Dieses Bedürfnis ergibt sich aus der Tatsache, dass der breiten Öffentlichkeit das Vergnügen verwehrt wird, an der Entstehung einer Ausstellung selbst mitzuwirken, an diesem Prozess des obsessiven Schnitzens, den die Künstler im Dialog mit ihren Kuratoren durchführen, verpflichtet, die "besten möglichen Formen" zu verfolgen „Auch wenn wir manchmal fadenscheinige Lösungen annehmen, bei denen die Verwirklichung der Arbeiten fehlerhaft ist oder Kompromissen ausgesetzt zu sein scheint.
Anstatt das Setup rechtzeitig zur Eröffnung zu verfeinern, werden wir umgekehrt versuchen, es während der gesamten Ausstellungsdauer von Zeit zu Zeit neu zu definieren. Ohne die Werke in ein vorgegebenes En Pose verstricken zu wollen, werden immer wieder andere Installationen entwickelt, die im Vergleich zu früheren Versuchen eine völlig neue Denkweise verfolgen. Der Zuschauer, der die Ausstellung im Laufe der Monate besucht, wird feststellen, wie es möglich ist, die Ausstellung zu bauen, neu zusammenzusetzen und zu integrieren, die selbst zu einem Werk wird, aber vor allem ihre inneren Mechanismen enthüllt.
Nicht weniger wichtig ist der Titel/das Konzept der Ausstellung. Getreu der Reduktion von Kategorien ermöglicht das Projekt handsignierte Werke und anonyme Objekte neben funktionalem Mobiliar und Einrichtungsgegenständen gegenüberzustellen. Diese Zustimmung ist nicht nur mit dem Raum verbunden, den sie einnehmen, sondern auch mit der Zeit und dem Geschmack, zu dem sie gehören; in der französischen Sprache leitet sich Gorgiere von Gorge ab, „Kehle“ (womit wir gelernt haben, unsere ästhetische Bildung zu assoziieren), um die Tatsache zu unterstreichen, dass Geschmack erneuert werden kann, aber niemals geleugnet werden darf. Gerade deshalb werden Moderne und Zeitgenössische in völliger Freiheit miteinander – und mit dem Kontext – in Dialog treten. Diese Reziprozität wird den Gorget auch in ein "Möbiusband" verwandeln, einen Übertragungsknotenpunkt, der die unruhigen Pfade der Umgebung mit all ihren Hintergründen offenbart. So wird eine Bedeutungsvielfalt geboten, die auf eine eindeutige Deutung verzichtet. In den Monaten Februar und März wird es ephemere Installationen geben, anfällig für wesentliche Änderungen oder auch nur kleine Hilfsmittel, die es dem Betrachter ermöglichen, einen breiten Überblick/Vorschlag kuratorischer Praktiken und Probleme mitzuerleben.
So wie es nicht möglich ist, zweimal in denselben Fluss einzutauchen, wird es die Entwicklung dieses Projekts der Öffentlichkeit niemals ermöglichen, dieselbe Ausstellung zu sehen. Die Einladung besteht darin, die unvorhersehbaren Auswirkungen des Projekts neu zu entdecken und dabei eine einzige Frage im Auge zu behalten: Wie viele Ausstellungen können mit demselben Repertoire an Werken und Objekten stattfinden?
Zu sehen sind Werke von V. Beecroft, M. Bian-chi, J. Lee Byars, U. Boccioni, F. Bocchini, R. Borella, A. Bucci, GE Chauffourier, CtrlZak, H. De Marco, W. Delvoye, F Di Piazza, L. Dudreville, A. Fairhurst, A. Filomeno, A. Funi, HJ Glattfelder, F. Grignani, C. Höfer, K. Hokusai, M. Jodice, M. La Rosa, Liudmila + Nelson, N. Poli Maramotti , CM Mariani, S. Menin, L. Ontani, F. Petiti, GB Piranesi, G. Pontrelli, C. Pope, F. Rops, N. Samorì, L. Scarpella, M. Sironi , S. Stein, P. Ventura , J. Villeglé, P. Vogel, Weiluc, A. Wildt, D. Wolf, Poka Yo.
