Getaran Afrika: di Opificio Golinelli sebuah perjalanan melalui karya-karya Afrika dari Koleksi Marino dan Paola Golinelli
Karya Joël Andrianomearisoa (Antananarivo, Madagaskar, 1977), Abdoulaye Konaté (Diré, Mali 1953), Gonçalo Mabunda (Maputo, Mozambik, 1975), Cameron Platter (Johannesburg, Afrika Selatan, 1978), Pascale Marthine Tayou, (Yaoundé, Kamerun , 1967), Ouattara Watts, (Abidjan, Ivory Coast, 1957), semuanya dibuat dalam dekade terakhir, dalam jalur yang koheren dengan pendekatan multidisiplin dan didaktik terhadap seni yang diusulkan oleh Yayasan Golinelli melalui kegiatan area proyek Seni, Sains dan Pengetahuan, terutama melalui pameran-pameran besar yang diadakan setiap tahun sejak 2010.
Sebelas karya yang ditampilkan di Opificio Golinelli dipilih dari sekitar 11 karya dalam Koleksi Golinelli. Berbeda satu sama lain dalam bahasa yang digunakan dan dalam ekspresi puisi individu, mereka digabungkan oleh penggunaan umum teknik yang sangat ditandai oleh keahlian, oleh pemulihan dan transformasi bahan yang ditemukan, dengan menempatkan diri mereka di tengah-tengah budaya asal dan pengalaman barat. Karakteristik yang akan dieksplorasi dalam kegiatan pengajaran dan laboratorium yang diusulkan oleh tutor Yayasan Golinelli, mengerjakan tema, seperti penggunaan kembali, yang tidak hanya benar secara politis dan antropologis tetapi saat ini merupakan salah satu bentuk ekspresif yang paling canggih dan terkini. penelitian tidak hanya dalam seni tetapi juga dalam desain, arsitektur, bahkan bioskop.
Jean Apollinaire Tayou lahir di Yaoundé, Kamerun pada tahun 1967. Pada pertengahan tahun sembilan puluhan, dia mengubah namanya, menolaknya menjadi feminin, sehingga menjadi Pascale Marthine Tayou. Karya Tayou terkait erat dengan ide perjalanan dan perjumpaan dengan yang lain. Bagi para pelancong Pascale Tayou bukan hanya kondisi kehidupan, tetapi kondisi psikologis, mengeksplorasi tema-tema kontemporer seperti identitas, apropriasi budaya, permeabilitas perbatasan dalam kaitannya dengan migrasi manusia. Tayou menjadikan kondisi imigrannya sebagai ekspresi dari seluruh generasi pria dan seniman: mereka yang menempatkan diri mereka "di tengah-tengah" antara budaya asli mereka dan pengalaman Barat; Afrika dalam semangat tetapi pada saat yang sama warga Eropa baru; disorientasi dan pasca-kolonial. Dalam pahatan bentuk manusia yang penuh warna di Fashion Street, Tayou menggabungkan kaca, spons, wol, plastik, kulit, manik-manik dan kerang laut, dan bahan daur ulang lainnya dalam sebuah karya yang sangat terkait dengan latar belakang budaya spesifiknya. “Gaun” yang dikenakan para tokoh terinspirasi dari bentuk suku Afrika, dipadukan dengan benda-benda yang berasal dari masyarakat konsumen Eropa. Patung itu sendiri dibangun dengan kaca yang diproduksi beberapa kilometer dari Florence.
Para artis…
Lahir di Abidjan (Pantai Gading) pada tahun 1957, Ouattara Watts belajar di sekolah agama, dan menerima inisiasi awal ke dalam ritual perdukunan, meskipun tinggal di kota besar dan karena itu juga terkena budaya urban. Sebuah kondisi yang mengangkangi modernitas dan tradisi yang akan tercermin dalam karya-karyanya. Pada tahun 1977 dia pindah ke Paris untuk belajar di École Nationale Supérieure des Beaux-Arts. Di ibu kota Prancis, pada akhir tahun delapan puluhan, dia bertemu Jean Michel Basquiat, yang menjadi temannya, yang akan meyakinkannya untuk pindah ke New York, di mana dia masih tinggal sampai sekarang. Penulis lukisan warna, bahan, dan tanda hipnotis yang semarak, Watts mengeksplorasi identitas multikultural dan rasa spiritualitas dalam masyarakat kontemporer. Seiring waktu ia telah mengembangkan kode ekspresif yang kaya, alfabet bentuk, angka, huruf, simbol ilmiah dan agama, yang ia gunakan, menggabungkannya dengan penggunaan benda-benda yang ditemukan dan didaur ulang, fotografi dan media lain, untuk mengkomunikasikan dinamika dan puitisnya. visi masyarakat dan sejarah dan pendekatan pribadinya terhadap metafisika. Karya-karyanya membangkitkan Afrika leluhur tetapi juga pengaruh seniman seperti Picasso atau Cy Twombly, tetap seolah-olah tergantung di antara dua dunia, menciptakan jembatan di antara mereka. “Visi saya tidak didasarkan pada milik suatu negara atau benua – kata sang seniman – tetapi melampaui geografi, melampaui apa yang dapat dilihat di peta. Sekalipun beberapa elemen gambar saya dapat dirujuk ke budaya tertentu, dan dengan demikian dipahami dengan lebih baik, pekerjaan saya menyangkut sesuatu yang jauh lebih luas, itu menyangkut Kosmos”. Le Fleurs du Mal I mengutip koleksi puisi Baudelaire yang terkenal - yang berhubungan dengan tema metafisik, teologis dan eksotis - dan menggabungkan penggunaan kain oriental yang berharga, gambar figur setan, garis angka yang melambangkan rute budak dan bentuk biomorfik atau dasar, ditelusuri menurut bentuk improvisasi yang mengingatkan pada jazz.
