Emilio Vedova (*1919-2006 in Venedig) gilt als einer der einflussreichsten italienischen Künstler der zweiten Hälfte des XNUMX. Jahrhunderts. Er war ein politisch engagierter Künstler, der glaubte, dass revolutionäre Kunst abstrakt sein sollte. Mit seinen viszeralen, gestischen Werken, die den Betrachter fesseln und den Raum, den sie bewohnen, neu definieren, hat er die Malerei auf ein neues Territorium getrieben. Seine expressiven Striche und Farbspritzer vermitteln eine heftige und heftige Reaktion auf die politische Realität der Nachkriegszeit.
„Meine Werke sind keine Kreationen, sondern Erdbeben“, sagt Vedova, „keine Gemälde, sondern Lufthauch …“
Als Autodidakt ist es schwierig, ihn in den Rahmen einer bestimmten künstlerischen Bewegung einzuordnen. 1942 schloss er sich der Mailänder antifaschistischen Gruppe Corrente an, der unter anderem auch die Künstlerkollegen Lucio Fontana und Renato Guttuso angehörten. 1946 gehörte er zu den Mitunterzeichnern des Manifests „Beyond Guernica“, das Künstler aufforderte, sich der Realität zu stellen, ohne Naturalisten zu sein. Anschließend kehrte er nach Venedig zurück, wo sein Werk zunehmend abstrakter wurde. In den späten 50er Jahren wurde er mit dem französischen Informel und später mit Action Painting und der Wiederbelebung des Expressionismus in Verbindung gebracht, hat sich aber stets einer Kategorisierung entzogen. Von 1963 bis 1965 arbeitete Vedova in Berlin, wo sie auf prominente zeitgenössische Künstler wie Georg Baselitz traf. Von 1965 bis 1969 (und später 1988) folgte er Oskar Kokoschka als Direktor der Internationalen Sommerakademie in Salzburg nach. Er stellte auf den legendären documenta-Ausstellungen I, II und III (1955, 59 und 64) in Kassel aus. Vedova war auch einer der häufigsten Aussteller auf der Biennale in Venedig, 1952 widmete er seinen Werken einen Raum, 1960 gewann er den ersten Preis für italienische Malerei und 1997 den Goldenen Löwen für seine Karriere.
Vedovas Arbeit ist in der Stadt Venedig verankert, wo er geboren wurde und den größten Teil seines Lebens verbrachte. In seinen Studiennotizen von 1980 schrieb er: „Jetzt fällt der Nebel, eine Atmosphäre dachte günstig / Ich habe immer das Venedig der Nebel gefunden – Weißt du, was es bedeutet, in Venedig geboren zu werden?“. Vedovas abstrakte Kompositionen wurzeln in der Tradition der venezianischen Malerei. Vor allem der Meister Tintoretto des XNUMX. Jahrhunderts hatte großen Einfluss auf sein Schaffen. Der Kunsthistoriker Carlo Bertelli schrieb: „[Witwe] griff Tintoretto mit der Wut einer Kokoschka an“. Vedova war fasziniert von den kühnen Pinselstrichen, den akzentuierten Gesten und dem dramatischen Lichteinsatz des manieristischen Malers, aber auch von seinem Charakter.
Die Witwe verbrachte den Winter 1951/52 in Paris und besuchte Chartres. Die Ausstellung umfasst zwei Gemälde, die von den Buntglasfenstern der Kathedrale von Chartres inspiriert sind. Die immersive Erfahrung von diffusem Licht und Farbe hat eine langfristige Auseinandersetzung mit dem ausgelöst, was Vedova definiert hat: „Zeit / Licht / Raum / Zeichen“. Ein Jahrzehnt später wurde echtes Glas Bestandteil dieser Arbeit. 1984 erklärte der Philosoph Massimo Caccari: „Keine fotografische Reproduktion könnte jemals eine vage Vorstellung von einer solchen physischen Qualität und Konsistenz von Details in Vedovas Werken vermitteln. Um seine Produktion der letzten Jahre zu verstehen, musste man neben der Architektur der Kirchen auch die barocken Figuren betrachten; seine Erfahrung mit Glas Ende der 60er Jahre: das Licht, das die Substanz verwandelt; Reine Substanz, die sich in ständig wechselnde Transparenzen ergießt.“
In den späten 50er Jahren reiste Vedova nach Spanien, wo er von Goyas Gemälden beeindruckt war, insbesondere von ihrem politischen Engagement. Die Armut des von Franco geführten Landes hatte einen starken Einfluss auf ihn, er produzierte daraufhin 1961-62 einen Spanien gewidmeten Werkzyklus für eine Ausstellung im Ca' Giuistinian während der Biennale in Venedig 1962. Die Ausstellung umfasst zwei wegweisende Werke von diese Serie, insbesondere For Spain '61 / '62 – 1/6, 1961-1962, eine Mixed-Media-Arbeit mit besonders dadaistischem Einfluss.
1960 schuf Vedova Bühnenbilder und bewegende Kostüme für Luigi Nonos Oper Intolleranza '60. So entstand 1961-63 der erste Plurimi: klappbare Holz- und Metallplatten, allseitig bemalt. Seitdem hat er mit mehr unterschiedlichen Medien und größeren Maßstäben experimentiert und dabei Licht, Metall und Glas einbezogen. Über Plurimis Kunsthistoriker schreibt Celant: „Mit Plurimis Wahrnehmungen [...] werden sie durch die Vervielfachung visueller und physischer Perspektiven bereichert und nachdem er die Repräsentation mit falschen und intensiven Zeichen in die Krise gestürzt hat, erreicht er den Punkt, an dem die Einheit zerstört wird des gemalten Randes, der seine Existenz durcheinander bringt, um die Gewalt der kreativen Uneinigkeit an allen Orten zu verbreiten“.
