Die Geschichte des Films: Geschichte (Geschichte), nicht Geschichte (Geschichte). Reise Ulyssiak (Odyssee), nicht Chronik oder Datenarchiv (Bericht). Es handelt um Geschichte des Films: ein Odyssey des irischen Regisseurs Mark Cousins, 15 Stunden unmöglich Rimpianer. Leider das Meisterwerk von Cousins ist noch nicht auf Streaming-Diensten erhältlich, die sich an das italienische Publikum richten, aber Sie können sich die kürzlich zurückgegebenen 8 DVDs in einer neuen Ausgabe problemlos nach Hause liefern lassen.
Sechs Jahre Arbeit
Die "historiografischen" Prinzipien, die dem monumentalen Werk zugrunde liegen, das (in 6 Jahren) vom irischen Regisseur Mark geschaffen wurde Cousins geht schon aus dem Titel dieser über 900 Minuten langen Dokumentation hervor.
Wie alle methodischen Kriterien können auch diese natürlich diskutabel sein, aber das Werk von Cousins es hat den enormen Vorteil, der langen Dauer (die notwendig ist, um ein weit verbreitetes und langlebiges Phänomen wie das Kino zu analysieren) die Lebhaftigkeit des interessierten Reisenden und die Kompetenz des Akademikers gegenüberzustellen und die Aufmerksamkeit des Zuschauers aufrechtzuerhalten.
der Ansatz Tobias Cousins
Die meisten Dokumentarfilme über die Geschichte des Kinos beschränken sich zwangsläufig auf eine bestimmte Periode oder Bewegung, auf die technische Entwicklung, wie sie das Medium beeinflusst hat, oder, viel "trivialer", spiegeln den persönlichen Geschmack des Autors oder einer "Schule" wider bei bemerkenswerten Werken wie z Geschichte(n) du Kino von Jean-Luc Godard, Das japanische Kino ist 100 Jahre alt di Nagisa shima, Zu Persönlich Journey Mit Martin Scorsese Durch Amerikanische Filme o My Voyage zu Italien auch von dem italienisch-amerikanischen Regisseur.
Der Ansatz von Cousins es scheint uns wichtiger zu sein und "modern“, weil es sich irgendwie vom Konzept der distanziert Behörde der von oben (wenn auch mit ehrlicher pädagogischer Absicht) seine Vision des Themas (ein Konzept der kulturellen Übertragung von oben nach unten) herablässt und sich stattdessen entscheidet, den Weg der Innovation zu gehen, nicht nur der Technologie, sondern der Ideen, Gefühle, Ethik ( „Tugenden e Wissen"). Dieser letzte Aspekt ist günstig Die Geschichte des Films: ein Odyssee außerhalb jenes "Zauberkreises" kritischer Urteile, der sich, ausgehend von sehr starren Kausalitätsprinzipien (Postmoderne als Ende intellektueller Bindung; Medien als Instrument ethisch-kultureller Barbarei), allzu bequem in öffentlichkeitswirksame Schlichtheitsformeln flüchtet ( im italienischen Kontext der Slogan Berlusconi = Ende der Kultur), wobei vergessen wird, dass jedes menschliche Phänomen das Ergebnis eines Komplexes von Faktoren ist, die sich einer starren Deterministik entziehen, und dass die Evolution häufiger Ambivalenzen als Eindeutigkeiten hervorbringt, die nicht auf dialektische Verteilungen, sondern auf Koexistenzen reagieren.
Die Reise von Cousins beginnt daher mit der Erzählung des "Wunders" der doppelten Geburt des Kinos durch die Lumière-Brüder in Lyon und von Thomas Edison gearbeitet hat in New Jersey, um als eine Reihe von "Lektionen über Licht" (ein physisches konstituierendes Element des Kinos, aber - gleichzeitig - einer Kategorie des Geistes sehr ähnlich) fortzusetzen. Der Erzähler (vom Regisseur selbst) bekräftigt sofort, dass dies eine Geschichte von Ideen sein wird, nicht von Geld: Daher werden nicht so sehr die Produktionen gezeigt, die die Hollywood-Industrie hervorgebracht und gedeihen ließen, sondern vor allem die Filme, in denen es hat die Grammatik der Filmkunst (Schuss, Schnitt, Beleuchtung) in ihrer vielschichtigen Entwicklung am besten zum Ausdruck gebracht.
