Incarnant le dynamisme créatif, les développements et l'héritage influent des artistes phares de la catégorie, la vente présente un total de 44 œuvres menées par Vue sur L'Estaque et Le Château d'If, environ 1883-1885, de Paul Cézanne, un chef-d'œuvre qui arrive sur le marché pour la première fois depuis son acquisition en 1936 par Samuel Courtauld, le fondateur de l'illustre Courtauld Gallery and Institute of Art de Londres (estimation : 8-12 £ million, illustré au-dessus du centre).D'autres œuvres exceptionnelles provenant de collections importantes comprennent: un groupe d'œuvres de Une collection européenne distinguée mené par le rare double portrait d'Amedeo ModiglianiLes deux filles, 1918 (estimation : 6 à 8 millions de livres sterling, illustré ci-dessus à gauche), Et Femme de Venise V par Alberto Giacometti (estimation : 6-8 M£), la lampe, 1914, de Juan Gris qui est considéré comme l'une des plus grandes contributions de l'artiste au cubisme (estimation : 2.5-3.5 M£, illustré en haut à droite); Paysage à L'Estaque, 1907, par Georges Braque (estimation : 2-3 M£) à partir de Une collection privée distinguée ; œuvres clés d'Erich Heckel, Ernst Ludwig Kirchner et Karl Schmidt-Rottluff de La collection de Carl HagemannEt Figure inclinable en trois pièces n ° 2 (accessoire de pont) de Une collection privée allemande (estimation : 2 à 3 millions de livres sterling). La soirée globale d'art impressionniste, moderne et surréaliste de Christie le 4 février a une estimation totale de prévente de 92.8 à 133.8 millions de livres sterling.
PROVENANCE DE LA COLLECTION SAMUEL COURTAULD
Vue sur L'Estaque et Le Château d'If de Paul Cézanne est un chef-d'œuvre qui arrive sur le marché pour la première fois depuis son acquisition en 1936 par Samuel Courtauld, le fondateur de l'illustre Courtauld Gallery and Institute of Art de Londres. (estimation : 8 à 12 millions de livres sterling, illustré à gauche). Le tableau est resté dans la collection privée de Courtauld tout au long de sa vie et suite à son généreux legs à la Courtauld Gallery. Cette œuvre magistrale a été peinte vers 1883-1885, lors d'une des dernières visites que Cézanne fit à L'Estaque, port de pêche et petite station balnéaire de sa Provence natale, où il chercha à plusieurs reprises l'inspiration à partir du milieu des années 1860. Il s'agit d'un exemple rare sur une toile verticale du traitement par Cézanne de ce motif iconique ; le format confère à la composition une remarquable profondeur de perspective et une concentration de couleurs et de formes.
PROVENANT D'UNE COLLECTION EUROPÉENNE DISTINGUÉE
24 œuvres modernes et surréalistes présentant Reality and Surreality: A Twentieth Century Dialogue seront mises aux enchères lors de The Impressionist and Modern Art Evening Sale et Art of the Surreal Evening Sale le 4 février 2015 à Londres. Suite à la récente vente du portrait majeur de Francis Bacon, Seated Figure (Red Cardinal), qui a été vendu de la même collection à New York le 12 novembre pour 45 millions de dollars / 28 millions de livres sterling, ces œuvres modernes et surréalistes sont proposées avec un groupe de six Œuvres d'art d'après-guerre en tant que propriété d'une collection européenne distinguée. Soulignant le flair et la vision qui sous-tendent la collection, ces œuvres présentent au marché un voyage inspirant, stimulant et riche, mettant en vedette des exemples importants de Modigliani, Miró, Magritte, Picasso, Giacometti, Moore, Fontana et d'autres. La collection complète de 31 œuvres d'art du XXe siècle devrait atteindre un total combiné de plus de 64 millions de livres sterling (100 millions de dollars). Les œuvres modernes sont menées par Les deux filles d'Amedeo Modigliani, 1918, un rare double portrait de l'artiste qui n'est proposé aux enchères que pour la deuxième fois, ayant été dans la même collection familiale pendant plus de 90 ans (estimation : 6 £- 8 millions, illustré à droite) et Femme de Venise V d'Alberto Giacometti qui a été conçu en 1956 et coulé du vivant de l'artiste ; avec une patine brune et verte extraordinairement riche, le bronze appartient à la célèbre série de sculptures créées pour la Biennale de Venise de la même année (estimation : 6 à 8 millions de livres sterling).
