Die Ausstellung zeichnet anhand von 16 Skulpturen, 15 Zeichnungen und 14 Fotomontagen eine wichtige Periode im Werk des großen lombardischen Bildhauers nach, die sich mit der Beziehung zwischen Kunst und Architektur in Bezug auf die moderne Metropole befasst.
Die Ausstellung mit dem Titel Francesco Somaini. Ein Bildhauer für die Stadt. New York 1967-1976, kuratiert von Enrico Crispolti und Luisa Somaini, organisiert vom Francesco Somaini Archive in Zusammenarbeit mit der Mailänder Triennale, Analysen anhand von 16 Skulpturen, 15 Zeichnungen und 14 Fotomontagen, die fast ausschließlich aus den Sammlungen des Somaini Archive und aus stammen Italienische Privatsammlungen, das Thema der Beziehung zwischen Kunst und Architektur in Bezug auf die moderne Metropole, in der Somaini sowohl aus theoretischer als auch aus gestalterischer Sicht ein Pionier in Italien und Europa ist. Es ist eine Recherche, die in einer Logik der Überwindung der bisherigen Positionen der "Integration der Künste" betrieben wird, die der Künstler ab den sechziger Jahren entwickelt und den Auswirkungen auf die New Yorker Kultur und Architektur folgt.
Tatsächlich findet Somainis Reflexion über die Stadt Inspiration in der Skyline von New York, einer Metropole, die als Symbol der Moderne gilt und während einer Reihe von Geschäftsreisen in die Vereinigten Staaten gelebt, studiert und fotografiert wurde.
Seine Beziehung zu New York begann 1960 mit einer Einzelausstellung im Italian Cultural Institute in New York. Während seiner Aufenthalte hat er die Gelegenheit, wichtige Kritiker und berühmte Sammler zu treffen, darunter den Architekten Philip Johnson und die Familie Rockefeller, Lydia Winston Malbin, Alan und Janet Würzburger, Joseph Hirshhorn, Seimour H. Knox II und viele andere.
Dieses außergewöhnliche kreative Jahrzehnt in Francesco Somainis Karriere setzte sich 1970 mit der Einweihung großformatiger Skulpturen fort, die für die Städte Baltimore, Atlanta und Rochester entworfen und umgesetzt wurden.
Somaini vertraut seine Ideen einer Sammlung von Entwurfszeichnungen an, die in dem vom Bildhauer selbst und von Enrico Crispolti (Mazzotta, 1972) herausgegebenen Band Urgency in the City veröffentlicht wurden, und entwickelt sie dann auf plastischer Ebene weiter, indem er die Serie von ausführt große imaginative Kraft der Carnifications einer Architektur der Mitte der siebziger Jahre, wie die Sphinx von Manhattan von 1974 und der Koloss von New York von 1976. Skulpturen, die auch als Modelle rätselhafter Gebäude zu verstehen sind, das Ergebnis einer originellen formalen Konzeption das hat seine Wurzeln in der Antike.
Wie Giulio Carlo Argan schreibt, „studierte Somaini gewissenhaft das Problem, das seine Verantwortung als Künstler beinhaltete; und kam zu dem Schluss, dass die historische und soziale Institution der Stadt nicht veraltet ist. Die Stadt behält eine historische Dimension; das Eingreifen und Engagement der Künstler bei der Suche nach einer Lösung ist nicht nur möglich, sondern notwendig und dringend (…). Somainis Annahme ist methodisch und planerisch: Die Aufgabe des Künstlers besteht heute nicht darin, die Stadt zu bauen oder zu rekonstruieren, sondern sie zu interpretieren, ihr Bedeutung zu verleihen“.
Seine Archisculptures wurden später zu Protagonisten einiger beeindruckender Fotomontagen, die mit dem Ziel durchgeführt wurden, ihre utopische Umgebung zu dokumentieren, um "eine prägnantere und schrillere provokative Wirkung zu erzielen - erinnert sich Bruno Zevi".
Die Ausstellung wird von einem bedeutenden Katalog begleitet, der von Skira herausgegeben wird, mit Texten von Francesco Somaini, Enrico Crispolti, Fulvio Irace, Giulio Carlo Argan und Beiträgen von Beatrice Borromeo, Fabio G. Porta Trezzi und Luisa Somaini.
Francesco Somaini wurde am 6. August 1926 in Lomazzo (Como) geboren. Er besuchte Manzùs Kurse an der Brera Academy of Fine Arts und debütierte 1948 bei der National Review of Figurative Arts, die von der Quadriennale von Rom gefördert wurde. 1949 schloss er sein Jurastudium an der Universität Pavia ab. 1950 nahm er erstmals an der Biennale in Venedig teil. Nach einer Phase der Reflexion über die Erfahrungen der internationalen modernen Bildhauerei wandte er sich der abstrakten Kunst zu und erreichte eine sprachliche Autonomie Mitte der fünfziger Jahre mit Werken aus Eisenkonglomerat (Open song, Forza del nascere), die seine Zugehörigkeit zum Movimento Arte Concreta und den Auftakt zur großen informellen Saison markieren.
