Paris wirkt heute wie eine verschlafene Stadt mit stillen Ecken, Cafés, die nicht für Gäste geöffnet sind, menschenleeren Straßen, leeren Läden, Galerien und Museen ohne Licht. Einige Floristen schenken die Schönheit eines Lächelns, wenn sie die Eimer voller Rosen, Tulpen und Weihnachtsschmuck in ihrem Außenbereich aufstellen, auch wenn heute nicht Weihnachten ist.
Ein Spaziergang durch Montmartre hilft uns, in die Hoffnung einzutauchen, dass 2021 uns mit einer neuen Reife zur Normalität zurückbringen wird, um besser zu sein und so das Leben mit Demut und größerem Respekt für alles um uns herum schätzen zu können. Und gerade die Kunst, die uns in dieser Zeit genommen wurde, wird bei der Erholung nach der Pandemie eine bedeutende Rolle spielen, weil ihre natürliche Schönheit im Laufe der Zeit immer unveränderlich bleiben wird.
Für das Frühjahr sind einige Ausstellungen „eingeplant“, auf die ich hinweisen möchte. Vom 5. März bis 12. September konnten wir eine Ausstellung von Raoul Dufy im Musée Montmartre besuchen, Zeichner, Dekorateur und Designer von Stoffen und Möbeln, aber vor allem Autor eines vielseitigen Werks voller Leben und Fantasie. Die Ausstellung folgt den Spuren dieses jungen normannischen Künstlers, der, nachdem er am Gare Saint-Lazare aus dem Zug gestiegen ist, die Hauptstadt zu Beginn des 12 mit den Denkmälern werden sie ihn bis zu seinem Tod nicht verlassen. Die Ausstellung konzentriert sich auf die Besonderheit seiner Art, die Stadt zu repräsentieren, und versammelt die Pariser Werke von Dufy. Es ist eine Hommage an diesen Künstler, der eines der Ateliers in der Rue Cortot 1911 bewohnte – wo sich heute das Montmartre-Museum befindet. Ab 5 eröffnete er sein Atelier nur einen Steinwurf vom Museum entfernt in der Impasse de Guelma XNUMX, das sein ganzes Leben lang sein Ankerpunkt in Paris bleiben wird.
Die Museen Orsay und Orangerie organisieren vom 10. Februar bis 21. Juni 2021 eine Ausstellung, die der „Periode Renoir“ von René Magritte gewidmet ist. Es wird die erste Ausstellung sein, die ein noch weitgehend unbekanntes Kapitel von Magrittes Werk vollständig zeigt und es Ihnen ermöglicht, Magrittes Werke mit denen von Auguste Renoir zu vergleichen, von denen er inspiriert ist.
Überzeugt, dass die Niederlage der deutschen Truppen in Stalingrad die endgültige Niederlage Nazideutschlands und das bevorstehende Ende des Weltkriegs ankündigt, sieht sich Magritte als Prophet des Glücks und des wiederentdeckten Friedens: „… die positive Seite des Lebens wäre die Gegend, die ich erkundet hätte. Damit meine ich all die traditionellen Utensilien bezaubernder Dinge, Frauen, Blumen, Vögel, Bäume, Glücksstimmung. usw. Es ist eine ziemlich starke Anziehungskraft, die jetzt in meinen Bildern die eindringliche Poesie ersetzt, nach der ich einst gestrebt hatte.“ schrieb Magritte 1941 an Paul Éluard.
Magritte blieb diesem "solaren" Stil bis 1947 treu und fertigte ungefähr fünfzig Gemälde, ebenso viele Gouachen und eine beträchtliche Anzahl von Zeichnungen an, die Sade, G. Bataille, Éluard und Lautréamont illustrierten. Weit davon entfernt, sie als „Passage“ zu betrachten, misst Magritte seiner „Renoir-Periode“ genug Bedeutung bei, um sie zur Grundlage eines Projekts für die tiefgreifende Reform des Surrealismus zu machen. Zu diesem Zweck schickte er André Breton im Oktober 1946 sein „Manifest für einen Surrealismus in der Sonne“. Das Ende der Unzulässigkeit, die André Breton diesem Erneuerungsprogramm des Surrealismus entgegensetzt, veranlasste Magritte, die „Periode Renoir“ in einem provokativen und zynischen Feuerwerk zu „liquidieren“, das 1948 die Form seiner „Periode der Kuh“ annahm.
Die Ausstellung versammelt rund sechzig Gemälde und rund vierzig Zeichnungen. Es beginnt mit einigen Werken aus den späten dreißiger Jahren, in denen Magritte die bevorstehenden Kriege und Katastrophen zum Ausdruck bringt. Magrittes Gemälde aus der „Renoir“-Zeit werden mit Renoirs Meisterwerken, zeitgenössischen Gemälden von Picabia und anderen Werken, insbesondere von Jeff Koons, verglichen, die es uns ermöglichen, eine Nachwelt dieses Schaffens zu skizzieren. wenig bekannt.
