zu einem Land oder einem Kontinent – ​​sagt der Künstler – sondern geht über die Geographie hinaus, über das hinaus, was auf einer Karte zu sehen ist. Auch wenn einige meiner Bildelemente auf eine bestimmte Kultur bezogen und damit besser verstanden werden können, betrifft meine Arbeit etwas viel Umfassenderes, es betrifft den Kosmos.“ Le Fleurs du Mal I zitiert die berühmte Gedichtsammlung von Baudelaire – die sich mit metaphysischen, theologischen und exotischen Themen befasst – und kombiniert die Verwendung eines kostbaren orientalischen Stoffes, Bilder von dämonischen Figuren, Zahlenreihen, die die Sklavenrouten symbolisieren, und biomorphe Formen oder elementar, nachgezeichnet nach einer Form der Improvisation, die an Jazz erinnert.

Der südafrikanische Künstler Cameron Platter (Johannesburg, 1978, lebt in Kapstadt und KwaZulu Natal) versteht seine Arbeit als Reportage, die beschreibt, was er um sich herum sieht: «Nachtclubs, Fast Food, Krimis, die Welt der Kunst , Fernsehen, Filme, Politik, Konsum…». Die Realität mit ihrer unerschöpflichen Vielfalt und außerordentlichen Komplexität liefert ihm ein Repertoire an Bildern, die der Künstler dann in vielen Medien verteilt: Zeichnung, Malerei, Skulptur, Fotografie, Wandteppiche, Wandzeichnung, Video. Das Gewöhnliche und Nebensächliche in seiner Arbeit ist voller aufrührerischer Bedeutungen, die auf äußerst direkte Weise kommuniziert werden, eine Anklage gegen Konsumismus, Erniedrigung, Ungleichheit und die latenten Konflikte, die die südafrikanische Gesellschaft durchziehen. Seine unmittelbare und subversive Sprache ist inspiriert von der Welt der Kindheit und der populären Kunst, aber auch von den Linolschnitten eines Meisters der südafrikanischen Kunst wie John Muafangejo und von Protestplakaten. Risk ist eine große Pastellzeichnung auf Papier, eine vom Künstler weit verbreitete Technik, mit flachen Farbfeldern und einer sehr grafischen Verwendung von Schwarz und Weiß, die das Werk wie eine Gravur aussehen lässt. Er gehört zu einer Reihe von großformatigen Arbeiten, die Platter nach Le Courbusiers Definition von Wandteppichen als „nomadische Wandmalereien“ bezeichnet. «Was du tust, bringt dich in Gefahr!!!» (Was Sie tun, bringt Sie in Gefahr!!!) lesen wir im Zentrum der Arbeit. Die Schrift wird von dem Bild einer Henne begleitet, die fast die gesamte Oberfläche einnimmt und sich von einem Hintergrund abhebt, der mit einem stilisierten Motiv aus Hunderten von frisch gelegten Eiern verziert ist. Tiere werden in Platters Werken oft als Spiegel menschlichen Verhaltens verwendet. Gemeint ist hier die ständige Steigerung der Produktionsrhythmen, immer vollere und längere Arbeitszeiten, insbesondere für weniger qualifizierte Arbeitskräfte, die den physiologischen Bedürfnissen nach Pausen und Ruhe entgegenstehen, wodurch das Risiko von Krankheiten, Verletzungen, Stress steigt.
 

Der Titel, den Joël Andrianomearisoa (Antananarivo, Madagaskar, 1977) für diese Arbeit gewählt hat, ist kein Zufall: Untitled – Few of my favorite Things. Tatsächlich präsentiert die Arbeit einige der charakteristischen Elemente seiner Arbeit. An erster Stelle das verwendete Material: der Stoff, der an seine Ausbildung erinnert, die im Alter von zwölf Jahren an der Modeakademie in seiner Heimat Madagaskar begann. Zweitens die Formen: radikal geometrisch. Drittens die Farbe: Schwarz, die dem Künstler «unendliche Möglichkeiten» bietet. In jedem Stück muss ich Variationen im Spektrum von Schwarz finden, verschiedene Positionen von Schwarz. Es ist nicht nur eine Farbe, sondern auch eine Haltung… sie zielt auf das Universelle». Nach seinem ersten Studium in seiner Heimat Madagaskar setzte Andrianomearisoa seine Ausbildung an der Pariser Ecole Speciale d'Architecture fort, wo er Schüler von Odile Decq war und die Auswirkungen seiner "dunklen" Atmosphäre spürte, die die Werke des berühmten Architekten charakterisieren. Dann gelangte er zu einem Konzept, das er «Archi-Kleidung» nannte: eine Praxis, die ein hybrides Territorium zwischen Kunst, Mode, Design und Architektur einnimmt. Dieser große rechteckige Wandteppich nimmt auch an den Beiträgen zwischen diesen verschiedenen Sektoren teil, die aus geometrischen Stofffetzen bestehen, die in einer unendlichen Schwarzskala in einer Überlappung von Schichten bestehen, die eine dreidimensionale und skulpturale Dichte erreichen. Eine Arbeit, die aus einer Reihe von Manipulationen entsteht, die in ihrer Herstellung zum Endergebnis führen, das Ergebnis des Bedürfnisses, von den Objekten überrascht zu werden, die aus den eigenen Händen stammen.

