Freitag, 21. Juni wird inszeniert Teatro La Fenice in Venedig „Madama Butterfly“, japanische Tragödie in zwei Akten von Giacomo Puccini mit einem Libretto von Giuseppe Giacosa und Luigi Illica (nach der gleichnamigen Erzählung von John Luther Long und der gleichnamigen Tragödie von David Belasco). Die Oper wurde am 17. Februar 1904 am Teatro alla Scala uraufgeführt und in den folgenden Jahren vom Autor mehrfach überarbeitet. Das Werk wurde in der endgültigen Fassung vorgeschlagen und in der gedruckten Partitur von 1907 veröffentlicht, 1906 auf Französisch in Paris und 1907 auf Italienisch in New York vorgeschlagen.
Puccinis Meisterwerk wird im Teatro La Fenice in einer neuen Inszenierung von großem künstlerischem Interesse präsentiert, die als besonderes Projekt Teil der 55. Internationalen Kunstausstellung der Biennale von Venedig mit zwei Aufführungsreihen im Juni und Oktober sein wird. zu Beginn und am Ende der Show. Sets und Kostüme werden Mariko Mori anvertraut, einer der interessantesten zeitgenössischen japanischen Künstler, Autor von Installationen, die von der Schnittstelle zwischen der alten japanischen Kulturtradition und den raffiniertesten zeitgenössischen technologischen Mitteln sowie dem tiefen Gleichgewicht zwischen Mensch und Natur inspiriert sind. Unter Verwendung avantgardistischer Materialien, Multimedia-Tools und 3D-Modellierungs- und Drucktechniken und unter Verwendung des sehr originellen „Kopfdesigns von Hutmacherin von Kamo“ wird Mariko Mori einen szenischen Behälter und eine Reihe von Kostümen und Accessoires von ungewöhnlicher visueller Wirkung vorschlagen, die ermöglicht es, die entscheidende Begegnung zwischen Ost und West, die die Grundlage von Puccinis Werk bildet, auf eine beispiellose Weise zu entwickeln.
Die Regie der Show wird dem spanischen Regisseur Àlex Rigola übertragen, langjährige künstlerische Leiterin des innovativen Teatre Lliure in Barcelona und seit 2010 Leiterin der Theatersektion der Biennale Venedig, zu der der Lichtdesigner Albert Faura und die Tänzerinnen Inma Asensio, Elia Lopez Gonzalez und Sau-Ching Wong stoßen .
Aus musikalischer Sicht, die Konzertierung von Puccinis Partitur wird das Werk des israelischen Dirigenten Omer Meir Wellber sein, der bereits letztes Jahr beim Fenice in Carmen und in Elisir d'amore Beifall gezollt hat und alle Aufführungen mit Ausnahme der Giacomo anvertrauten am 23. und 27. Juni dirigieren wird Sagripanti. Das Orchester des Teatro La Fenice und der Chor unter der Leitung von Claudio Marino Moretti begleiten die Doppelbesetzung, in der sich die Sopranistinnen Amarilli Nizza und Svetlana Kasyan in der Rolle der Cio-Cio-San abwechseln, die Mezzosopranistinnen Manuela Custer und Rossana Rinaldi in der von Suzuki, die Tenöre Andeka Gorrotxategui und Giuseppe Varano in der von Pinkerton, die Baritone Vladimir Stoyanov und Elia Fabbian in der von Sharpless; Julie Mellor wird Suzuki sein, Nicola Pamio der Nakodo Goro, William Corrò der Prinz Yamadori, Riccardo Ferrari der Bonze-Onkel. In den Nebenrollen von Yakusidé, dem kaiserlichen Kommissar, dem Standesbeamten, der Mutter von Cio-Cio-San, der Tante und der Cousine wechseln sich die Künstler des Chors des Teatro La Fenice mit Ciro Passilongo, Bo Schunetton und Emanuele ab Pedrini, Nicola Nalesso, Enzo Borghetti, Marco Rumori, Misuzu Ozawa, Manuela Marchetto, Marta Codognola, Emanuela Conti, Sabrina Mazzamuto und Eleonora Marzaro.