Seniman Afrika Selatan Cameron Platter (Johannesburg, 1978, tinggal di Cape Town dan KwaZulu Natal) menganggap karyanya sebagai bentuk reportase, yang menggambarkan apa yang dia lihat di sekitarnya: «klub malam, makanan cepat saji, cerita kriminal, dunia seni , TV, film, politik, konsumerisme…». Realitas, dengan variasinya yang tidak ada habisnya dan kompleksitasnya yang luar biasa, memberinya repertoar gambar yang kemudian disebarkan oleh seniman melalui banyak media: menggambar, melukis, memahat, fotografi, permadani, gambar dinding, video. Apa yang biasa dan marjinal dalam karyanya dipenuhi dengan makna yang menghasut, dikomunikasikan dengan cara yang sangat langsung, kecaman terhadap konsumerisme, degradasi, ketidaksetaraan, konflik laten yang melanda masyarakat Afrika Selatan. Bahasa langsung dan subversifnya terinspirasi oleh dunia masa kanak-kanak dan seni populer, tetapi juga oleh linocut dari master seni Afrika Selatan seperti John Muafangejo dan oleh poster protes. Risikonya adalah gambar pastel besar di atas kertas, teknik yang banyak digunakan oleh seniman, dengan bidang warna datar dan penggunaan hitam putih yang sangat grafis yang membuat karya tersebut terlihat seperti ukiran. Itu milik serangkaian karya format besar yang dianggap Platter sebagai "Mural Nomaden", menurut definisi permadani Le Courbusier. «Apa yang Anda lakukan itulah yang membuat Anda berisiko !!!» (Apa yang Anda lakukan itulah yang membuat Anda berisiko!!!) kami membaca di tengah pekerjaan. Tulisan itu disertai dengan gambar ayam betina yang menempati hampir seluruh permukaan, menonjol dengan latar belakang yang dihiasi motif stilisasi dari ratusan telur yang baru saja keluar. Hewan sering digunakan dalam karya Platter sebagai cermin perilaku manusia. Dalam hal ini rujukannya adalah peningkatan konstan dalam ritme produksi, jam kerja yang semakin penuh dan lebih lama, terutama untuk pekerja yang kurang terampil, yang kontras dengan kebutuhan fisiologis untuk istirahat dan istirahat, meningkatkan risiko sakit, cedera, stres.
Judul yang dipilih Joël Andrianomearisoa (Antananarivo, Madagascar, 1977) untuk karya ini bukanlah suatu kebetulan: Tanpa Judul – Beberapa Hal favorit saya. Padahal, karya tersebut menghadirkan beberapa elemen karakteristik dari karyanya. Pertama-tama bahan yang digunakan: kain, yang mengingatkan pada pelatihannya, yang dimulai pada usia dua belas tahun di akademi mode di Madagaskar asalnya. Kedua bentuknya: geometris radikal. Ketiga, warna: hitam, yang menawarkan artis «kemungkinan tak terbatas. Di setiap bagian, saya harus menemukan variasi spektrum hitam, posisi hitam yang berbeda. Ini bukan hanya warna, tapi juga sikap… itu bertujuan universal». Setelah studi pertamanya di Madagaskar asalnya, Andrianomearisoa melanjutkan pelatihannya di Paris, Ecole Speciale d'Architecture, di mana dia menjadi murid Odile Decq, merasakan efek atmosfer "gelap" yang menjadi ciri karya arsitek terkenal itu. Dia kemudian sampai pada konsepsi yang dia sebut «archi-clothing»: sebuah praktik yang menempati wilayah campuran antara seni, mode, desain, arsitektur. Permadani persegi panjang yang besar ini juga berpartisipasi dalam kontribusi antara sektor-sektor yang berbeda ini, terdiri dari potongan-potongan kain geometris yang menurun dalam skala hitam yang tak terbatas, dalam lapisan yang tumpang tindih yang mencapai kepadatan tiga dimensi dan pahatan. Sebuah karya yang muncul dari serangkaian manipulasi yang dalam pembuatannya berujung pada hasil akhir, hasil dari kebutuhan untuk dikejutkan oleh benda-benda yang lahir dari tangan sendiri.