Gonçalo Mabunda (Maputo, 1975) arbeitet am kollektiven Gedächtnis seines Landes Mosambik, das einen langen und schrecklichen Bürgerkrieg erlebte, der als Kind begann, kurz nach der Unabhängigkeit von Portugal am Ende von fünf Jahrhunderten der Kolonialisierung. Seine Skulpturen werden mit Waffen hergestellt, die den Guerillas am Ende des Konflikts, der von 1977 bis 1992 andauerte, beschlagnahmt wurden. Recycelt in anthropomorphen Formen, die auf traditionelle afrikanische Masken verweisen – anders in jeder Region des Kontinents und eine Quelle der Inspiration für so vieles Westliche Kunst, von Picasso über Braque bis hin zum zeitgenössischeren Thomas Houseago – die von Mabunda verwendeten Waffen haben eine starke Bedeutung der politischen Denunziation, schlagen aber gleichzeitig eine positive Reflexion über die Fähigkeit der Kunst vor, Dinge zu verändern. Eine Fähigkeit, die insbesondere zur afrikanischen Kreativität gehört, ein Meister darin, das zu recyceln, was bereits vorhanden ist, oft Abfall oder wertlose Materialien, und schönen Werken Leben einzuhauchen. Überraschend, ironisch und phantasievoll werden die Masken in Mabundas Werk von größeren Werken in Form von Thronen flankiert, die anscheinend den Ausdrucksformen der afrikanischen Hofkunst ähneln, die bei internationalen Sammlern sehr begehrt sind. Ebenfalls mit deaktivierten Waffen hergestellt, stellen sie einen offenen Bezug zur Stammessymbolik der Macht dar, mit der Absicht, die Verantwortung der Politiker für eine Situation der Instabilität anzuprangern, die erneut Gewalt im Land hervorruft. Mosambik ist die einzige Nation der Welt, die eine Schusswaffe als Symbol auf ihrer Flagge hat.

Abdoulaye Konaté (1953, Diré. Lebt in Bamako) ist ein malischer Künstler, der zu den bekanntesten auf dem afrikanischen Kontinent gehört. Seine Forschung bewegt sich zwischen den Konflikten der modernen Welt und der handwerklichen Tradition seines Herkunftslandes. Typisch für sein stilistisches Markenzeichen sind die großformatigen „Gobelins“, in denen Hunderte von handgefärbten Stoffstreifen, hauptsächlich Baumwolle (eine der wichtigsten Kulturpflanzen Malis), herabfallen und sich zu faszinierenden Farbeffekten verbinden. Mit diesen Arbeiten bezieht sich die Künstlerin auf die westafrikanische Tradition, Stoffe als Erinnerungs- und Kommunikationsmittel zu verwenden. Zunächst an der Abstraktion orientiert, öffnete sich Konatés Forschung dann immer mehr für Realitäts- und Sozialbezüge, knüpfte an geopolitische Zeitgeschehen an, an Themen wie Krieg, Machtkampf, Religion, Globalisierung, ökologische Veränderungen und die AIDS-Epidemie. In den letzten Jahren beziehen sich viele seiner Arbeiten auf den Bürgerkrieg in Mali zwischen Regierungstruppen, Tuareg-Separatisten und islamistischen Rebellen und kritisieren alle Formen religiös oder ethnisch motivierter Gewalt. Besonders in Konatès Reiseroute ist die Arbeit Koré Dugaw (Mali), eine Installation, die aus einem großen Wandteppich mit Figuren besteht, die Masken und symbolische Objekte tragen, die typisch für eine der Initiationsgesellschaften der Bambara, die Koré, sind, und einer Schaufensterpuppe, die einen farbenfrohen Umhang mit Fransen trägt. In den Worten des Autors „ist dieses monumentale Werk eine Hommage an die Gruppe der Eingeweihten Korè Dugaw, die für die malische Kultur sehr wichtig ist, da sie den offensten Teil der Gesellschaft repräsentiert. In der Tat wird den Eingeweihten völlige Meinungsfreiheit gewährt: Sie können sich frei äußern und alle Aspekte der Gesellschaft kritisieren, sogar vehemente Kritik gegen Vertreter der Politik, Kultur usw. äußern. Der Fetischmantel wird hier auch zur Rüstung und repräsentiert die Rolle der absoluten Autorität dieser „Ideenpriester“.