Auf die Premiere am Freitag, 21. Juni folgen 8 aufeinanderfolgende Aufführungen, Samstag 22. (Runde C) und Sonntag 23. (Runde B) um 17.00 Uhr, Dienstag 25. (Runde D), Mittwoch 26. (ohne Abonnement), Donnerstag 27. (Runde E ), Freitag, 28. (ohne Abonnement), Samstag, 20. (ohne Abonnement) und Sonntag, 30. (ohne Abonnement) um 19.00 Uhr. Der Abend des Samstags, 29. Juni, ist Teil der Initiativen „La Fenice für die Stadt“ und „La Fenice für die Provinz“, die sich an die Einwohner der Gemeinde und der Provinz Venedig richten, in Zusammenarbeit mit den Gemeinden der Gemeinde Venedig und mit der Provinzialverwaltung.
Begrüßt vom Publikum der Mailänder Scala mit Buhrufen und Gelächter, wurde Madama Butterfly durch eine unglückliche Erfindung von Tito Ricordi zu ihrem ungünstigen Debüt (am 17. Februar 1904) gezerrt, der „das Bild mit größerer Suggestion färben“ wollte, indem er einige Angestellte in der Galerie „mit speziellen musikalisch gestimmten Pfeifen“ verstreute. Es kam den Schreiern nicht real vor, daraus einen Vorteil zu ziehen“. Inzwischen ist klar, dass das Fiasko einer Claque geschuldet war, wahrscheinlich von Sonzogno, Ricordis rivalisierendem Verleger-Impresario, geschickt. Puccinis Glaube an seine Schöpfung wankte jedoch nicht und er erhielt eine eindrucksvolle Bestätigung mit dem großen Erfolg, der Madama Butterfly seit der Wiederaufnahme am 28. Mai 1904 im Teatro Grande in Brescia zuteil wurde (ein Erfolg, der seitdem nie gescheitert ist). , so sehr, dass dieses Meisterwerk in kürzester Zeit den Rang eines Klassikers des Musiktheaters erobert.
Vier Jahre vor dem ungünstigen Debüt in Mailand Im Sommer 1900 hatte Puccini in London eine Aufführung eines Dramas mit ähnlichem Thema besucht den David Belasco einem Roman des New Yorker Anwalts John Luther Long entnommen und dessen Ende von glücklich zu tragisch verändert hatte. Sein theatralisches Flair hatte ihn in der Protagonistin Cio-Cio-San eine faszinierende Figur erkennen lassen, deren Charakterisierung auf einzigartige Weise seinen Neigungen als Komponist angepasst war: Unter der Hand der vertrauten Illica und Giacosa konzentrierte sich das Werk ganz auf die Protagonistin, rundherum wem die anderen Charaktere gedreht wurden. Raffinierte klangliche Alchemien und durchgehende Verweise auf orientalische musikalische Vorbilder (die Verwendung fehlerhafter Skalen oder heterodoxer harmonischer Verfahren tauchen auf) begleiten die psychologische Reise der zerbrechlichen Geisha von der anfänglichen Genialität zum Zweifel und der schmerzhaften endgültigen Resignation mit außerordentlicher Sensibilität und Zartheit, so sehr die der menschlichsten und am feinsten charakterisierten Charaktere in der gesamten Geschichte des Melodrams.
Madama Butterfly ist auch ein Akt der Verurteilung der stumpfen und barbarischen Gewalt der sogenannten westlichen Zivilisation, ihres Sadismus, ihrer Oberflächlichkeit, ihres Zynismus, ihres unbegründeten Überlegenheitsgefühls. Lichtjahre entfernt von einer einfachen und sterilen orientalischen Oleographie, platziert es kraftvoll die Thema des Kontrasts zwischen den Kulturen deren Opfer die Protagonistin ist, konzentriert sich darauf (auf ein naives und naives kleines japanisches Mädchen) die psychologische Untersuchung, mit Ergebnissen, die nur bei den innerlich reichsten Frauenfiguren (Violetta, Tat'jana...) zu vergleichen sind Die Geschichte des Melodrams.
