30 29 von Mai bis Juni 2014 das MAN-Museum in Nuoro präsentiert die Ausstellung „Ich nehme zwei. Die Avantgarde der Bewegung“. Das Projekt, kuratiert von Lorenzo Giusti, Direktor des MAN-Museums, und Elena Volpato, Kuratorin der GAM Turin, verantwortlich für die Film- und Künstlervideosammlung, erforscht durch einen Querschnitt, der von den Ursprüngen des Animationskinos reicht heute , einer der faszinierendsten Aspekte der Animationsarbeiten, diese von vielen Künstlern und Filmemachern geschätzte Möglichkeit, filmische Bewegung als magisches Ritual zu nutzen, das die gezeichnete Linie, die Silhouette, die Puppe oder das fotografische Bild zum Leben erweckt.
Die eigentlich demiurgische schöpferische Imagination, die der Zeichnung und der Darstellung durch Figuren oft zugrunde liegt, nimmt durch die Bewegung und den musikalischen Rhythmus die betörenden Züge des Zaubers eines Lebens an, das ein Tanz der Imagination ist. Es ist kein Zufall, dass sich Künstler und Filmemacher bei der Annäherung an die verschiedenen Animationstechniken oft auf das Körperbild konzentrieren und damit Beschwörungen der Figur Frankenstein, des Golem oder des Roboters und der künstlichen Geburt eines Körpers im Allgemeinen verknüpfen , als wollten sie in der mythischen Geschichte ihre eigene Kraft als Animatoren wiederholen: dem Unbelebten eine Seele zu geben.
Die ausgestellten Arbeiten bieten daher die Möglichkeit einer historischen Reise in der Animation, experimentell und künstlerisch, durch das Bild des Körpers, seine Konstruktion und seine "Montage". Wenn die Animation auf Zeichnung basiert, scheint alles aus einer Linie zu entstehen, wie in der bahnbrechenden Fantasmagorie von Émile Cohl (1908) oder in Lifeline (1960) von Ed Emshwiller, wo sich die durchgehende weiße Linie in Materialknäuel einhüllt, die sich allmählich verkleinern werden zu einer organischen Arabeske, die sich mit dem fotografischen Bild des Körpers einer Tänzerin vermischt. Oder wie in George Griffins Head (1975), wo die Grundform des Gesichts und die künstlerische Tradition des Selbstporträts von jedem realistischen Detail befreit und dann unerwartet mit emotionaler Ausdruckskraft und psychologischen Nuancen bildhaft wiedergegeben werden.
In anderen Werken lässt die Zeichnung Raum für die Skulptur und den damit verbundenen Mythos von Pygmalion, wie im Fall von Jan Svankmejer, der in Darkness Light Darkness (1990) einen Körper zeigt, der sich ausgehend von den beiden in einer geschlossenen Hand formen kann Raum , in dem alle Glieder, die in Einheiten zusammengesetzt werden, nacheinander fließen. Svankmejers zwei Hände haben einen Vorläufer im Surrealismus von Alexeieff und Parker mit The Nose (1963), wo einzelne, rebellische und unabhängige Gliedmaßen die Kraft des Lebenszaubers für sich beanspruchen, und scheinen in einigen Werken von Nathalie Djurberg eine neuere Entwicklung zu finden und Hans Berg.
Die Geschichte von Frankenstein lebt explizit in Len Lyes Film Birth of a robot (1936) und erneut in Street of Crocodiles (1986) von den Quay Brothers oder in Max Almys Video The Perfect Leader (1983) wo man künstlich ist gebaut, ist es kein Wesen, das dazu bestimmt ist, seinem Schöpfer zu dienen, wie bei Frankenstein und dem Golem, sondern es ist der zukünftige politische Führer, der auf dem Computer so programmiert wird, dass seine diktatorische Wildheit die Gesellschaft widerspiegelt, die ihn wollte und schuf.
Andere Arbeiten stellen den Körper als einen Ort der Konstruktion dar, nicht der einzelnen Identität, sondern der sozialen Identität. Dies ist der Fall bei Berthold Bartoshs berühmtem L'idée (1932), aber auf andere Weise auch bei den Werken von William Kentridge, in denen der Schmerz der Massen schwarze Staubspuren auf den weißen Seiten der Geschichte hinterlässt vor den unbescheidenen nassen Körpern aus dem blauen Wasser der reichen Tycoons. Dies ist der Fall bei den Silhouetten von Kara Walker, ebenfalls schwarz vor weißem Hintergrund, gefoltert und vergewaltigt von kolonialer Grausamkeit.
Schließlich ist es der Tanz, der ultimative Ausdruck von Schönheit in der Bewegung, der uns erlaubt, die Magie des belebten Körpers an den unterschiedlichsten Orten des Denkens und der Vorstellung zu zeigen: in Segundo de Chomóns Easter Eggs (1907), in Fernand Légers Ballet Mécanique , wo Maschine und Körper zu einem einzigen bewegten Subjekt verschmelzen, im absoluten Raum von McLarens Pas de deux, in der astrologischen Nacht von Maya Derens The Very Eye of Night (1958) oder im zweidimensionalen Universum von Robin Rhodes Zeichnung , wo sich Körper und Design auf einer einzigen Ebene von Realität und Traum treffen.
Die Ausstellung wird durch die Arbeiten von Claudio Cintoli (Più, 1964) vervollständigt, in denen die ästhetische Matrix der Pop Art die Identität des Körpers in Kleidung und Werbeprodukten desartikuliert; von Stan Vanderbeek (After Laughter, 1982), wo die Bewegung des Körpers im Raum zu einer Modifikation durch die Zeit wird, wie in einer Stammesgeschichte des Menschen, und von Claus Holtz & Harmut Lerch (Portrait Kopf 2, 1980), in der die überlagerte Animation von Gesichtern und Köpfen führt auf anti-lombrosianischem Weg zurück zu einer ursprünglichen Einheit des menschlichen Wesenszuges. Schließlich die neuesten Arbeiten von Diego Perrone (Totò nudo, 2005), in denen die Ikone von Totò mit einem Mechanismus zerlegt und wieder zusammengesetzt wird, der die Fähigkeit des Schauspielers nicht vergisst, eine Marionette, ein lebloser Körper zu werden, und Noa Gur (White Noise, 2012), deren sprachliche Essenz den Weg ideal schließt und die alte Wurzel der Zeichnung in der Animation des Körpers wieder herstellt: die Erfassung eines Individuums und seines vitalen Atems durch die einfache Technik des Abdrucks.
