Die Ausstellung mit dem Titel „Philip Guston and The Poets“ reflektiert die Art und Weise, wie der Künstler in Beziehung zu den Inspirationsquellen trat, und untersucht fünf grundlegende Dichter des zwanzigsten Jahrhunderts, die die Katalysatoren für die rätselhaften Gemälde und Visionen von Philip Guston waren Guston. Fünfzig Jahre von Gustons künstlerischer Laufbahn werden durch die Ausstellung von 50 Gemälden, die zu seinen Meisterwerken zählen, und 25 grundlegenden Zeichnungen aus der Zeit von 1930 bis 1980, dem letzten Lebensjahr des Künstlers, nachgezeichnet. So werden Parallelen zwischen den humanistischen Themen, die sich in diesen Werken widerspiegeln, und der Sprache und Prosa von fünf Dichtern gezogen: DH Lawrence (Großbritannien, 1885 – 1930), WB Yeats (Irland, 1865 – 1939), Wallace Stevens (USA, 1879 – 1955), Eugenio Montale (Italien, 1896 – 1981) und TS Eliot (England, gebürtiger Amerikaner, 1888 – 1965).
Die Ausstellung „Philip Guston und die Dichter“, die bis zum 3. September geöffnet ist, wird von Kosme de Barañano kuratiert und von der Gallerie dell'Accademia in Venedig in Zusammenarbeit mit dem Nachlass von Philip Guston organisiert. Die Ausstattung der Ausstellung wird vom Atelier GRISDAINESE aus Padua kuratiert.
Die Ausstellung ist eine „Premiere“ von Philip Guston in der Stadt, die sein Werk nachhaltig beeinflusst hat, und zugleich eine Hommage an die Beziehung des Künstlers zu Italien. Schon in jungen Jahren ließ er sich bei der Erstellung von Wandgemälden von Renaissance-Fresken inspirieren, und tatsächlich blieb diese Liebe zur italienischen Malerei ein Leitmotiv während seiner gesamten Karriere.
In einem Brief von 1975 an seinen Freund Bill Berkson, einen wichtigen Dichter, Kritiker und Lehrer, erklärte Guston: „Ich bin mehr denn je in die Malerei des XNUMX. und XNUMX. Jahrhunderts vertieft! Und wenn ich in den Norden nach Venedig gehe, verliere ich vor Tiepolo, Tintoretto und den sogenannten manieristischen Werken von Pontormo und Parmigianino den Verstand und verrate meine erste Liebe.“
Paola Marini, Direktorin der Gallerie dell'Accademia, erklärt: „Wir freuen uns, die erste Ausstellung über Philip Guston in Venedig präsentieren zu können. Die Rückkehr des Künstlers in unsere Stadt ist besonders relevant, da er hier in eine Geschichte und ein Erbe eintauchte, die für seine spätere künstlerische Entwicklung wichtig waren. Wir wissen aus seinen eigenen Schriften aus seiner italienischen Zeit, dass die Gemälde, die er in den Sälen der Akademie bewunderte, einen enormen Einfluss auf seine künstlerische Vision ausübten. Gustons Arbeit zu kontextualisieren, sein Studium und eine neue Interpretation zu fördern, ist für uns eine wahre Freude.“
Musa Mayer, Tochter des Künstlers und Präsidentin der Philip Guston Foundation, erinnert sich: „Anlässlich von Gustons Ausstellung im Pavillon der Vereinigten Staaten auf der Biennale in Venedig 1960 nahm mein Vater meine Mutter und mich vor meiner Abreise zum College mit nach Italien . Venedig und die Accademia Galleries waren unsere allererste Station. Mehr als ein halbes Jahrhundert später habe ich noch immer starke Erinnerungen an seine Liebe zu den großen Meisterwerken der italienischen Kunst. Mein Vater wäre zutiefst bewegt und geehrt von dieser wunderbaren Gelegenheit, seine Werke in der Gemäldegalerie auszustellen, die er so sehr liebte."