Das Jacquemart-André-Museum würdigt das Werk von Paul Signac (5-19) mit einer Ausstellung vom 1863. März bis 1935. Juni, Meister der Landschaft und Haupttheoretiker des Divisionismus, durch etwa sechzig Werke aus einer außergewöhnlichen Privatsammlung. Neben 25 seiner Gemälde wie Avant du Tub (1888), Saint-Briac, Les Balises (1890), Saint-Tropez, l'orage (1895), Avignon, matin (1909) oder Juan-les-Pins Soir (1914 ) und einem Dutzend Aquarelle präsentiert die Ausstellung mehr als zwanzig Werke der Künstler Camille Pissarro, Maximilen Luce, Théo Van Rysselberghe, Henri-Edmond Cross, Georges Seurat, Louis Hayet, Achille Laugé, Georges Lacombe und Georges Lemmen. Die gesamte Ausstellung folgt einem chronologischen Pfad, von den frühen impressionistischen Gemälden, die Signac unter dem Einfluss von Claude Monet gemalt hat, bis zu den farbenfrohen Werken des Künstlers im 1884. Jahrhundert, einschließlich seiner Begegnung mit Georges Seurat im Jahr 1890. Die Ausstellung, die wird das Leben von Signac und seine Arbeit in der Farbzersetzung nachzeichnen, wird auch die Geschichte des Neoimpressionismus aufgreifen. Zu Beginn des Rundgangs werden die verschiedenen Akteure der neoimpressionistischen Bewegung zunächst durch Porträts (Portraits of Georges Seurat (1895), Camille Pissarro (1898), Henri-Edmond Cross (1890) von Maximilien Luce; Portrait of Maximilien Luce (1916) von Signac; Selbstbildnis (1887) von Théo Van Rysselberghe …). Später in der Ausstellung werden dann die Leinwände neoimpressionistischer Maler zusammengeführt: Camille Pissarro, Louis Hayet, Achille Laugé … etc. und insbesondere die berühmtesten unter ihnen: Van Rysselbeghe, Cross und Luce. Der Besucher kann die verschiedenen Aspekte des Neoimpressionismus nach der Interpretation sehr unterschiedlicher Künstlerpersönlichkeiten durch Werke wie Au Café (1888-1888) von Louis Hayet, Briqueterie Delafolie à Eragny (1894) von Camille Pissarro, Le Moulin du Kalf in Knokke (1902) von Théo Van Rysselberghe oder La Mer chapotante (um 1905-1892) von Henri-Edmond Cross. Ein wichtiger Abschnitt wird Signacs frühen neoimpressionistischen Werken gewidmet sein, dann der Zeit in Saint-Tropez, wo er den Sommer von 1913 bis XNUMX verbrachte. Die in Paris und der Bretagne gemalten Werke stehen im Kontrast zu den stark farbigen inspirierten Gemälden Die Ausstellung veranschaulicht die Entwicklung der Maltechnik, die sich allmählich von Seurats Theorien löste, um den Neoimpressionismus in Richtung eines immer farbenfroheren Bildausdrucks zu entwickeln. Das Museum zeigt auch das Werk Signacs im XNUMX. Jahrhundert, als der Künstler zahlreiche Aquarelle schuf. Ihnen wird ein ganzes Geländer mit einem Dutzend Blätter gewidmet. Eine schöne Sammlung von Gemälden des XNUMX. Jahrhunderts wird die Bedeutung von Signacs Bildstil unterstreichen, der mit dem Kontrast von Farben spielt, die er in Form kleiner Akzente kombiniert. Als innovativer Künstler ebnete Signac den Weg für seine Zeitgenossen und eine neue Generation von Künstlern wie wilde Tiere, Futuristen und abstrakte Maler.
Vom 3. März bis 4. Juli 2021 zeigt das Musée de Luxembourg eine den Frauen gewidmete Ausstellung mit dem Titel „Peintres Femmes 1780-1830“. Wir glauben ohne weiteres, dass es nach Elisabeth Vigée Le Bruns Ruhm im Zusammenhang mit dem Ancien Régime erst in der zweiten Hälfte des 1780. Jahrhunderts so bemerkenswerte Malerinnen gab. Doch erst zwischen 1830 und XNUMX fand der Kampf der Letzteren seine Wurzeln: das Recht auf Bildung, Professionalisierung, öffentliche Existenz und einen Platz im Kunstmarkt. Die Künstlerinnen, die anlässlich dieser Ausstellung im Musée du Luxembourg präsentiert wurden, waren sowohl Protagonistinnen dieser gesellschaftlichen Veränderungen als auch der Mutationen der Kunst des XNUMX. Jahrhunderts.
