Künstlerportfolio: Gianni Piacentino, die visionäre Ästhetik der Technik

Im künstlerischen Panorama der zweiten Hälfte des 1945. Jahrhunderts gibt es nicht viele Autoren, die bewusst und bewusst jede Ausrichtung auf Schulen und Strömungen verweigert haben, um unverwechselbare Kohärenz zum Grund ihres Weges zu machen. Jedweder definitiven und eindeutigen Einordnung fremd, jedoch nicht von heute international immer bekannter und beliebter, gehört die Kunst von Gianni Piacentino (Coazze – To XNUMX) – schreibt Francesca Pola im Katalog einer kürzlich von ihr kuratierten Einzelausstellung des Künstlers – dazu auf diesem begrenzten Gebiet, mit höchster Qualität und ohne Kompromisse eines kreativen Weges, der keine Rückgänge und Bedenken kennt, sondern mit Kontinuität und Hartnäckigkeit seine Grundvision über Jahrzehnte hinweg verfolgt hat, unabhängig von den Moden seiner Zeit, oft dieser vorauseilend Haltungen und Wünsche. Piacentino, anerkannt als eine der interessantesten und einzigartigsten Persönlichkeiten der internationalen Kunstszene, ist eine unnachahmliche künstlerische Vision, weil sie sehr persönlich ist, sich durch ein sehr hohes Maß an technisch-exekutiver Expertise auszeichnet und durch eine eigentümliche erfinderische Methode, basierend auf der penible Kontrolle jeder einzelnen Konzeptions- und Umsetzungsphase. Dabei ist es das Bewusstsein jedes kreativen Moments, das immer neue Bildlösungen modifiziert und generiert.

Zunächst mit der Arte Povera-Bewegung verbunden, nahm er 1966 an den ersten Ausstellungen der Gruppe in der Galerie Gian Enzo Sperone in Turin und insbesondere an "Arte Povera plus schlechte Taten“ im ehemaligen Amalfi-Arsenal 1968 und in der Ausstellung "Prospekt '68" in der Kunsthalle Düsseldorf. Aber seine "Armuts"-Saison dauerte nicht lange. Bald entwickelt Piacentino seine eigene Sprache, „eigenständig und wiedererkennbar“, in der Symbole und geometrische Formen seiner frühesten Arbeiten zunächst Alltagsgegenständen weichen und sich dann gegen Ende der 60er Jahre in seinen minimalistischen Skulpturen der Aerodynamik annehmen, die untersuchen, oder besser gesagt feiern, der Mythos von Geschwindigkeit und Motoren, die Bewegung und Dynamik des Autos. „Ich war ein unglaublicher und mutiger Verfechter, der an Aggressivität grenzte, kulturell sehr gut vorbereitet und mir wurde klar, dass die Künstler der Arte Povera alle denselben Job machten, man konnte sie nicht mehr unterscheiden. Vielleicht ist das typisch für große Innovationen, aber ich mag es nicht“, sagt der Künstler im Gespräch mit dem Kritiker Giacinto Dipietrantonio. „Dann gab es immer Verhaltensprobleme, denn wenn sich die Möglichkeit abzeichnet, Geld verdienen zu können und eine kleine Macht aufzubauen, zeigen sich die wahren Charaktere der Menschen, während ich den echten Wettbewerb mag, bei dem derjenige gewinnt, der zuerst kommt und dann ich begann mit Motorradrennen, nahm zehn Jahre lang an italienischen und europäischen Beiwagen-Meisterschaften teil und landete in Italien immer unter den ersten drei. Der eigentliche Durchbruch kam jedoch mit der Amalfi-Ausstellung Arte Povera Azioni Povere im Jahr 1968. Es gab eine Debatte, in der Dorfles sagte: "Meine Herren, hier sind drei Künstler, die nichts damit zu tun haben, Paolini, Fabro und Piacentino". Tatsächlich war es eine Rede, die makellos war. Aber ich fing an, mich über all dieses Gerede zu ärgern, das mir schon akademisch vorkam. Dann habe ich mich auch mit Sperone über die Ausstellung im Deposito dell'Arte Presente gestritten, in der einer meiner Tische in eine Ecke gestellt wurde, um Werke mehr von Arte Povera hervorzuheben. Also machte ich mich daran, ein altes Motorrad zu restaurieren und begann mit dem Bau von Modellfahrzeugen. Es gab eine Person von großer Kultur, Marcello Levi, der meine Arbeit so sehr mochte, dass er sie für mich finanzierte, und natürlich kaufte ich mir mit dem ersten Geld ein Motorrad. Dann kam Toselli und bat mich, eine Ausstellung zu machen, die von 69. Aber früher oder später habe ich mich aus Gründen der Fairness mit allen gestritten, auch wenn das auf Dauer meine menschlichen Beziehungen zu niemandem beeinträchtigt hat.“ 