„Gustons Liebe zu Italien verleiht seiner Malerei eine komplexe und reiche Texturtiefe“, schrieb Kurator Kosme de Barañano. „Wenn wir nun seine Kunst mit den Augen und der Prosa der Literaten betrachten, die seine Verwandten waren – von denen er einige sein ganzes Leben lang anzog und von denen er schöpfte, andere las er nur gelegentlich –, können wir studieren, wie sich ihre Worte teilen eine Affinität zur Komplexität von Gustons späteren Werken".
die Ausstellung
„Philip Guston and The Poets“ ist nach thematischen Kernen von Werken organisiert, die sich auf eine Auswahl von Schriften und Gedichten der fünf Dichter beziehen. Ausgehend von DH Lawrences Essay „Making Pictures“ aus dem Jahr 1929 wird Gustons Malerei durch eine Auseinandersetzung mit seiner Bilderwelt vorgestellt, die von einer Reflexion über den kreativen Akt zu einer Reflexion über die Möglichkeiten der Malerei führt. Mit Werken, die sowohl zu seinem jugendlichen als auch zu seinem reiferen Werk gehören, taucht die Ausstellung in Philip Gustons intime Reise zu einem „visionären Bewusstsein“ ein, d. h. der sich ständig weiterentwickelnden Beziehung zu Formen, Bildern, Ideen und ihrer physischen Manifestation.
Was die Beziehung zu den Schriften von Yeats betrifft, findet Gustons Reise auf der Suche nach einer persönlichen Vision der Malerei insbesondere durch das Gedicht „Byzantium“ von 1930 statt. Wie bei Yeats gibt es auch in Gustons künstlerischer Entwicklung Hinweise auf die Agonie und Reinigung. Der Künstler bewegt sich weg von den verfeinerten Grenzen der Moderne, von der Sprache der Abstraktion und von den Kanons der New York School hin zu einer neuen, expressiveren Bildstruktur, die er figurativ nachzeichnet.
Vom Italiener Eugenio Montale, mit dem Guston eine Poetik des Fragments teilt, die durch tragische und kraftvolle Symbole zum Ausdruck kommt, bis hin zu Wallace Stevens und TS Eliot (auf die sich Guston in dem Gemälde „East Coker – TSE“ von 1979 ausdrücklich bezieht), Die Ausstellung bietet einen literarischen Überblick über Metaphysik, Rätsel und Sinnsuche, wie sie in Gustons Werk auftauchen. Gustons Werk wird in Bezug auf das poetische Umfeld präsentiert und nicht in einer chronologischen oder Trendfolge, wie es bei traditionelleren Ausstellungen der Fall ist. Der kuratorische Ansatz von „Philip Guston and The Poets“ ermöglicht daher eine erneute Lektüre und eine in gewisser Weise beispiellose Neubewertung seiner Arbeit.
Der enorme Einfluss, den Italien auf Guston und seine Malerei hatte, wird dank der für die Gallerie dell'Accademia konzipierten Installation hervorgehoben. 1948 besuchte ein junger Guston zum ersten Mal Italien, nachdem er mit dem Prix de Rome ausgezeichnet worden war. Er kehrte 1960 erneut zurück, als seine Arbeiten auf der Biennale in Venedig ausgestellt wurden, und erneut 1970 für einen Künstleraufenthalt in Rom. Dieser weiteren Italienreise folgte die Welle der Kritik an seiner ersten Ausstellung figurativer Malerei in New York. Gustons eher existentialistische Leinwände, die von manchen als "roh" und "karikaturartig" angesehen werden, sind vom Einfluss der italienischen kulturellen und künstlerischen Tradition durchdrungen: von den alten und modernen Stadtansichten, die seine Rom gewidmeten Serien bevölkern, bis hin zu den Referenzen Neben Federico Fellinis Filmen zeigt sein Werk eine große Schuld gegenüber den großen italienischen Meistern: Masaccio, Piero della Francesca, Giotto, Tiepolo und De Chirico, denen er in „Pantheon“ von 1973 huldigt. Und sie werden es wieder sein zeigte von der Renaissance inspirierte Gemälde, Werke, die auf Cosmè Tura und Giovanni Bellini anspielen, sowie Werke, die Guston auf seinen Reisen schuf.
