Der Begriff stammt aus dem Griechischen kínēma, was „Bewegung“ bedeutet, zu der dann gráphein, „schreiben“ hinzugefügt wird: Die beiden miteinander verbundenen Begriffe bedeuten „in Bewegung schreiben“. Die semantischen Referenzbereiche sind: die Technik, die sich auf die Gesamtheit aller Geräte bezieht, die zum Aufnehmen und Reproduzieren eines Films erforderlich sind, sowohl analog als auch digital (Objektive, Motoren, Medienrollen oder Speicherkarten, Audiogeräte usw.); Kunst, verstanden als die Fähigkeit, eine Geschichte, eine Geschichte, ein Ereignis durch Bilder auszudrücken und eine eigene, originelle Vision dessen zu vermitteln, was man zu kommunizieren beabsichtigt; der Ort, der sich auf die spezifische Umgebung bezieht, in der der Film gezeigt wird, was die allgemein und überwiegend akzeptierte Definition zu sein scheint; schließlich die Industrie, die sich auf den Komplex von Aktivitäten bezieht, die mit der Produktion und dem Vertrieb eines Kinoprodukts verbunden sind und die in der Neuzeit ihren Umkreis auf das Fernsehen und das Internet ausdehnen. Der Begriff kann mit einer allgemeineren, bildlichen und metaphorischen Bedeutung verwendet werden: wenn er sich auf eine komplexe Darstellung von Ereignissen oder Situationen mit dynamischer Entwicklung bezieht. Es ist üblich zu sagen „Das Kino meines Lebens“ oder „Du machst ein Kino“ oder sogar „Tu nicht so wie im Kino“.
Treccani verwendet diese Definition: "Der Komplex künstlerischer, technischer, industrieller Aktivitäten, die zur Schaffung von kinematografischen Shows (Filmen) und auch all diesen als Gesamtwerk, als konkreter Ausdruck von Kunst im Bereich der Fantasie oder Information beitragen Werkzeug, wissenschaftliche Dokumentation, für Bildungs-, Informations- und Erholungszwecke".
Das Kino wurde geboren, als versucht wurde, statischen Bildern, die normalerweise mit Fotoausrüstung aufgenommen wurden, mit verschiedenen Aufnahme- und Schnitttricks Bewegung zu verleihen. Die ersten Experimente fanden Ende des 800. Jahrhunderts in Frankreich statt, die den Brüdern Lumiere zugeschrieben werden, in Wirklichkeit aber Charles-Émile Reynaud zu verdanken sind, und in den Vereinigten Staaten von Thomas Edison. Die Vaterschaft der Erfindung ist sehr umstritten, da das Patent nicht sofort angemeldet wurde, wodurch die Aufnahme- und Projektionstechnik mit verschiedenen Werkzeugen und Techniken entwickelt werden konnte. Die dynamische Abfolge der Bilder vermittelte die Idee einer Geschichte noch nicht richtig und es wurde ein im Raum erzählter Text hinzugefügt – zunächst von einer verantwortlichen Person gelesen – und dann ein Backing Track, der Soundtrack. Wenn dies von besonderer Bedeutung war, kam es sogar dazu, dass ein ganzes Orchester im Saal stand (wie es als bezeichnendes Beispiel bei der Napoleon von Abel Gance der 1927).
Das erste Element des Kinos besteht darin, eine Folge von Nahaufnahmen desselben Motivs mit einer für das menschliche Auge wahrnehmbaren Geschwindigkeit ähnlich der realen Geschwindigkeit aufzunehmen (später als internationaler Standard um die 20er Jahre mit etwa 24 Bildern pro Sekunde, fps, etabliert). – Frames für Sekunden). Daher der Begriff Filmkamera, d.h. eine Maschine, die in der Lage ist, eine schnelle Folge von Fotografien zu fotografieren und sie auf Film (zunächst Zelluloid) zu gravieren. Dieser Begriff ist analog zu Kamera, wobei sich der wesentliche Unterschied gerade auf die Art der Aufnahme der Bilder (digitale Unterstützung) bezieht.