Le Frauen in Kino
Ruan Linyu, eine der größten Schauspielerinnen Chinas
Aber die Diskussion beschränkt sich nicht auf die Filmtechnik: Sie gehört zu den interessantesten (und unbearbeiteten) Aspekten, die von ans Licht gebracht wurden Cousins Da ist die Rolle der Frau im Kino (als Drehbuchautorin, Regisseurin und Darstellerin), besonders in der Stummfilmzeit. Wir werden zum Beispiel daran erinnert, dass einer der Knüller von 1931, König Vidors Champion, mit Wallace Beerig und Jacky Cooper, der ebenfalls bei der ersten Ausgabe der Filmfestspiele von Venedig präsentiert wurde, basiert auf einer Geschichte von Frances Marion (der auch den Oscar gewann); und wir kennen die traurige Geschichte von Ruan Linyu, äußerst populäre Diva des chinesischen Kinos (deren spontan interpretatorische Modernität mit keinem geringeren als der von Marlon Brando verglichen wird), die sich im Alter von nur 25 Jahren mit einer Überdosis Barbiturate das Leben nahm (ihr Trauerzug in Shanghai erstreckte sich offenbar über Kilometer und wurde mindestens fünf vorgetäuschte Selbstmorde während der Zeremonie: Die "New York Times" nannte es "die Beerdigung des Jahrhunderts"); Machen wir uns mit großartigen Schauspielerinnen vertraut (die ansonsten für die Mehrheit der westlichen Zuschauer zur Anonymität bestimmt sind, selbst unter den am wenigsten abgelenkten), wie z Sharmila Tagore, Muse des größten indischen Regisseurs, Satyajit Strahloder Kyōko Kagawa der mit allen japanischen Meistern zusammengearbeitet hat (das Cousins macht keinen Hehl daraus, alles zu bevorzugen), von Ozu a Kurosawaaus mizoguchi a Yoshimura.
Le Blasen säen sie
Die Methode von Erkennung auf den spuren von ideen, die sich gegenseitig abprallen, erinnern und verstärken, auch wenn sie geografisch und zeitlich weit entfernt sind, mag sie sogar impressionistisch sein, aber sie ermöglicht originelle und - für den betrachter - höchst anregende kombinationen. Hier ist also der James Mason von The Fugitive, der auf die Blasen in einem Glas Mineralwasser starrt, objektives Korrelat der Krise seines Charakters, wir finden ihn sogar gleich (auch wenn der Kontext sehr unterschiedlich ist) in Zwei oder drei Dinge, die ich über sie weiß von Godard und noch später in Taxifahrer von Scorsese: Und wer erinnerte sich an das Glas Soda?
Le Analogie versteckt
Diese Haltung von Cousins „versteckte“ Analogien zwischen den unterschiedlichsten Filmografien zu finden, scheint mir den anti-akademischen Positionen sehr nahe zu kommen George Steiner (vor allem in Wahre Präsenzen, 1989, Garzanti 1992), wonach es keine Wahrheit gibt, die die Kritik oder die Interpretation der Texte finden kann. Hermeneutik macht eigentlich nur bei religiösen Texten Sinn, weil sie die „wahre“ Version definieren muss. Aber dann, einmal definiert und durch Dogmen auferlegt, müssen alle anderen Interpretationen geschlossen werden.
Eigentlich kann man über ein literarisches oder anderes Werk alles und auch das Gegenteil von allem sagen. Tolstoi beispielsweise hielt das für trivial Re Lear von Shakespeare. Man kann Tolstoi offensichtlich widersprechen, aber es ist nicht möglich, ihm das Gegenteil zu beweisen.
Studenten - schreibt Steiner - müssen angewiesen werden, nicht die Kritiken zu lesen, sondern die Texte. Mein ganzes Buch ist ein Schrei des Entsetzens für das, was in der Universitätswelt passiert. Meine Studenten in Cambridge haben eine Prüfung, bei der sie TS Elliots Meinung über Dante diskutieren, ohne Dante lesen zu müssen, eine einzige Zeile von Dante. [...] Was gebraucht wird, ist eine dynamische Interpretation, eine Interpretation, die Aktion und nicht Passivität ist. Die Kritik zu lesen, die „sekundären“ Texte zu lesen, bedeutet passiv zu sein, wie vor dem Fernseher; es bedeutet, die Verantwortung für die Handlung aufzugeben.
Wir fühlen Cousins:
Meine Aufgabe als Autorin [The Story of Film was born as a Essay Text, 2004] war es, einen Film im Kopf des Lesers hervorzurufen. Im Film brauche ich keine Taschenspielertricks. Zeigen Sie einfach die Filme. Mein kreativer Beitrag war dagegen ein anderer: den Menschen die Prozesse der Sprache oder Vorstellungskraft zu zeigen, aus denen dann das Endprodukt entsteht.
Um zu Steiner zurückzukehren und ihn zu paraphrasieren, müssen wir eine "religiöse" Verbindung mit der Autorität (der wahren Präsenz) nicht der Interpretation, sondern des Textes wiederentdecken. Das Kunstwerk ist wie ein unerwartet eintreffender Gast: Ihm gegenüber müssen wir uns, geleitet von der "Ethik des gesunden Menschenverstandes", mit Höflichkeit und Takt, mit jener Liebe zum Wort - in unserem Fall zum Bild - ( lexikalisch, syntaktisch-grammatisch, rhetorisch und semantisch), was wahre „Philologie“ ist. Der philologische Raum ist der des „Wartens“, in dem wir die „Wurzel der Geheimhaltung“ verstehen, die den Kern der Arbeit bildet. Das Studium des Kontextes wird uns erlauben, den Text durch die Geschichte hindurch wahrzunehmen, die Aufmerksamkeit für soziologische Phänomene und biografische Elemente wird uns der entscheidenden "Begegnung" näher bringen. Eingeschüchtert und ratlos stehen wir daher hier vor Poesie, Malerei, Musik, Kino, konfrontiert mit einem irreduziblen „Anderssein“. Mit "Schwerkraft" und "Beständigkeit“ werden wir dann auf die Epiphanie warten.