Philip Guston
Philip Guston (1913 – 1980) ist eine der großen Koryphäen der Kunst des 1930. Jahrhunderts. Sein Engagement für die Produktion von Werken, die aus Emotionen und gelebten Erfahrungen entstehen, entwickelt eine emotionale Beteiligung, die im Laufe der Zeit lebendig bleibt. Gustons bewegte Karriere erstreckt sich über fast ein halbes Jahrhundert, von 1980 bis XNUMX, und seine Gemälde, insbesondere die seiner späteren Jahre, üben weiterhin einen starken Einfluss auf jüngere Generationen zeitgenössischer Maler aus.
Guston wurde 1913 in Montreal als Sohn einer Familie russisch-jüdischer Emigranten geboren und zog 1919 mit seiner Familie nach Kalifornien. Er besuchte 1930 kurz das Otis Art Institute in Los Angeles, aber außerhalb dieser Erfahrung erhielt er nie eine angemessene formale Ausbildung. 1935 verließ Guston Los Angeles nach New York, wo er schon früh Erfolg hatte, als die Works Progress Administration im Rahmen des Federal Arts Project Wandmalereien von Künstlern in Auftrag gab. Neben dem starken Einfluss, den das soziale und politische Umfeld der XNUMXer Jahre auf Guston ausübte, erinnern seine Gemälde und Wandmalereien an stilisierte Formen von De Chirico und Picasso, Motive aus der Traktion mexikanischer Wandmalereien und der Fresken historischer Häuser der Renaissance. Die Erfahrung als Wandmaler ermöglichte es Guston, den Sinn für groß angelegtes Geschichtenerzählen zu entwickeln, zu dem er in seinen späteren figurativen Arbeiten zurückkehren würde.
Nachdem Guston mehrere Jahre im Mittleren Westen unterrichtet hatte, begann er, seine Zeit zwischen der Künstlerkolonie Woodstock und New York City aufzuteilen. In den späten XNUMXer Jahren, nach einem Jahrzehnt des Experimentierens mit einer persönlichen allegorischen und figurativen Sprache für seine Staffeleibilder, begann Guston, sich der Abstraktion zuzuwenden. Sein Studio in der Tenth Street stand in der Nähe von denen von Pollock, De Kooning, Kline und Rothko.
Gustons abstrakte Werke waren nun in einer neuen Spontaneität und Freiheit verankert, ein Prozess, den der Kritiker Harold Rosenberg später als „Action Painting“ bezeichnete. In den frühen XNUMXer Jahren führten Gustons atmosphärische Abstraktionen zu flüchtigen Vergleichen mit Monet, aber im Laufe des Jahrzehnts arbeitete der Künstler mit dickeren pastosen und bedrohlichen Farben, die Grau, Rosa und Schwarz wichen.
1955 wandte er sich zusammen mit anderen Künstlern der New York School an die Sidney Janis Gallery und gehörte zu denen, die sie 1962 aus Protest gegen die Pop-Art-Ausstellung, die Janis organisiert hatte, und gegen die Verschiebung zugunsten der Kommerzialisierung der Kunst, die diese Ausstellung repräsentierte, verließen für Sie. Nach einer großen Retrospektive im Solomon R. Guggenheim Museum in New York im Jahr 1962 wurde Guston ungeduldig mit einer Sprache der reinen Abstraktion und begann erneut mit greifbareren Formen zu experimentieren. Die Arbeit der folgenden vielen Jahre war daher geprägt von der Verwendung von Schwarz und der Einführung von leuchtenden Grün- und Kobaltblautönen – insgesamt verstörend, verstörend und gestisch. Dieses dunklere Werk wurde von europäischen Schriften und Philosophie beeinflusst, insbesondere von den Werken von Kierkegaard, Kafka und Sartre. Zu diesem Zeitpunkt zog sich Guston aus der New Yorker Kunstszene zurück, um für den Rest seines Lebens in Woodstock zu leben und zu arbeiten.
