„Mit offenen Augen“ lautet die Vorfreude, oder vielmehr die Vorschau auf ein neues großes Museum in Moskau, das des russischen Impressionismus, das im kommenden Herbst in der russischen Hauptstadt seine Pforten öffnen wird. Um anzukündigen und das Bewusstsein dafür zu schärfen, was dazu bestimmt ist, eines der "Must-See-Museen" für jeden Touristen zu sein, der nach Moskau reist, hat die Leitung der zukünftigen Institution beschlossen, die Eröffnung für die Öffentlichkeit mit zwei wichtigen Vorschauen vorwegzunehmen: dem Die erste fand Anfang des letzten Herbstes in Russland im Ivanovo-Museum statt, und jetzt ist Venedig an der Reihe, die einzige Station im Ausland. Hier, vom 13. Februar bis 12. April, kann das italienische und internationale Publikum im Palazzo Franchetti 50 Meisterwerke des künftigen Moskauer Museums bewundern, die Besten der Besten seiner beeindruckenden Kunstsammlung. Eine äußerst raffinierte "Visitenkarte", um eine Kollektion von sicher internationalem Interesse anzukündigen.
Die venezianische Ausstellung wird kuratiert von Yulia Petrova, Direktorin des Museums für Russischen Impressionismus, und von Silvia Burini und Giuseppe Barbieri, Leiter des Center for Studies on the Arts of Russia (CSAR) der Ca' Foscari University und einer Reihe von prestigeträchtige und geschätzte Ausstellungsaktivitäten, die seit 2010 einige wesentliche Aspekte der russischen Kunst der letzten zwei Jahrhunderte in Italien verbreitet haben. Es ist ein interessanter Hinweis auf die ursprüngliche Kulturpolitik und den besonderen Auftrag der Moskauer Institution: durch temporäre Ausstellungen in Russland und im Ausland die Kenntnis einer relevanten Richtung in der russischen Kunst zu fördern, insbesondere jener, die die Zeit zwischen dem XNUMX Ende des XNUMX. und Anfang des XNUMX. Jahrhunderts, eine bis auf einige große Namen noch wenig bekannte Phase der künstlerischen Entwicklung und der internationalen Rolle der modernen russischen Kunst.
Die 50 Werke werden in einem Rundgang ausgestellt, der thematisch zusammenhängende Themen (die Landschaft, die Stadtszene, die Figur in einem Innenraum) mit gebührender, aber nicht immer zwingender Berücksichtigung der Chronologie zusammenführt. Der Moment der größten Blüte des Impressionismus in Russland liegt einige Jahrzehnte nach dem Wendepunkt in der französischen Kunst zwischen dem siebten und achten Jahrzehnt des neunzehnten Jahrhunderts und umfasst insbesondere das letzte Jahrzehnt des Jahrhunderts und den Beginn des nächsten. Dies bedeutet jedoch nicht, dass es als provinzielle Variante der französischen oder gar als sporadische Wahl der Art eines Malers angesehen werden kann. Tatsächlich war der Impressionismus bereits zum zeitgemäßen Bezugspunkt für die Arbeit von Landschaftsmalern wie Fedor Vasil'ev geworden, er hatte die Forschung von Polenov und Repin nach ihrem Aufenthalt in Frankreich beeinflusst und dank dieser Meister bald zum Studienobjekt für die Studenten der Moskauer Schule für Malerei, Architektur und Bildhauerei werden, von denen einige – wie Konstantin Juon, Petr Petrovicev und Stanislav Žukovsky, die alle in der Ausstellung anwesend sind – vor, während und während der Ausstellung eine Rolle von herausragender Bedeutung einnehmen sollten nach dem Aufkommen der Avantgarde.