Das zweite Element bezieht sich auf die Projektion. Das bloße Aufnehmen oder Aufzeichnen von Bildern reicht nicht aus, um den filmischen Prozess zu definieren. Es ist notwendig, dass diese auf einem geeigneten Träger, in der Regel dem "großen Bildschirm", der dann im Fernsehzeitalter zum "kleinen Bildschirm" wird, betrachtet werden können. Der dritte Baustein schließlich bezieht sich auf den Vertrieb. Die Natur der Geschichte in Bildern setzt voraus, dass es die Absicht des Autors ist, ein möglichst breites Publikum an den Vorführungen teilnehmen zu lassen, auch wenn die Aufnahmen amateurhaft und daher für ein sehr begrenztes Publikum bestimmt sind.
Legendäre Namen in der Geschichte des Kinos gehören zum Buchstaben C. Wie beim letzten Mal erwähnen wir zwei, eine "weltweit" und eine italienische. Der erste ist Charles Spencer "Charlie Chaplin, das zweite ist Luigi Comencini. Unserer Meinung nach hat der Kritiker des Corriere della Sera Giovanni Grazzini Charlot, den Namen, unter dem er auf der ganzen Welt bekannt ist, am besten definiert: „Er hatte in seinem Lächeln die Tränen der Welt und in den Tränen der Dinge, die er gemacht hat Freude Glanz des Lebens. Berührt von der Anmut des Genies war der umgekehrte Handschuh unserer Zivilisation, der Honig und die Ohrfeige, der Spott und das Schluchzen; es war unser Vorwurf und unsere Hoffnung, Männer zu sein. … So war es, so ist es, so wird es immer sein: Die Schwachen verunglimpft, die Besiegten verhöhnt, die Würde des Menschen mit Füßen getreten von Unterdrückern und Arroganten, und Offenheit, Unschuld für Naivität missverstanden, und stattdessen die Stärke von der Gerechte: Hier ist Tragödie mit Komödie, Farce mit Drama. Die lange Reise eines europäischen Pessimisten mit Zigeuner- und Judenblut, voller alter Leiden, um sich davon zu überzeugen, dass es sich dennoch lohnt, an den Menschen zu glauben; das ist der Transit von Chaplin, der Sinn seines Schaffens als Universalkünstler“. All dies floss in unvergessliche Filme. Wir erwähnen die bekanntesten: Der Schlingel von 1921, City Lights von 1931, Modern Times von 1936, The Great Dictator von 1940 und Rampenlicht von 1952. Genug, um nicht nur grundlegende Seiten der Filmgeschichte nachzuvollziehen, sondern auch in derselben Person zu rezensieren all die unendlichen Variablen der menschlichen Natur, die ein Akteur darstellen kann.
Der zweite Name, den wir erwähnen, gilt als einer der Protagonisten eines Genres und einer Epoche des italienischen Kinos von besonderer Bedeutung: Luigi Comencini. Seine Bekanntheit wird 1953 mit Bread, Love and Fantasy mit Vittorio de Sica und Gina Lollobrigida deutlich. Das waren die Jahre des „Neorealismus“ und wir verdanken ihm jenen Drift „pink“, der ihn zusammen mit Mario Monicelli und Dino Risi mit vollem Verdienst in den Sog der „italienischen Komödie“ einsteigen lässt, von deren Einkünften wir bis heute leben. Weitere wichtige Werke von ihm: Tutti a casa von 1960, setzt sich dann mit Incompreso von 1966 und mit den Abenteuern des Pinocchio von 1972 (der auch eine Fernsehadaption erhalten wird) und schließlich Marcellino pane e 1991 wine mit Nachdruck dem Thema Kindheit und Jugend auseinander.
Letzte Notation mit C für Cinecittà. Sogenanntes „Hollywood am Tiber“ und ikonischer Ort der italienischen Kinoleinwand, weil sie vor allem in den Jahren zwischen dem Zweiten Weltkrieg die gesamte Entwicklung des nationalen Kinos nachhaltig geprägt hat. 1937 eingeweiht, durch Bomben zerstört und 1947 wieder aufgebaut, hat es die besten Generationen italienischer Regisseure bei der Arbeit gesehen, Federico Fellini in der Hauptrolle mit La Dolce Vita von 1960 sowie unzählige Folgen der „italienischen Western“-Saga.