Bis 1968 hatte Guston die Abstraktion aufgegeben und so das narrative Potenzial der Malerei wiederentdeckt und surreale Motive und Kombinationen von Objekten in seinem Werk erforscht. Diese „Befreiung“ führte zur produktivsten Zeit seines gesamten Schaffenslebens. In den nächsten Jahren entwickelte er ein persönliches Lexikon aus Glühbirnen, Büchern, Uhren, Städten, Zigaretten, herrenlosen Schuhen und vermummten Ku-Klux-Klan-Figuren. Seine malerische Ausdruckskraft der siebziger Jahre war oft ein offener autobiografischer Bezug zur Natur: Die Figur des von einer Kapuze maskierten Künstlers tauchte oft wieder auf, oder zarte Porträts seiner Frau Musa, oder auch ein semi-abstrakter, in einen Kokon gehüllter Guston. Das Spätwerk offenbart auch Anklänge an Gustons frühes Leben, die religiösen und rassischen Verfolgungen, die er miterlebte, und den Selbstmord seines Vaters. Seine neuesten Arbeiten besitzen eine wachsende Freiheit, die unter Künstlern seiner Generation einzigartig ist. Mitte der XNUMXer Jahre tauchten seltsame ikonische Formen auf, die noch nie zuvor gesehen wurden. „Wenn ich von einem Thema spreche, das gemalt werden soll, meine ich, dass es einen vergessenen Ort von Wesen und Dingen gibt, an den ich mich erinnern muss“, schrieb Guston in einer Studiennotiz. „Ich möchte diesen Ort sehen. Ich male, was ich sehen will“.
Gustons Spätwerk wurde von Kritikern nicht leicht akzeptiert und blieb bis zu seinem Tod 1980 weitgehend missverstanden. Sein Werk wurde nach einer Wanderretrospektive im Museum of Modern Art in San Francisco, das drei Wochen vor seinem Tod eröffnet wurde, radikal neu überdacht. In den folgenden Jahren wurden weitere Retrospektiven und Monografien in den Vereinigten Staaten, Europa und Australien abgehalten. Heute zählen Gustons letzte Gemälde zu den bedeutendsten Werken des XNUMX. Jahrhunderts.
Hinweis zur Redaktion
Kosme de Barañano ist ein emeritierter Gelehrter von Guston. Neben vielen Projekten hat er zwei wichtige Ausstellungen organisiert: „Philip Guston: Roots of Drawings“ (Rekalde, Bilbao 1993) und „Philip Guston One Shot Paintings“ (IVAM, Valencia 2001). Als international bekannter Kunsthistoriker und Kurator war De Barañano Direktor des IVAM und stellvertretender Direktor des Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofìa in Madrid. Er promovierte in Kunstgeschichte an der Universität Deusto, Bilbao. De Barañano ist Professor für Kunstgeschichte an der Universität des Baskenlandes und an der Universität Elche, Spanien, und war Gastprofessor am IUAV in Venedig und an der Humboldt-Universität in Berlin. Er hat zahlreiche Bücher und Essays zu einer Vielzahl von Themen signiert, von Pontormo und Max Beckmann bis zu Alberto Giacometti und Eduardo Chillida.
Philip Guston: Maler, 1973, Öl auf Leinwand, 72 3/4 x 80 1/2 Zoll. Privatsammlung. © Der Nachlass von Philip Guston. Mit freundlicher Genehmigung von Hauser & Wirth