Er wurde 1956 mit seiner Teilnahme an der XXVIII. Biennale in Venedig der Kritik bekannt. Weltweiter Erfolg mit dem Raum auf der V. Biennale von São Paulo in Brasilien im Jahr 1959, wo ihm der 1. internationale Preis für Skulptur verliehen wird, eine Anerkennung, die den Markt für die Vereinigten Staaten öffnet. 1960 wurde er mit einem persönlichen Raum zur XXX. Biennale in Venedig eingeladen. Im folgenden Jahr nahm er an der Deuxième Biennale de Paris teil, wo er den 1. Preis der französischen Kunstkritik erhielt. In diesen Jahren trifft sein Werk auf die Gunst von Kritikern wie Argan und Tapié. Der am Experimentieren mit Materialien interessierte Künstler gießt seine Werke auch in Eisen, Blei und Zinn, die er dann mit einer Lötlampe angreift und die konkaven Teile poliert, um ihre Ausdruckskraft zu betonen. Es ist die Zeit der Märtyrer und Verwundeten, präsentiert in den verschiedenen Einzelausstellungen in der Galleria Notizie in Turin, im Italienischen Kulturinstitut in New York, in der Galleria Odyssia in Rom und New York, in der Galleria Blu in Mailand und in allen wichtigen Gruppenausstellungen sculpture international.
Am Ende der informellen Saison lädt Somaini seine Skulpturen mit symbolischen Werten auf (Portali, 1967), in denen organische Formen in eine kontinuierliche dialektische Beziehung zu geometrischen Volumen eines architektonischen Layouts gestellt werden, die mit dem Zyklus hohe Visionen erreichen von Carnifications of a Architecture (1974-1976). In der Überzeugung, dass die Skulptur eine Rolle bei der Neuentwicklung des städtischen architektonischen Gefüges spielen muss – gereift durch informelle Erfahrungen, die zwischen 1958 und 1972 in Italien und den Vereinigten Staaten in großem Umfang durchgeführt wurden – formalisiert der Bildhauer seine Ideen auf a theoretisch und utopisch in einer Reihe von Designstudien (Crispolti, Somaini, Urgency in the City, Mazzotta, Mailand 1972). Parallel zur Reflexion über die Beziehung zwischen Skulptur, Architektur und dem Umweltkontext experimentiert Somaini mit einer persönlichen Technik des direkten Schnitzens, die durch die Verwendung eines Sandstrahls unter hohem Druck praktiziert wird und seit 1965 zu einem grundlegenden Bestandteil seiner plastischen Sprache wird. 1975 führte die konzeptionelle Analyse der der Bildhauerei innewohnenden Laborverfahren den Künstler zur Schaffung einer "Spur" im Basrelief, die durch Rollen einer geformten "Matrix" erhalten wurde, die, indem sie einen Abdruck hinterlässt, ein anvertrautes kryptisches Bild entwickelt und enthüllt dazu negativ. Matrizen und Spuren führen das dynamische Element ein, die Aktion, die Idee eines Weges, einer Intervention, die Architektur und den urbanen Kontext einbezieht. Diese neuen Arbeiten werden 1978 im persönlichen Raum auf der Biennale in Venedig (Erste Spur und die Matrixskulptur: Antropoammonit), 1979 in der Anthologie des Wilhelm-Lehmbruck-Museums in Duisburg (Entwicklung einer anthropomorphen Landschaft und Matrix, 1978 -79) und in der Personalausstellung im Botanischen Garten von Lucca 1980 (Svolgimento dell'avvolto: tragic trace, 1979).
Ab Mitte der achtziger Jahre wandte sich Somaini wieder der Ausführung großformatiger Werke zu und schuf in Italien und Japan, wo die Dialektik des Aufdrucks zur Behandlung von Positiv-/Negativformen führt, wie in Porta d'Europa , Como 1995 .
Der Künstler fährt ab 1975 (Anthropoammonite I) mit dem direkten Schnitzen des Marmors mit dem Sandstrahl mit Druckluft fort, eine Aktivität, die sich in späteren Werken mit großem Engagement wie Fortunia (1988) in einer Reihe von Fights with the fortsetzt Schlange, die sich durch eine überwältigend vitalistische Organizität auszeichnet, wie FortunaVincitrice (2000), installiert in der Nähe des Autobahnkreuzes in Como. Werke, die teilweise in der 1997 im Palazzo di Brera in Mailand eingerichteten Anthologie, 1999 in der Quadriennale von Rom, 1998 und 2000 in den Biennalen von Carrara und 2000 in der Anthologie im Castello di Pergine (Trient) vorgeschlagen wurden. In den letzten Jahren verbindet der Bildhauer zunehmend die zeichnerische und bildnerische Tätigkeit mit der plastischen. 1999 legt er seine Hand an einer großen Reihe von Arbeiten auf Papier, die die Mythen und Legenden, die sich um den Ätna entwickelt haben, in einer fantastischen Tonart aufgreifen, die auch durch die Lektüre von Maria Corti (Magic Land Registry, Einaudi, 1999) neu aufgegriffen wird. In den folgenden Jahren platzierte er Fortunia Vincitrice (1997-2000) und Variations on a large vertical sculpture (2001) in den Büros des Einkaufszentrums Bennet in Montano Lucino (Como).
Er nimmt an einigen wichtigen Ausstellungen teil, darunter Arts and Architecture, 1900-2000 kuratiert von Germano Celant im Palazzo Ducale in Genua (2004), Italian Sculpture of the 2005th Century in der Arnaldo Pomodoro Foundation und Annicinquanta. Die Geburt der italienischen Kreativität, Palazzo Reale in Mailand (19). Er starb am 2005. November 1957 in Como. Die Nationalgalerie für moderne und zeitgenössische Kunst in Rom widmet ihm die erste posthume Retrospektive The informal period 1964-2007 (XNUMX).