Die Tradition der impressionistischen Malerei setzt sich dann für einen guten Teil des 1973. Jahrhunderts fort und wird in der Ausstellung mit Werken von Koncalovsky, Grabar', Kustodiev, Baranov-Rossiné und anderen unvermuteten Malern wie Sergej Gerasimov oder Georgij dokumentiert Savickij, und sogar mit Künstlern, die eng mit dem sozialistischen Realismus verbunden sind, wie Aleksandr Gerasimov und Dmitrij Nalbandjan. Andererseits zeigt das Leitbild der Ausstellung – Pimenovs Posters in the Rain (XNUMX) – deutlich, wie die impressionistische Matrix auch die Zeit des poststalinischen Tauwetters mit einiger Erleichterung charakterisiert.
Kurz gesagt, die venezianische Ausstellung bringt die ersten expliziten Überarbeitungen und Überarbeitungen der französischen künstlerischen Revolution zusammen, hebt die hartnäckige Beharrlichkeit dieses Ansatzes zur Darstellung des individuellen Lebens und seiner Szenarien für einen guten Teil des zwanzigsten Jahrhunderts hervor und unterstreicht die anhaltende Relevanz dieser Matrix. Aus diesem Grund spannt sich der chronologische Bogen der ausgestellten Werke von einigen seltenen frühen Gemälden von Konstantin Korovin, dem berühmtesten Vertreter des russischen Impressionismus, und von Valentin Serov bis in die allerjüngste Zeit mit Malern wie Vladimir Rogozin und Valerij Košljakov, die sie durchaus als „Impressionisten“ im strengen Sinne bezeichnen können, für die aber die Forschung ihrer Vorgänger am Ende des XNUMX.
Das Museum des Russischen Impressionismus in Moskau entstand aus der Privatsammlung von Boris Mints, die vor über zehn Jahren begonnen wurde, auch durch den Ankauf einer Reihe von Gemälden auf dem westlichen Markt, die somit nach Russland zurückgekehrt sind und bald den Besuchern zur Verfügung stehen werden des Museums.
Das Museum für Impressionismus zeigt jedoch nicht nur eine private Sammlung. Es besteht der feste Wille, durch den Einsatz neuer Technologien (von denen einige zum ersten Mal in der Ausstellung in Venedig getestet werden) einen Raum zu schaffen, der Besucher mit unterschiedlichem Hintergrund und auf unterschiedlichen Ebenen einbezieht. Kurz gesagt, das Museum ist als dynamischer, interaktiver Raum konzipiert, in dem die Dauerausstellung von Bildungs- und Forschungsstrukturen und Aktivitäten zu den Sammlungen des Museums selbst begleitet wird. Ein Kinosaal und ein Raum für Wechselausstellungen sind geplant.
Wie wir bereits erwähnt haben, ist die Definition des „russischen Impressionismus“ eine sehr weit gefasste Definition. Das Museum sammelt daher Werke der klassischen Meister der Zeit, die besser auf diesen historischen Trend bezogen werden können, sowie von Malern, die in der impressionistischen Matrix, selbst für nur einen Teil ihrer Karriere, eine unersetzliche Referenz für ihre Forschung und ihre gefunden haben Evolution.
Kunsthistoriker sind es gewohnt, das Erscheinen neuer Kunst in Russland auf 1863 zu datieren (das Jahr von Manets Le déjeuner sur l'herbe und l'Olympia). In jenem Jahr rebellierte eine Gruppe junger Maler gegen die bis dahin unbestrittene Autorität der Petersburger Akademie der Künste. Die wichtigste Folge dieser Geste war die Geburt eines zweiten künstlerischen Einflusspols, Moskau, wo 1870 mit Hilfe des leidenschaftlichen Kunsthändlers Pavel Tret'jakov die Gesellschaft der Wandermaler (Peredvizhniki) gegründet wurde. Ziel war es, mit Wanderausstellungen künstlerisches Wissen außerhalb der großen Städte zu verbreiten. Die Gesellschaft blieb bis 1923 aktiv, organisierte mehr als 50 Ausstellungen und spielte eine wichtige Rolle bei der Eröffnung einer neuen Phase der russischen Kunst.
