Undankbare Zeiten für zeitgenössische Künstler. Zwischen der aufhebenden Wut bestimmter einflussreicher liberaler Kreise und Urheberrechtsbesessenen auf der anderen Seite des politischen Spektrums kann wirklich das Undenkbare passieren. Und es ist tatsächlich einem Künstler wie Andy Warhol passiert, der den modernen Geschmack und die Art und Weise, wie Kunstwerke konzipiert werden, verändert hat.
Das entschied das United States Court of Appeals for the Second Circuit in New York Andy Warhol verletzte 1984 das Urheberrecht von Lynn Goldsmith (Fotograf), der sich eine seiner Aufnahmen aneignet, um die Siebdruckserie des Rockstars Prince zu erstellen. Erschwerend kommt hinzu, dass die Warhol Foundation der Zeitschrift „Vanity Fair“ das Recht einräumte, den Siebdruck zu vervielfältigen, um an das Verschwinden des Musikers zu erinnern. Diese Nutzung veranlasste Goldsmith, als Urheberrechtsgeschädigter vor Gericht zu gehen.
Im ersten Urteil schloss sich das Gericht der Wahrol-Stiftung an. Aber Goldsmith gewann im Berufungsverfahren. Tatsächlich hat Warhols Arbeit laut Berufungsgericht die Quelle nicht ausreichend verändert, um in den Schutzbereich der fairen Verwendung einzudringen. Daher sind die Ansprüche von Goldsmith berechtigt. merken dass der Grundsatz der fairen Nutzung in der europäischen Gesetzgebung nicht existiert.
In Anlehnung an Picasso sagte Steve Jobs, der viel über transformative Dinge wusste, mit Selbstzufriedenheit: „Große Künstler kopieren nicht, sie stehlen“. Aber als es Bill Gates war, der stahl, brachte Jobs ihn vor Gericht. Aber Bill war kein Künstler, sondern ein mittelmäßiger Kopist (laut Jobs). "Das einzige Problem mit Microsoft - sagte Jobs - ist, dass sie einfach keinen Geschmack" beim Kopieren oder Stehlen haben.
Jetzt wurde sogar Warhol von drei New Yorker Richtern microsoftisiert.
Die Begründung des Satzes
Wir geben die entscheidende Passage des Berufungsgerichtsurteils zum Siebdruck von Prince in der Originalsprache wieder:
Warhol schuf die Prince-Serie nicht, indem er sein eigenes Foto von Prince in einer ähnlichen Pose wie auf dem Goldsmith-Foto machte. Er versuchte auch nicht, lediglich die „Idee“ zu kopieren, die auf dem Goldsmith-Foto vermittelt wurde. Vielmehr produzierte er die Werke der Prince-Serie, indem er das Goldsmith-Foto selbst kopierte – dh [dh] Goldsmiths besonderen Ausdruck dieser Idee.
Das soll nicht heißen [dies bedeutet nicht], dass jede Verwendung einer exakten Reproduktion ein Werk darstellt, das dem Original [Gott sei Dank!] im Wesentlichen ähnlich ist. Aber hier, angesichts des Grades, in dem Goldsmiths Arbeit innerhalb [in] Warhols wiedererkennbar bleibt, kann es keine vernünftige Debatte darüber geben, dass die Arbeiten im Wesentlichen ähnlich sind.
deshalb:
Werke der Prince-Serie sind nicht durch Fair Use geschützt. … Das Werk eines jeden Wiederverwenders muss vernünftigerweise so wahrgenommen werden, dass es einen [umfassenden] völlig unterschiedlichen künstlerischen Zweck verkörpert, einen, der eine neue Bedeutung oder Botschaft vermittelt.
Eine neu eingefärbte Fotokopie
Offensichtlich gibt Warhols Wiederverwendung nicht nur die Quelle originalgetreu wieder, sondern präsentiert auch kein Element, das einen anderen künstlerischen Zweck, eine neue Bedeutung oder eine bestimmte Botschaft vermittelt. Es ist im Wesentlichen eine neu eingefärbte Fotokopie.
Wen interessiert das, hier dort befindet sich der vollständige Urteilstext (60 Seiten) im Fall „The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc. vs. Lynn Goldsmith, Lynn Goldsmith, Ltd.“
Der Kunstkritiker der „New York Times“, Blake Gopnik, intervenierte in dieser Angelegenheit mit einem Artikel, dem die New Yorker Zeitung eine ganze widmete Seite.
Es ist interessant, Gopniks Argumentation zum Thema künstlerische Aneignung zu verfolgen, die sicherlich oft auf die zeitgenössische Kunstwelt zurückfallen wird.
Hier ist die italienische Version.
Künstlerische Aneignung oder kreative Nutzung?