Zwischen 1977 und 1983 produzierte Vedova einen Gemäldezyklus mit dem Titel Cosiddetti Carnevali. Diese Werkgruppe wurde erst ein Jahrzehnt später in der monografischen Ausstellung des Castello di Rivoli als Gruppe gezeigt. In seinem Tagebuch schreibt Vedova: „Mich fasziniert der Karneval […] für seine gestische Ausdruckskraft, für sein fantastisches Element, das „Aufgezwungene“ (das Unregelmäßige), für seine Dynamik, seine Irrationalität und seine Leidenschaft. Ich liebe seine „organische“ und emotionale Qualität, seine Zurückhaltungs- und Dramatiklosigkeit, seine Mehrdeutigkeit, seine „befreiende Kraft“, wenn innerhalb weniger Stunden alles erlaubt und möglich ist. „Karneval bedeutet für Vedova, Freiheit, Begeisterung und Qual in einer endlosen Auseinandersetzung mit der Welt und uns selbst zu erleben. In … Sogenannten Karnevalen … '77 / '83 – n. v. 7 (1977-1983) scheint das Spiel zwischen Schwarz und Weiß und den beiden Gipsmasken eine Dualität auszudrücken, die sich durch sein gesamtes Werk zieht – als Symbol für ein zerrissenes Selbst in einer geteilten Welt.
Eine ganze Etage der Galerie ist den 80er Jahren gewidmet, einem Jahrzehnt, das weithin als Höhepunkt der Karriere des Künstlers gilt. In den 80er Jahren erweiterte Vedova seine Palette, indem er hellere Farben einbezog und sich von den nüchterneren Tönen des vorangegangenen Jahrzehnts entfernte. 1980 reiste Vedova nach Mexiko, wo ihn die Farben und weiten Landschaften nachhaltig beeindruckten.
Im folgenden Jahr begann Vedova mit einem Gemäldezyklus mit dem Titel Teleri, ein von Teler entlehnter Begriff, der typisch für die venezianische Kunst des 1984. und 1985. Jahrhunderts war. Die Ausstellung präsentiert Arbeiten aus zwei besonders bedeutsamen Serien Teleris: Da Dove (XNUMX) und Di Umano (XNUMX) ). In diesen Arbeiten verleihen die Spritzer von Gelb, Grün und Rot der Bildfläche Energie und steigern ihre emotionale Stärke.
Emilio Vedova ist in Sammlungen auf der ganzen Welt vertreten, insbesondere in der Albertina, Wien, Österreich; Les Abattoirs Musée d'Art Moderne et Contemporain, Toulouse, Frankreich; Berlinische Galerie und Nationalgalerie, Berlin, Deutschland; Museo Nacional De Bellas Artes, Buenos Aires, Argentinien; Museum für Zeitgenössische Kunst der Universidad de São Paulo, Brasilien; Das Museum of Modern Art, New York, Vereinigte Staaten; Philadelphia Museum of Art, USA und Peggy Guggenheim Collection, Venedig, Italien.
Vedova nahm an den documenta-Ausstellungen von 1955, 1959 und 1982 teil. 1951 wurde er auf der ersten Biennale von São Paulo für junge Maler ausgezeichnet. 1959 kehrte er zur São Paulo Biennale zurück, kurz vor einer großen Ausstellung im Palazzo Grazzi, Venedig, die dann ins Stedelijk Museum, Amsterdam wanderte. Nach der Teilnahme an der Biennale in Venedig 1950, 1952 und 1954 gewann er den ersten Preis für italienische Malerei auf der Biennale 1960 und 1997 den Goldenen Löwen für seine Karriere.
Die große Einzelausstellung seiner Arbeiten fand im Institute of Contemporary Arts, Washington (1965) statt; Carrillo-Gil-Museum, Mexiko-Stadt (1980); Museum Correr, Venedig (1984); Bayrische Staatsgemäldesammlungen, München (1986); Castello di Rivoli, Turin (1998); Sammlung Peggy Guggenheim, Venedig (2007); Nationalgalerie für moderne Kunst, Rom (2007); Berlinische Galerie, Berlin (2008), Museo Novecento, Florenz (2018).
Zu den bemerkenswerten Gruppenausstellungen gehören Gemälde, Skulpturen, Environments vom Expressionismus bis zur Gegenwart, Ludwig Museum Köln (1986); Berlinart 1961-1987, Museum of Modern Art, New York (1987); Die italienische Metamorphose (1943-1968), Guggenheim Museum, New York (1994); Eine Geschichte der italienischen Kunst im 2001. Jahrhundert, Museum of Contemporary Art, Tokio (2006); Figur und Bilder des italienischen 1969. Jahrhunderts, Nationalmuseum für Kunst, Peking (2008), Italics: Italian Art between tradition and Revolution 2008-2009, François Pinault Foundation – Palazzo Grassi (2012), In-finitum, Palazzo Fortuny, Venedig ( 2016)); Georg Baselitz – Emilio Vedova, Kunst der anderen Art, Salomon Guggenheim Museum, New York (2016); Georg Baselitz – Emilio Vedova, Küppersmühle, Duisburg, Deutschland (17), Nachkriegszeit, Museum der Kunst, München (XNUMX/XNUMX).