Die Ästhetik der Peddlers prägte die nachfolgende Generation, bewirkte aber auch eine völlige Neuorientierung der russischen Kunst, die bis dahin den großen europäischen Schulen gefolgt war, ohne wirkliche Originalität zu zeigen. Die Ambulanti zielten entschieden auf Realismus und Engagement im gesellschaftlichen Leben. Ihr wichtigster kultureller Bezugspunkt war Lew Tolstoi, dessen Meinung sie teilten, lange bevor er sie in Cto takoe iskusstvo (Was ist Kunst, 1898) klar darlegte.
Ab 1874 begannen Savva und Elizaveta Mamontov, eine mehr oder weniger dauerhafte Gruppe russischer Künstler auf ihrem Gut Abramtsevo zu versammeln. Die Gründer dieser "Gruppe" waren Repin, Polenov und Valentina Serova zusammen mit ihrem Sohn Valentin, und später kamen die Brüder Viktor und Apollinarij Vasnetsov, Korovin und Vrubel' hinzu. Wir diskutierten, arbeiteten und sprachen über mittelalterliche russische und Volkskunst. Malerei und Bildhauerei wurden praktiziert, aber auch angewandte Kunst (die Abramcevo-Kirche ist das Gemeinschaftswerk von Vasnecov, Polenov und Repin), es gab sogar ein privates Opernhaus, in dem viele Shows aufgeführt wurden, wie Rimsky-Korsakovs The Snow Maiden .
Die Corista (1883) von Konstantin Korovin (1861-1939) ist wahrscheinlich das erste Werk des russischen Impressionismus: Sie war ihrer Zeit voraus und wurde von ihren Zeitgenossen nicht verstanden. Und doch erkennt man die beiden typischen Elemente seines impressionistischen Ansatzes: den Dekorateurismus und die Neigung zur Studienskizze, die sich in seinen ab 1900 entstandenen Pariser Landschaften zeigen. Es sind Abendszenen, die Stadt ist lichtdurchflutet, Korovin haucht ihr Leben ein die Episoden, die sich auf der Straße abspielen, dank großer, impulsiver, fast grober Pinselstriche. In seinen Landschaften herrscht eine theatralische Atmosphäre, was nicht verwunderlich ist, da der Künstler auch ein guter Bühnenbildner war, der vor allem für seine Kreationen für Opern berühmt war.
Korovins Werk nimmt einen zentralen Platz in der Moskauer Tradition ein und ist ein wirkungsvolles Beispiel für den Wunsch lokaler Maler, in ihrer Darstellung von Leben und Schönheit Spontaneität zu erreichen. Bis zum Ende des XNUMX. Jahrhunderts hatten viele Künstler in Moskau einen mehr oder weniger gemeinsamen Stil entwickelt, und diese Entwicklung führte zwangsläufig zur Bildung einer Gruppe, der "Union der russischen Maler", die sich für kurze Zeit der St. Petersburger "Mir iskusstva" (Die Kunstwelt), obwohl es zwischen den beiden Gruppen unüberbrückbare Differenzen gab. Die Moskauer waren, wenn auch in unterschiedlichem Maße, vom Impressionismus dominiert, von der Notwendigkeit der Darstellung des individuellen und gesellschaftlichen Lebens, während die Mitglieder von "Mir iskusstva" bereits zur Moderne tendierten (die russische Variante des Jugendstils, Liberty oder Art Noveau, in eine Art „stilistische Mehrsprachigkeit“). In Russland ist es sehr komplex, zwischen diesen Orientierungen zu unterscheiden, zum einen, weil die beiden Begriffe eng miteinander verbunden sind, zum anderen, weil es an jener starken romantischen Tradition mangelt, auf die sich zeitgenössische europäische Künstler stattdessen berufen konnten.
Ausstellungsort: Palazzo Franchetti
Campo Santo Stefano, San Marco 2847, Venedig
Termine: vom 13. Februar bis 12. April 2015