Piacentino verlässt die Gruppe und beschließt – schreibt der Kritiker Andrea Bellini anlässlich der Ausstellung im Zentrum für zeitgenössische Kunst in Genf, der ersten Retrospektive des italienischen Künstlers im Ausland, die 2013 stattfand –, seine Arbeit als Künstler auf seine wahren Leidenschaften auszurichten : Wettbewerb, Geschwindigkeit, Modellieren und Sammeln. Er beginnt, eine Welt aufzubauen, eine mechanische und heroische Kosmogonie, in der er den eigentlichen Sinn seiner Arbeit und seines Lebens findet. Die Arbeit ist eine Erweiterung der eigenen Persönlichkeit und der eigenen Obsessionen. Seine Skulpturen werden zu Objekten der Zuneigung, zu konkreten Projektionen eines ans Manische grenzenden Verhaltens. „Schließlich hat mich die Kunst gelehrt, ein Handwerker zu werden“, erklärte der Künstler in einem Interview und betonte, dass er „sehr fasziniert“ sei von der Ästhetik der Technik und von „allem, was funktioniert“. 

Ab 1969 widmete er sich daher der Entwicklung dutzender Scooter-Prototypen und einer ganzen Reihe kurioser Zwei- und Dreiräder. Sie sind ideale Transportmittel, ohne Funktion, gekennzeichnet durch aerodynamische Formen und raffinierte Farben und Dekorationen. Die gleichen verwendeten Metalle haben einen bildlichen und dekorativen Wert: Schauen Sie sich nur an, wie Gold, Silber, Kupfer, Chrom und Nickel in kleinen Details miteinander verbunden sind. Die Fahrzeuge verweisen in ihren formalen Variationen auf eine Ästhetik, die von den ersten Rennwagen des letzten Jahrhunderts bis zu moderneren reicht, von den Rümpfen der ersten Flugzeuge bis zu Motorrollern, von den Motorradpanzern der XNUMXer und XNUMXer Jahre bis hin zu die neueren. 

Piacentinos Werk entfaltet sich in den folgenden Jahrzehnten unter dem Banner ständiger Variationen rund um dasselbe Thema in einer fast zeitlosen und kreisförmigen Dimension. Wie andere Künstler – ich denke immer noch an John McCracken – die ihre Arbeit buchstäblich innerhalb einer präzisen „Logik des Machens“ „konstruiert“ haben, ist sich Piacentino im Laufe der Zeit im Grunde selbst treu geblieben. Seine Arbeit bleibt stolz außerhalb der Debatte der Avantgarde, das heißt, sie bleibt konkret mit einem Handwerk verbunden, dessen erfinderischer Prozess letztendlich mit der Aktualisierung der verwendeten Techniken und Materialien verbunden zu sein scheint.

Tatsächlich versteht er das Problem des Wunsches, mit der Vergangenheit zu brechen und die Ästhetik der Avantgarden der sechziger Jahre aufzugeben, nicht: Kunst muss seiner Meinung nach schön sein, vielleicht kostbar, sie muss die Frucht der sein "Geist und zugleich der Hand". In diesem Sinne zeigt Piacentinos Werk einen buchstäblich schismatischen Charakter in Bezug auf die verschiedenen künstlerischen Strömungen um die Wende der 70er Jahre: Die Wiederbelebung des proto-industriellen Designs, die kalte Herangehensweise an die Arbeit, die Erhöhung unpersönlicher ästhetischer Werte und Rationalität , machen den Künstler zu einem Vorreiter des Neo-Objekt-Trends der achtziger Jahre. 