Ohne mystisch-asketische Tendenzen (Steiner spricht von „Religiosität“, nicht von okkultistischer Impulsivität) oder die Rhetorik zu akzeptierenallesgeht wie auch immer, es muss zugegeben werden, dass die Methode des analogischen Ansatzes fruchtbarer und aufschlussreicher ist als zu wissen, was Martin Scorsese über Elia Kazan denkt (was immerhin eine wesentliche Tatsache ist, aber in einem anderen hermeneutischen Bereich, rein historiographisch und akademisch).
Beachtung zu "andere" Kinematographie
Die "Horizontalität" beeindruckt durch Cousins (der so schnell wie möglich die großen Produktionszentren verlässt: die Vereinigten Staaten und Europa) zu seiner Reise (die über 1000 Clips und 43 Interviews sind exakt durch Kamerafahrten an Bord von Transportmitteln „verknüpft“) ist daher wohl die größte Verdienst dieses Dokumentarfilms, mit der gebührenden Klarstellung, dass auf jeden Fall alle großen und anerkannten Meister ihren "erwarteten" Auftritt haben und der Regisseur niemals nachgibt, eine unbestrittene und kanonisierte Autorität auf dem Altar der bizarren, aber sterilen Exotik zu opfern.
Sicherlich wird es diejenigen geben, die das "Gewicht" messen (und bestreiten), das Fellini gegeben wird, anstatt es zu tun Bresson, zu Chaplin, eher als zu Keaton, a Ozuanstelle einer Tsukamoto oder die Tatsache, dass Leute wie Sam FullerEric Rohmer und Jacques Niet gar nicht erwähnt!
Farid Shawqi im Bahnhof Kairo von Youssef Kette.
Ich persönlich finde es spannender, die Bekanntschaft gemacht zu haben Mörder von Schafe von Charles Burnett (der erste Afroamerikaner, der einen Film in den USA drehte), nachdem er die unglaubliche Ausdruckskraft von entdeckt hatte Farid Shawqi im Bahnhof Kairo (1958) von Youssef Kette, die aufregende Vision eines Clips (glücklicherweise wiederhergestellt von Cousins) genommen von Uski Roti (1969) von Kaschmir-Regisseur Mähnen Kaul oder das ebenso unerreichbare Yeelen (1987) des Maliers Souleymane Cisse (verliehen in Cannes, verschwand dann aus dem Verkehr).
Die Filmgeschichte muss heute unbedingt aufhören (der zuletzt erwähnte Film ist Beginn, aber für Innovation geht die letzte Erwähnung sicherlich an Alexanders russische Arche Sokurow, datiert 2002); sondern gerade die nicht-deterministische Prägung von angewendet Cousins schlägt die Möglichkeit eines "unendlichen" Werks vor, das schrittweise voranschreitet und bereit ist, neue Kapitel, neue Analogien, Entsprechungen und Kombinationen hinzuzufügen.
Im Epilog wird tatsächlich ein Fantasiesprung ins Jahr 2046 (Kinojahr: vgl Wong Karwai) und reflektiert die Zukunft des Kinos (digital, 3D und wie viele andere noch unvorstellbare technische "Wunder" das Medium verändern werden). Unmittelbar zuvor hatten wir das 116 Jahre alte Bild eines Mannes gesehen, der auf den Flügeln eines fliegenden Doppeldeckers stand (aus Howard Hughes' Hell's Angels).
Das verspätete Festhalten des Autors an der vorherrschenden "Christologie", die das moderne intellektuelle Denken (und insbesondere die Filmkritik) dominiert, stützt Theorien degenerativer Natur, indem er den aktuellen Stand der Technik als eine Art "Vertreibung" aus der Fülle und Authentizität interpretiert Herkunft?
Il Kino e der Weg al digitale
Bei mehreren Gelegenheiten Cousin präzisierte er der das Kino entschieden als eine noch sehr junge Kunstform und Sprache ansieht, die digital erst eine technologische Revolution in den Kinderschuhen steckt. "Der Computer Grafikes bedeutet einfach, mehr Farben auf der Palette zu haben. Die großen Regisseure mögen sich entscheiden, diese Farben ausdrucksstark zu verwenden; die weniger talentierten werden mehr Möglichkeiten haben, sich auszudrücken“.
Willkommen, ausgezeichnet Verderben e fortschrittlich!