Von großer Bedeutung ist der musikalische Stil des Werkes, der sprachliche Kontaminationen der gewagtesten nicht vermeidet: Neben dem bereits erwähnten Einfluss japanischer Musik, der sich vor allem in der häufigen Verwendung der Fünftonleiter herausbildet, sind Elemente der kultivierte westliche Tradition (das Fugato, Wagner-Anklänge, Verweise auf Massenet, Reminiszenzen an Bohème und Tosca, aber auch die Ganztonskala und andere orientalische Modalismen aus der russischen Musik) und die des Gebrauchs (die heutige Hymne der US-Marine). die amerikanische Nationalhymne): eine äußerst duktile Mischung von Modellen, die einerseits verschiedene kombinatorische Möglichkeiten in der Klangerfindung zulässt, etwa um die kontinuierliche Verbundenheit der Musik mit der Handlung oder ihre tiefgreifende dramaturgische Bedeutung zu gewährleisten, und andererseits a ständige Neuerfindung des Klangs, die den Verfall der Sprache zu einem ästhetisierenden orientalischen Klischee vermeidet, dessen Manieren die Authentizität von Butterflys menschlicher Geschichte kläglich trivialisiert hätte.
mariko mori
Als international anerkannte Künstlerin, deren Werke in Museen und Privatsammlungen auf der ganzen Welt zu finden sind, erlangte Mariko Mori internationale Berühmtheit mit der Installation Wave UFO, die 2003 im Kunsthaus Bregenz präsentiert und anschließend in New York, Genua und auf der Biennale in Venedig 2005 ausgestellt wurde. Er hat zahlreiche Auszeichnungen erhalten, darunter die lobende Erwähnung auf der 47. Biennale von Venedig für Nirvana (1997) und den Preis der Japan Cultural Arts Foundation 2001 für zeitgenössische japanische Kunst. Oneness, eine Retrospektive seiner Arbeit, wurde in Groningen, Aarhus, Kiew, Brasilia, Rio de Janeiro und São Paulo gezeigt. Zu seinen jüngsten großen Skulpturen gehören Tom Na H-iu (2006) und Plant Opal (2009): Beide basieren auf Elementen, die mit der natürlichen Umgebung interagieren. Derzeit arbeitet er am Projekt Primal Rhythm, einer monumentalen Dauerinstallation, die eng mit der Landschaft der Seven Light Bay auf der Insel Miyako in der Präfektur Okinawa verbunden ist. Sein aktueller Fokus liegt auf einer Welt, in der der Mensch eins mit der Natur ist und in der sich das Tempo des menschlichen Lebens im Einklang mit dem der natürlichen Umwelt bewegt. Seine Projekte zielen darauf ab, dieses Bedürfnis in unser Bewusstsein zu bringen und das Gleichgewicht in der Natur zu zelebrieren. Eine Idee, die sich in den Themen Leben, Tod, Wiedergeburt und Universum widerspiegelt. Seine oft monumentalen Installationen wurden an prestigeträchtigen Orten auf der ganzen Welt ausgestellt, darunter die Royal Academy of Arts und die Serpentine Gallery in London, das Museum of Contemporary Art in Tokio, das Centre Georges Pompidou in Paris, die Prada Foundation in Mailand, das Brooklyn Museum of Art in New York, das Museum of Contemporary Art in Chicago, das Dallas Museum of Art, das Los Angeles County Museum of Art, und seine Werke sind Teil der Guggenheim-Sammlungen geworden, unter anderem Museum und MoMA in New York und das Israel-Museum in Jerusalem. Er lebt zwischen London, New York und Tokio.
