Die Wiederholung der Geste bis hin zur Langeweile ist für viele Künstler ein Wert. Nicht für Gianfranco Pardi, ein Out-of-the-Box-Künstler par excellence, ein ewiger Migrant, aber zutiefst konsistent mit einem persönlichen, klaren und eindeutigen Stil, der sein gesamtes Werk geprägt hat, von den "Giardini Pensili" der späten XNUMXer Jahre bis zu seinen neueren Werken . Kultiviert, rastlos, neugierig, niemals banal. Immer auf der Suche nach neuen Techniken und neuen Sprachen, um seine visionäre Leidenschaft darzustellen. Die Werke, auf die Kritiker und Sammler zuerst aufmerksam werden, stammen von ihm Architekturen, wo es die Malerei ist, die die Oberfläche durch Konstruktionsmethoden nachzeichnet, die die Materialität der Skulptur nahe bringt.
Pardis Forschung wird von Anfang an als kontinuierliche Untersuchung des Raums und seiner Repräsentation vorgeschlagen. Durch rigorose Planung integriert der Künstler die Techniken der Malerei, Zeichnung und Skulptur, um die Dynamik und Beziehungen zwischen Form und Materie aufzuzeigen. Dieser Prozess ist eine der Grundlagen seiner Arbeit, ebenso wie die Architekturstudien, die ihn zu einer Neuinterpretation der historischen Avantgarden wie Abstraktionismus, Suprematismus, Konstruktivismus führen.
1967 begann Pardi seine Zusammenarbeit mit Studio Marconi in Mailand, und für die folgenden zehn Jahre waren seine Reflexionen über Architektur vorherrschend. Dachgarten von 1968 ist in diesem Sinne ein emblematisches Werk: "Der Künstler - schreibt der Kritiker Bruno Cora, der eine große Anthologie vorstellt, die Anfang 2018 gleichzeitig von den Galerien Cortesi und Marconi herausgegeben wurde - der alle Phasen der Recherche von Pardi erschöpfend durchgegangen ist - bietet uns die Vision eines Ortes, der real und gleichzeitig imaginär sein kann, an dem architektonische Strukturen und naturalistische Hinweise, reale und malerische Details verschmelzen“.
Anfang der siebziger Jahre konzentrierte er sich auf die Serie Architektur. Neben Farbe tauchen Kabel und Metallflächen auf der Leinwand auf: Der Künstler markiert und überwindet die Grenzen zwischen Malerei und Skulptur. System von 1976, mit seiner komplexen Struktur eines in einen Kreis einbeschriebenen und in drei Teile geteilten Fünfecks - ein Holzrelief, eine Leinwand, die die Spuren der geometrischen Konstruktion offenbart, und eine Skulptur, die der Form des Fünfecks folgt - konfiguriert, in der Absichten des Künstlers, als Analyse eines Systems, das Malerei, Zeichnung und Skulptur in Beziehung setzt.
Zu den frühen Achtzigern gehört die Serie der Diagonalen, gerade Linien, deren schneller Rhythmus zwischen Schwarz und Weiß oszilliert, auf der Suche nach neuen Montagen und Bewegungen. Gefolgt von den Pflanzen und den Apsen und den Zyklen Kino und Körperbau. In den 2011er Jahren erschien die Serie der Masken und der Berg Sainte Victoire, ein klarer Bezug zu Cézanne und eine totale Reflexion über die Malerei. Dann gibt es die Serie von Nagjma, was auf Arabisch „Stern“ bedeutet, die aus den langen Aufenthalten des Künstlers in Tanger entstanden ist, in einer Art Nachstellung der Reise in den Süden, die Paul Klee oder Henri Matisse erlebt haben; und die Boxes aus Pappschachteln, in denen Pardis Interesse an der Malerei wächst, wenn auch immer mit geometrischen Elementen und architektonischen Bezügen. Den Abschluss bildet das jüngste Untitled von XNUMX, eine Reihe von Acrylfarben auf Leinwand, deren Farbpalette auf wenige Töne, Weiß, Schwarz und Grau reduziert, an die Freskenmalerei erinnern zu wollen scheint. „Pardi hat eine Reihe von Formen, Methoden, Spuren und Materialien eingeführt, die noch nie zuvor auf der Leinwand eine Staatsbürgerschaft hatten“, betont Bruno Corà.
Gianfranco Pardi (Mailand 1933-2012)
Unversehrt aus jeder Homologation hervorgegangen in einer Zeit (den siebziger Jahren), in der die Zugehörigkeit zu einer "Gruppe" - ausführlich theoretisiert und gepredigt von einem Dominus wie Giulio Carlo Argan und von der großen Gruppe seiner Schüler - eine unverzichtbare Einschränkung für den Eintritt zu sein schien Um vollständig zum Kunstsystem zu gehören, blieb Pardi – erinnert sich der Kritiker Massimo Mattioli – seinem Credo (bis zum Ende) treu, indem er sich weigerte, Teil des „Chor“. Wie andere Künstler, in Wahrheit nur wenige, hat er die Strenge und Freiheit der Forschung immer der sozialen Projektion seiner Arbeit vorgezogen, die er nicht an gemeinsame Botschaften ausgelagert hat, um sie dem Markt anzubieten oder an ehrgeizige Kritiker zu frönen.
