Seit Beginn seiner Anwesenheit auf der Erde hat sich der Mensch Gedanken über seine Zukunft gemacht und versucht zu interpretieren, wie seine Entwicklung aussehen könnte. Das Kino bot sofort die Möglichkeit, diese immense Anstrengung der Imagination auf der großen Leinwand sichtbar zu machen. Als dies geschah, zwischen Ende des 18. und Anfang des 19. Jahrhunderts, befand sich die ganze Welt inmitten der technologischen Revolution und die kreative Gärung basierte natürlich auf den unendlichen Möglichkeiten und Horizonten, die sich auftaten. Zwei Welten kamen zusammen: die der Fantasie und die der Wissenschaft, und erweckten so eines der produktivsten Genres in der Geschichte des Kinos zum Leben: Science-Fiction.
Der erste Stein dieser Ader ist gelegt Reise zum Mond von G. Melies von 1902 (wir haben bereits über die Spezialeffekte geschrieben) frei nach den Geschichten von Jules Verne. Dieser Film gilt als der erste seiner Art und enthält auch das archetypische Bild des Kinos – die Rakete steckt im Auge des Mondes. Die Geschichte erzählt von dem Wunsch, eine Erkundungsmission zum Erdsatelliten zu schicken. Das Raumschiff erreicht den Mond und findet ihn von feindlichen Außerirdischen – den Seleniten – bewohnt vor, vor denen die Astronauten dann fliehen und zur Erde zurückkehren. Mit dieser Handlung nimmt der Trend der „bösen Marsianer“ Gestalt an, der von einem weiteren sehr erfolgreichen begleitet wird: bedrohliche Technologie. Zu diesem Thema, gemischt mit einer apokalyptischen philosophischen Vision, wurde 1926 das Meisterwerk von Fritz Lang vorgeschlagen, Metropole.
Jahrelange Produktionen werden folgen, in denen die Angst vor dem Außerirdischen, der Schrecken des Weltuntergangs, die Zerstörung der Menschheit und die Monster, die von außer Kontrolle geratenen Wissenschaftlern geschaffen wurden, die Geschichten über die Rettung aller Superhelden begleiten werden, wenn auch zu erzählen in halb ernster Form die Angst vor der atomaren Bedrohung.
Um die 50er Jahre explodierte das Science-Fiction-Genre, insbesondere in den Vereinigten Staaten, sowohl im Verlagswesen als auch im Kino, und wichtige Titel wie z Ultimatum an die Erde von Robert Wise's 1951, Byron Askins War of the Worlds von 1953 und Don Siegels Invasion of the Body Snatchers von 1956. Es war der Moment der Krise zwischen den beiden großen Ländern, den Vereinigten Staaten und der Sowjetunion, die sich gegenseitig mit Zerstörung bedrohten durch den massiven Einsatz von Raketen, dieselben, die in jenen Jahren den Beginn des sogenannten "Wettlaufs ins All" ermöglichten, der ein Jahrzehnt später den ersten Menschen zum Mond brachte.
Mit Beginn der 60er nimmt ein neuer Trend Gestalt an, weniger bedrohlich und verstörend, nachdenklicher und forschender. Das bekannteste ist Fahrenheit 451 von François Truffaut aus dem Jahr 1956, inspiriert durch den Roman von Ray Bradbury. Zur Erinnerung an Henry Levins „Reise zum Mittelpunkt der Erde“ von 1959 und Richard Fleischers „Halluzinatorische Reise“ von 1966 (mit dem Oscar ausgezeichnet). Die Wende kommt 1968 mit zwei grundlegenden Titeln: Der erste ist Franklin Schaffners Planet der Affen, der zweite gilt als absolutes Monument der zeitgenössischen Science-Fiction, 2001 Odyssee im Weltraum von Stanley Kubrick. Mit diesem Film werden alle bisherigen Science-Fiction-Genres verdichtet und alle Fragen für die folgenden geöffnet. Gleichzeitig wird der beispiellose und spektakuläre Einsatz von Spezialeffekten einen Wendepunkt in der gesamten Filmproduktion der folgenden Jahre markieren, wo Meister wie George Lucas und Steven Spielberg großen Raum finden werden, wo die ersten die Star Wars-Saga signieren werden und die zweiten Incontri nahe Nachbarn der dritten Art.
Die 80er sind besonders fruchtbar und geprägt von einer „modernen“ Vision von Science-Fiction, in der sich apokalyptische Szenarien und „gute“ Aliens mit humanisierten Robotern vermischen. Es ist Zeit für Meisterwerke wie Blade Runner von Ridley Scott aus dem Jahr 1982 sowie John Carpenters 1997: Escape from New York aus dem Vorjahr. Das Jahrzehnt endet mit dem großen Erfolg von Matrix von den Brüdern Andy und Larry Wachowski im Jahr 1999. Die letzten Jahre sind meist geprägt von Fortsetzungen oder Remakes früherer Erfolgsfilme, während sich ein mit der Welt der Videospiele verflochtenes Genre entwickelt, das auch viel anzog von Science-Fiction inspiriert: darunter Gary Ross' Hunger Games von 2012 sowie eine ganze Reihe von Superhelden, die sich mit bedrohlichen und vernichtenden Aliens auseinandersetzen.
Federico Fellini: ein Name, ein Mythos des italienischen Kinos. Er hatte einen glücklichen Start in seine Karriere: Er lernte Roberto Rossellini kennen, der ihn einlud, am Drehbuch von Rom, einer offenen Stadt von 1945, und unmittelbar danach von Paisà mitzuarbeiten. Dies sind wichtige Referenzen, die es ihm ermöglichen, 1950 mit Alberto Lattuada zusammenzuarbeiten, mit dem er Variety-Leuchten realisiert. Mit diesen Erfahrungen im Rücken begann er 1952 mit der Regie Lo sceicco bianco und unmittelbar nach ich vitelloni. Von diesem Moment an begann ein Crescendo internationaler Anerkennung und Erfolge, das 1960 mit gipfelte Das süße Leben, unbestrittenes Meisterwerk mit einem meisterhaften Marcello Mastroianni. Folgend vielleicht sein wahres Meisterwerk: Halb neun von 1963. Es ist vielleicht der Bruchpunkt mit der Tradition des italienischen neorealistischen Films (sein Satz „Der Visionär ist der einzige Realist“), wo sich Träume, existenzielle Schwierigkeiten und Bestrebungen vermischen menschliche Natur. Ich erinnere mich noch an Fellini Satyricon von 1969, Amarcord von 1973, Il Casanova von 1976 und schließlich das beste Zeugnis seiner Vollständigkeit, seiner Universalität, Prova d'orchestra von 1978, ursprünglich für das Fernsehen konzipiert und dann für die große Leinwand produziert.
Ausgezeichnet mit vier Academy Awards für den besten fremdsprachigen Film (mit La strada, Nights of Cabiria, 8 1/2 und Amarcord) und einem Oscar für sein Lebenswerk im Jahr 1993, sowie 12 Nominierungen und unzählige andere nationale und internationale Auszeichnungen.