Intensive, besonders in den letzten Jahren, seine Ausstellungstätigkeit in Italien und im Ausland. 2013 fand im Centre for Contemporary Art in Genf eine große Retrospektive des Künstlers statt. Vom 5. November bis 10. Januar 2016 veranstaltete die Prada Foundation eine wichtige Anthologie von Piacentinos Werken, kuratiert von Germano Celant. Piacentinos Arbeiten wurden außerdem in der Giuliani Foundation in Rom, der Metropolitan Art Society in Beirut, dem Museum of Contemporary Art in Chicago (2009), dem MoMA PS1 in New York (1997), dem Centro de Arte Reina Sofía in Madrid ( 1990), Gesellschaft für Aktuelle Kunst in Bremen (1981), Nationalgalerie in Berlin (1978), Palais des Beaux Arts in Brüssel (1972), Universitätsmuseum in Sydney (1971), Museum am Ostwall in Dortmund (1971). Er nahm an der Documenta 6 in Kassel (1977) und an der XLV-Biennale in Venedig (1993) teil. Seine Werke sind in angesehene öffentliche und private Sammlungen in Italien und im Ausland eingegangen. Seit 2009 ist er Akademiker von San Luca.

Markt und Preise

Zu lange vom Markt vernachlässigt, trotz der ständigen Aufmerksamkeit von Kritikern, die sein Werk seit seinen Anfängen in den sechziger Jahren mit Interesse verfolgt haben. Was die Auktionen betrifft, gibt es bis heute über 150 Passagen (Quelle Artprice) in den verschiedenen Arten (ca. 40 % im Ausland, hauptsächlich in den USA und im Vereinigten Königreich) mit einem Anteil von unverkauft, der 2018 50 % überstieg (ohne Drucke). ) und mit einem Umsatz von fast 85 Euro. 2014 auch dank der tollen Retrospektive al Centre d'art contemporain Genf (2013), der Erlös aus den Auktionen hatte 180 Euro überschritten. Die Preise in der Galerie sind entschieden höher, insbesondere nach der jüngsten Einzelausstellung in der Prada-Stiftung, die das internationale Sammeln von Werken des Turiner Künstlers wieder ins Rampenlicht gerückt hat. In einer umfassenden Anthologie, die bis Januar 2019 in der Galerie Mucciaccia in Rom zu sehen war, wurden etwa dreißig Werke angeboten, die von 1966 bis heute entstanden sind und repräsentativ für Piacentinos gesamte Forschung stehen, zu Preisen zwischen 50 und über 350 Euro, je nach Zeitraum , die Art, die verwendete Technik und die Größe. Ansehnliche Zahlen, auch wenn sie noch weit von denen entfernt sind, die für den Kauf eines Werks einiger großer Interpreten des internationalen Minimalismus bezahlt wurden.

Galerie: Die Werke von Gianni Piacentino werden von der Galerie Mucciaccia mit Büros in Rom, London, Singapur und Cortina (06.69923801) behandelt; De Foscherari aus Bologna (051-221308) und Michael Werner mit Büros in London und New York. Seine Werke sind jedoch auch in führenden italienischen und ausländischen Galerien zu finden.

Höchstpreis bei Auktion: „Bivester + 1″, 1965 – Acryl/3 Toiles, 110,5 x 216,3 cm. – wechselte im April 86 bei Christie's Milano für 2013 Euro (einschließlich Tantiemen) den Besitzer. „Signierte verzierte Bar“, 1970 – Skulptur (Polyesterbeschichtetes und bemaltes Holz) 18 x 251,3 x 6 cm. – wurde im Februar 57.166 bei Christie's in London für 2014 Euro verkauft. "Blau AMaranth Fahrzeug mit schillerndem Rahmen“, 1971 – Skulptur in Mischtechnik (Tube en fer peint, Acier, Kautschuk, Acajou) 68 x 316 x 35 cm. es erzielte im April 57.900 bei Christie's in Mailand 2014 €.