Vor einigen Jahren, a Gruppe von Kunstkritikern erklärte Marcel Duchamps Skulptur „Fountain“ von 1917 – ein in einem Geschäft gekauftes und als Werk des Künstlers präsentiertes (später verlorenes) Urinal – zum einflussreichsten Kunstwerk des XNUMX. Jahrhunderts.
Andy Warhols Brillo Boxes von 1964 – Reproduktionen von Tamponschachteln, die ebenfalls als Kunst präsentiert wurden – hätten leicht den zweiten Platz einnehmen können. Der Philosoph Arthur Danto hat eine bemerkenswerte Karriere und eine ganze Denkschule rund um die Bedeutung dieser Kisten aufgebaut, die für das Verständnis moderner Ästhetik von grundlegender Bedeutung sind.
Letzten Monat erklärten sich drei Richter eines Bundesberufungsgerichts in Manhattan zu Kunstexperten, mehr als jeder andere Kritiker oder Philosoph. Ob sie wollten oder nicht, ihr Urteil hatte zur Folge, dass die auf einer "künstlerischen Aneignung" beruhenden Erfindungen von Duchamp und Warhol nicht den rechtlichen Schutz verdienten, der der Kreativität seit Beginn der Messe zuteil wird Verwendung nach dem Urheberrechtsgesetz der Vereinigten Staaten.
Faire Nutzung
Die „faire Nutzung“ sollte Richtlinien bezüglich der Fähigkeit eines Künstlers festlegen, die Schöpfung eines Peers ohne Erlaubnis und ohne Bezahlung zu übernehmen. Fair Use soll verhindern, dass das Urheberrecht – das die Schöpfung eines Künstlers schützt – „die Fähigkeit von Autoren, Künstlern und uns allen, uns auszudrücken und uns auszudrücken, indem wir uns auf die Werke anderer beziehen“, vollständig blockiert, wie es dasselbe Gericht verurteilt hatte Berufungsverfahren in Manhattan, in einer Entscheidung zugunsten des Künstlers Jeff Koons, der sich ein Modefoto für eines seiner Gemälde "angeeignet" hatte.
Viele kreative Produkte müssen andere Werke „erwähnen“. Stellen Sie sich einen Kritiker vor, der ein Gedicht zitieren möchte, um zu zeigen, wie schlecht es ist, oder einen Karikaturisten, der ein Warhol-Acryl kopiert, um sich darüber lustig zu machen.
Das Konzept der Transformation
Gerichte haben entschieden, dass diese Art der Nutzung unter anderem dann zulässig ist, wenn das Originalwerk im Prozess der Wiederverwendung eine Umgestaltung erfährt. Mit anderen Worten, selbst wenn der Comic Warhols Gemälde sehr ähnlich ist (es kann von Natur aus notwendig sein), würde die der Verwendung innewohnende "Transformation" ihn vor Urheberrechtsverletzungen schützen, solange sich seine Ziele und Funktionen ausreichend vom Original unterscheiden.
Die „transformative“ Eigenschaft ist hingegen nicht erforderlich, wenn es einem Künstler gelingt, vom Rechteinhaber die Erlaubnis zur Nutzung eines Bildes oder einer Schöpfung zu erhalten. Aber stellen Sie sich einen Duchamp, einen Warhol, einen Koons mit ihren übergroßen Egos vor, die herumtelefonieren und um Erlaubnis bitten, ein Urinal, ein Promi-Foto oder eine Kunstaufnahme zu verwenden. Enteignete Autoren sollten diesen großen Künstlern allein durch ihre Vervielfältigung ein Denkmal setzen.
Im Goldsmith-Fall stellte das Prozessgericht fest, dass das Bild von Prince bei der Umstellung von Warhols Schwarz-Weiß-Foto auf Farbsiebdruck einer transformativen Handlung unterzogen worden war, die eine faire Verwendung ermöglichte.
Collage, der Standard für faire Verwendung
Das Hilfsgericht hob das Urteil jedoch auf und berief sich auf eine Entscheidung des Obersten Gerichtshofs, wonach die Wiederverwendung eines Werks „völlig getrennt von seinem Ausgangsmaterial“ erfolgen muss.
Fair genug. Genau das passierte, als Warhol die Brillo-Boxen auf seine Weise verwendete. Einst als Kunstwerke in einer Galerie präsentiert, erhielten diese Objekte einen neuen Zweck und vermittelten eine andere Bedeutung und Botschaft als dieselben Kisten, die in einem Supermarktlager gestapelt waren.
Aber die Veränderung des Fotos von Prince war laut der Jury so minimal, dass die Quelle sofort erkannt werden konnte. Etwas ganz anderes als die Collage – „ein Kunstwerk, das aus zahlreichen Quellen schöpft“ – die die Jury selbst als Kanon der künstlerischen Transformation bezeichnet hat, die durch faire Verwendung geschützt ist.