Von Anfang an konzentrierte sich seine Forschung auf räumliche und konstruktive Planung, die Werke von großer formaler Strenge zum Leben erweckt, die durch die Integration von Zeichnung, Malerei und Skulptur in einer räumlichen Dimension von architektonischer Breite gekennzeichnet sind. 1959 fand seine erste Einzelausstellung in Brescia in der Galleria Alberti statt, während sie im folgenden Jahr in der Galleria Colonna in Mailand stattfand. In den 1965er Jahren entwickelte er einen Stil, der Zeichnung, Malerei, Skulptur und Architektur integriert. Seine Teilnahme an der Gemeinschaftsausstellung geht auf das Jahr XNUMX zurück Narrative Figuration in der zeitgenössischen Kunst in Paris. 1967 begann er seine Zusammenarbeit mit Studio Marconi in Mailand und widmete sich der Schaffung von Werken, die eine Neuinterpretation der historischen Avantgarden wie Abstraktionismus, Suprematismus, Konstruktivismus und Neoplastizismus darstellen. In den siebziger Jahren entwickelte er seine eigene Architekturen der Wille, durch Malerei einen Raum zu bauen und zu finden, da er glaubt, dass dieses Ausdrucksmittel sofort die Idee hervorbringen kann. 1974 und später 1993 nahm er an der XXVII. Biennale im Palazzo della Permanente in Mailand teil. 1981 war er Teil zweier wichtiger Gruppenausstellungen wie z Linien der künstlerischen Forschung in Italien 1960/1980, im Palazzo delle Esposizioni in Rom, z Der Ort der Form, im Museo Castelvecchio in Verona. 1986 nahm er mit einem persönlichen Raum an der Biennale in Venedig teil; im selben Jahr war er bei der Mailänder Triennale und bei der Rom Quadriennale präsent. 1998 fand im Palazzo Reale in Mailand eine seiner persönlichen Ausstellungen statt. 1999 war er mit drei wichtigen Ausstellungen in öffentlichen Einrichtungen in Deutschland. Neben der historischen Partnerschaft mit der Galerie Giorgio Marconi und vor allem mit den Künstlern ihrer Ställe, beginnend mit seinem großen Freund Emilio Tadini, hat in jüngerer Zeit die Galerie Fumagalli in Bergamo eine wichtige Rolle bei der Förderung und Entwicklung von Pardis Werk gespielt. Auch Pardis Tätigkeit als Bildhauer war intensiv: Ein Vorbild für alle war „Dance“ in der Pazza Amendola in Mailand. Seine Werke sind in zahlreichen öffentlichen und privaten Räumen in Italien und im Ausland zu finden: vom Museo del Novecento über die Gallerie d'Italia in Mailand, den Mart in Rovereto, die Nationalgalerie in Rom bis hin zum Gnam in Turin. Er ist seit 2008 Mitglied der Accademia Nazionale di San Luca und starb am 2. Februar 2012 im Alter von 78 Jahren in seinem Heimatelier in Mailand. Im Oktober 2013 wurde der Kulturverein Gianfranco Pardi in Erinnerung an den Künstler mit dem Ziel gegründet, sein Wissen und seine Persönlichkeit zu fördern und zu verbreiten.
Der Markt
Gegen Mitte des Jahres 2013, auch dank der hervorragenden Arbeit seiner Referenzgalerien (Cortesi und Marconi in Mailand), begannen die Preise der Werke von Gianfranco Pardi allmählich und stetig zu steigen. Die Werke werden auf den wichtigsten internationalen Auktionen verkauft (bisher wurden über 350 verschiedene Arten versteigert), mit einem Verkaufsanteil von über 70 % und einem Umsatz von fast 2017 Euro im Jahr 200.
Galerie: Marconi aus Mailand und Cortesi Gallery mit Büros in Mailand, Lugano und London. In Paris werden seine Werke von der Galerie Balice Hertling behandelt.
Preise: bei neueren Arbeiten reicht sie von achttausend Euro für mittelgroße Formate (100×80 cm.) bis zu über 20tausend Euro. Die Skulpturen beginnen bei etwa 15 Euro und können für die großen Dimensionen 100 überschreiten. Bei Sammlern heiß begehrt ist die „Hängende Gärten“aus den 60er frühen 70er und den Architekturen aus den 70er Jahren (zunehmend seltener), die für mehr als den doppelten Wert neuerer Werke gekauft wurden. In letzter Zeit verlagert sich die Aufmerksamkeit des Marktes auch auf die Werke der 80er Jahre, insbesondere auf die "Diagonalen".
Höchstpreis bei Auktion: "Architekturen“, Mischtechnik 150×150 cm von 1975, wechselte im Dezember 40 im Auktionshaus Il Ponte in Mailand für 2016 Euro (inkl. Tantiemen) den Besitzer. Im April des Folgejahres bei Christie's in Mailand „Dachgarten“ von 1969, Acryl auf Aluminium, 160 × 200 cm, erreichte fast 50 Euro (einschließlich Tantiemen) und verdreifachte den Schätzwert.