Gonçalo Mabunda (Maputo, 1975) bekerja pada memori kolektif negaranya, Mozambik, yang mengalami perang saudara yang panjang dan mengerikan yang dimulai ketika ia masih kecil, tak lama setelah kemerdekaan dari Portugal pada akhir penjajahan selama lima abad. Patung-patungnya dibuat dengan senjata yang disita dari para gerilyawan di akhir konflik, yang berlangsung dari tahun 1977 hingga 1992. Didaur ulang dalam bentuk antropomorfik yang mengacu pada topeng tradisional Afrika - berbeda di setiap wilayah benua dan menjadi sumber inspirasi bagi banyak orang. Seni Barat, dari Picasso hingga Braque hingga yang lebih kontemporer Thomas Houseago- senjata yang digunakan oleh Mabunda memiliki makna kecaman politik yang kuat tetapi, pada saat yang sama, menawarkan refleksi positif tentang kemampuan seni untuk mengubah sesuatu. Kemampuan yang dimiliki khususnya kreativitas Afrika, ahli dalam mendaur ulang apa yang sudah ada, sering kali limbah atau bahan yang tidak berharga, memberi kehidupan pada karya yang indah. Mengejutkan, ironis dan imajinatif, topeng diapit, dalam karya Mabunda, oleh karya yang lebih besar berbentuk singgasana, tampaknya mirip dengan ekspresi seni istana Afrika yang sangat dicari oleh kolektor internasional. Juga dibuat dengan senjata yang dinonaktifkan, mereka menyajikan referensi terbuka ke simbologi kekuasaan kesukuan, dengan maksud mencela tanggung jawab politisi atas situasi ketidakstabilan yang sekali lagi menimbulkan kekerasan di negara tersebut. Mozambik adalah satu-satunya negara di dunia yang memiliki senjata api sebagai simbol di benderanya.
Abdoulaye Konaté (1953, Diré. Lives in Bamako) adalah seniman Mali yang paling dikenal di benua Afrika. Penelitiannya bergerak di antara konflik dunia modern dan tradisi artisan di negara asalnya. Ciri khas gayanya adalah "permadani" format besar di mana ratusan helai kain yang diwarnai dengan tangan, terutama kapas (salah satu tanaman dasar Mali), mengalir ke bawah dan digabungkan dalam efek kromatik yang memukau. Dengan karya-karya tersebut, sang seniman mengacu pada tradisi Afrika Barat yang menggunakan kain sebagai sarana peringatan dan komunikasi. Awalnya berorientasi pada abstraksi, penelitian Konaté kemudian membuka lebih banyak referensi ke realitas dan sosial, menghubungkan dirinya dengan peristiwa terkini geopolitik, ke tema-tema seperti perang, perebutan kekuasaan, agama, globalisasi, perubahan ekologi dan epidemi AIDS. Dalam beberapa tahun terakhir banyak dari karyanya mengacu pada perang saudara di Mali antara pasukan pemerintah, separatis Tuareg dan pemberontak Islam, mengkritik semua bentuk kekerasan yang dimotivasi oleh istilah agama atau etnis. Khusus dalam rencana perjalanan Konatè adalah karya Koré Dugaw (Mali), sebuah instalasi yang terdiri dari permadani besar dengan figur-figur bertopeng dan benda-benda simbolis khas salah satu perkumpulan inisiasi Bambara, Koré, dan manekin yang mengenakan jubah berjumbai berwarna-warni. Dalam kata-kata penulis, “karya monumental ini merupakan penghargaan kepada kelompok inisiat Korè Dugaw, sangat penting bagi budaya Mali karena mewakili bagian masyarakat yang paling terbuka. Memang, para inisiat diberikan kebebasan total untuk berekspresi: mereka dapat mengekspresikan diri mereka dengan bebas dan mengkritik semua aspek masyarakat, bahkan meluncurkan kritik keras terhadap eksponen politik, budaya, dll. Jubah fetish juga menjadi pelindung di sini dan mewakili peran otoritas absolut dari 'pendeta ide' ini.