Um ein wirklich originelles Kunstwerk zu schaffen, muss die Wiederverwendung oft sehr nah an ihrer Quelle bleiben. Viele große moderne Künstler „greifen nicht nur nicht auf zahlreiche Quellen zurück“, wenn sie von anderen kopieren, sondern sie nehmen keinerlei ästhetische Veränderung an dem einzelnen Bild vor, von dem sie schöpfen.
Sieh…
Wenn Warhol ästhetisch transformative Elemente um ihrer selbst willen in die Schachteln eingeführt hätte, damit sie weniger wie die Brillo-Originale aussehen – wenn er die Etiketten von Palmolive-Seife und Brillo-Damenbinden collagiert hätte – hätten sie keine so transformative Kunst wie die Reproduktion geschaffen sie und stapeln sie so wie sie sind. Uniformität, das Bewahren der wesentlichen Elemente eines bestehenden Bildes, ist gerade Warhols ultimative Vorgehensweise und macht ihn zu einem der wichtigsten modernen Künstler.
In seinen Gemälden hat Campbell's Soup das Suppenetikett nicht wesentlich verändert, mit Ausnahme einiger Vergrößerungen; seine Siebdrucke von Marilyn fügten dem Schwarz-Weiß-Porträt von Marilyn Monroe von 20th Century Fox nicht viel hinzu, außer dass sie ihm selten rohe Farbe hinzufügten; dito für seine Kopien der Mona Lisa.
Das Konzept der Transformation
Der Begriff „transformativ“ treibt Anwälte und Richter in den Wahnsinn, seit der Oberste Gerichtshof der USA ihn 1993 zum ersten Mal eingeführt hat. Wenn man jedoch auf den Punkt kommt, stellt sich heraus, dass es äußerst schwierig ist, die Funktion, Bedeutung, herauszufinden und die Botschaft, dass ein Werk auf einem anderen ruht, kann künstlerisch transformativ sein. Sind Schnurrbärte und Mona-Lisa-Pinzetten transformativ? Bestimmt! Kunst selbst ist transformativ.
Tatsächlich besteht Kunst darin, neue Ausdrucksformen, neue Darstellungs- und Verwendungsmodelle zu finden. Wie kann man sich vorstellen, dass ein Gericht auch in einem dynamischen System wie dem des Common Law diesbezüglich etwas Normatives aufstellen kann?
Nachdem er alle möglichen Optionen analysiert hatte, warf Christopher Sprigman, Professor für geistiges Eigentumsrecht an der New York University, das Handtuch. Das Urheberrecht, sagte er, „ist sehr gut gemacht, aber nicht sehr tiefgehend – und Kunst ist genau das Gegenteil. Wenn die beiden kollidieren, entstehen Probleme.“
Können die Gerichte entscheiden?
Unter der gegenwärtigen Gesetzgebung, so Sprigman, beinhalten fast alle Fair-Use-Entscheidungen, oder zumindest komplizierte, unweigerlich die Entwicklung einer Art „ästhetischer Theorie“. Die Art von "Theorie", die beispielsweise das Berufungsgericht zu der Entscheidung veranlasste, dass Collage der Kanon der fairen Verwendung im Bereich der figurativen Künste ist. Und die ästhetische Theorie ist, gelinde gesagt, nicht das Gebiet, in dem Richter die weltweit führenden Experten sind.
Aber Sprigman sagt, dass es aus heutiger Sicht nicht viele andere Lösungen gibt als die eines ästhetischen Urteils.
Wenn die Juroren keine andere Wahl haben, als die Ästhetik zu berücksichtigen – weil ein Werk das Recht verdient, auf einem anderen aufzubauen, um die Kreativität unserer gesamten Kultur voranzutreiben –, dann gibt es keine andere Wahl, als zu prüfen, welche Kunst in der Vergangenheit relevanter war. Wenn Warhol in den 60er Jahren durch eine Gerichtsentscheidung daran gehindert worden wäre, seine Marilyns herzustellen – wenn ein Gericht ihn gezwungen hätte, Marilyns Gesicht mit dem von Kim Novak zu collagieren – wären wir heute alle künstlerisch ärmer.
Große Künstler kopieren
Warhols künstlerische Erben müssen in der Lage sein, die von ihm geschaffene Aneignung zu nutzen, um die Kunst an neue Orte zu bringen, so wie die Impressionisten von Tizians bahnbrechender Pinselführung ausgingen.
Es gibt viele Dinge, die Richter mit einem Satz tun können, aber die Kunstgeschichte umzuschreiben, ist nicht ihre Aufgabe. Die Aneignung ist eine der großen künstlerischen Innovationen der Moderne. Die Aufgabe des Nicht-Künstlers ist es, dafür zu sorgen, dass das Gesetz dies anerkennt.
Große Künstler kopieren und sie sind nicht die einzigen.
Quelle: Blake Gopnik, Warhol zum lahmen Kopierer? Die Richter, die das gesagt haben, irren sich leider, The New York Times, 5. April 2021
