Geboren in eine Kaufmannsfamilie mit unterschiedlichen Wurzeln: Schottisch, Niederländisch, Walisisch, Cherokee, Sheila Hicks 1954 schrieb er sich an der Yale University ein, wo er Kurse bei Persönlichkeiten wie der Bauhaus-Historikerin und dem berühmten Farbtheoretiker Josef Albers sowie bei George Kubler, einem auf präkolumbianische Kunst spezialisierten Historiker, besuchte. Diese Ausbildung wird sie dauerhaft dazu ermutigen, ihren gewählten künstlerischen Weg fortzusetzen, nämlich Textilarbeiten zu schaffen, die die Grenzen zwischen bildender Kunst und angewandter Kunst überwinden. Während er in seiner Praxis kleine abstrakte expressionistische Gemälde schuf, fertigte er 1956 seine ersten Minimi an, winzige Webereien, die als Testgelände für seine zukünftigen Kreationen dienten. 1957–58 reiste sie durch Lateinamerika, um mehr über Web- und Sticktechniken zu lernen, und verbrachte dann ein Jahr in Frankreich, wo sie Raoul d’Harcourt traf, einen Spezialisten für Textilien aus der Zeit vor den Inkas, dessen Schriften einen entscheidenden Einfluss auf sie haben sollten. Abschlussarbeit.
Hicks‘ Werk steht im Dialog mit der Architektur, die es umgibt
Diese Neigung entstand während seiner Studienzeit in den Vorlesungen des modernistischen Architekten Louis Kahn in Yale und verstärkte sich dann während seines Aufenthalts in Mexiko, wo er sich mit den Architekten Félix Candela, Mathias Goeritz und Luis Barragán anfreundete. Im Laufe der Zeit beeinflusste es seine Praxis tiefgreifend und führte unter anderem zu Projekten mit Eero Saarinen, Warren Platner, Gyo Obata, SOM, Kajima, Junzo Sakakura, Nikken Sekkei, Theo Crosby und Kevin Roche. Mitte der 1960er Jahre, nach vier Jahren in Mexiko, zog er nach Paris, wo er seitdem lebt und seine Forschungen an der Schnittstelle von Kunst, Design und Dekoration fortsetzt. In seiner perfekten Verschmelzung von Moderne, Abstraktion, außerwestlichen Traditionen und Savoir-faire verschmelzen seine Skulpturen und Environments aus Wolle, Nylon, Seide, Leinen oder Baumwolle manchmal mit Gebrauchsgegenständen wie Kleidung und können auch selbst funktional werden. Es werden Räume geschaffen, in denen Besucher zum Spazierengehen, Liegen und Entspannen einladen. Ob Stapel großer Faserballen, Kaskaden bunter Kletterpflanzen, Säulen aus pigmentierten Fäden oder sogar mit Wolle umwickelte flexible Röhren – seine Werke geben den Materialien, die ihre Formen bestimmen, den Vorrang. Seine Werke unterliegen den Gesetzen der Schwerkraft und werden durch die Architektur der Räume bestimmt, in denen sie ausgestellt sind. Sie hängen vertikal und falten sich horizontal, wenn sie den Boden berühren. Werke, die sich aufgrund ihres eigenen Gewichts in einem Farbspektrum erheben und stabilisieren verändern die eigene Wahrnehmung des Raumes, den sie bewohnen. Hicks lehnt es ab, ihren Werken eine feste, definierte Form zu geben, und kreiert sie im Geiste des freien Experimentierens, das sich mit dem Webprozess entwickelt und keinen anderen Zweck als ihre eigene Existenz hat. Seine duktilen und labilen Skulpturen sind ein Vorgeschmack auf die Anti-Form- und Post-Minimalismus-Bewegungen, die in großem Umfang Stoff verwendeten.
© Sheila Hicks / Adagp, 2024
Bildnachweis: © Kwa Yong Lee / Louis Vuitton
Atterrissage [Landing] (2014) und Another Break in The Wall (2016) sind sinnbildlich für das Werk von Sheila Hicks. Diese beiden ikonischen Stücke, die Teil der Sammlung sind, werden zum ersten Mal in Korea präsentiert.
Arbeit am Cover ANOTHER BREAK IN THE WALL 2016
© Sheila Hicks / Adagp, 2024
Bildnachweis: © Kwa Yong Lee / Louis Vuitton