JUAN GRIS – CUBISME
Peinte en mai-juin 1914, La Lampe de Juan Gris appartient à une série de collages considérés comme l'une des plus grandes contributions de l'artiste au cubisme, établissant Gris comme l'un des principaux innovateurs du mouvement révolutionnaire et le plaçant aux côtés de Picasso et de Braque (estimation : £ 2.5-3.5 millions). Propriété d'un collectionneur privé et invisible au public depuis plus de 30 ans, puisqu'il a été exposé au salon séminal du cubisme qui s'est tenu à la Tate de Londres en 1983, c'est un exemple exquis de la maîtrise du papier collé par l'artiste, l'une des a privilégié les techniques artistiques dans lesquelles des couches de papier trouvé sont disposées sur la surface. Faisant preuve d'une inventivité magistrale et d'une subtilité raffinée, La Lampe a été saluée par l'érudit cubiste et collectionneur Douglas Cooper comme "un exemple exceptionnel de ce que Gris pouvait réaliser en papier collé". Cette œuvre offre aux collectionneurs et aux institutions une opportunité très rare, car la majorité des collages de Gris de 1914 se trouvent désormais dans de grands musées du monde, tels que le Metropolitan Museum of Art de New York ; Le Musée d'Art Moderne, New York; Le Musée d'Art de Philadelphie ; et le Rijksmuseum Kröller-Müller, Otterlo, témoignage de leur qualité inégalée et de leur position importante dans le développement du cubisme. Christie's a établi une nouvelle référence pour l'artiste en février 2014 lorsque Nature morte à la nappe à carreaux, 1915, s'est vendu pour 34,802,500 XNUMX XNUMX £, établissant un prix record mondial pour l'artiste aux enchères.
GEORGES BRAQUE – FAUVISME
Aux enchères pour la première fois depuis plus d'un demi-siècle, Paysage à l'Estaque, peint en 1907, par Georges Braque est l'un des premiers paysages de Provence de l'artiste (estimation : 2-3 M£, illustré à droite). Propriété d'une prestigieuse collection privée, cette œuvre a été peinte au milieu de l'une des années les plus expérimentales et formatrices de la carrière de Braque, à une époque où son style fauviste devenait de plus en plus structuré. Paysage à l'Estaque a été inclus dans l'exposition historique organisée en 1908 à la galerie Kahnweiler, soulignant l'importance de la période à laquelle il a été peint.
PROVENANCE DE LA COLLECTION CARL HAGEMANN
Soulignant le rôle du chimiste industriel Dr Carl Hagemann en tant que l'un des mécènes, partisans et collectionneurs les plus importants de Die Brücke, se trouve un groupe fin et remarquablement frais de quatre œuvres de sa collection qui ont été acquises dans les années 1920, représentant trois des quatre artistes fondateurs. du mouvement – Erich Heckel, Ernst Ludwig Kirchner et Karl Schmidt-Rottluff. Die Brücke, formé à Dresde en 1905, visait à explorer de nouveaux styles d'expression artistique centrés sur la couleur et la forme ; prônant un retour à la nature, le groupe s'éloigne des contraintes du style académique traditionnel.
Badende am Waldteich d'Erich Heckel est l'un des chefs-d'œuvre de l'art de Die Brücke (estimation : 1.5 à 2 millions de livres sterling). Il a été peint pendant l'été joyeux et révolutionnaire de 1910, lorsque Heckel, Kirchner et Pechstein vivaient et travaillaient ensemble sur les lacs de Moritzburg. Représentation dynamique, spontanée et exécutée rapidement du groupe Brücke et de leurs compagnons gambader ensemble au milieu des champs, des arbres et du rivage ensoleillé de Moritzburg, Badende am Waldteich fait partie d'une série palpitante d'images qui ont été réalisées au cours de ce dernier et consommé été que les trois artistes ont passé ensemble. Plus que toute autre peinture du groupe Brücke, ce sont leurs photos de Moritzburg de nus vivant librement dans le paysage qui résument le mieux leur idéal collectif et leur esthétique commune. Représentant l'apogée de la réalisation de Brücke, Badende am Waldteich est l'un des plus beaux exemples survivants de toutes les peintures réalisées par Heckel au cours de cette période séminale.
Acquis directement auprès de l'artiste en 1928, Badende am Meer/ Die Schlittenfahrt est une toile recto-verso arborant deux images très différentes de deux moments très importants de la carrière d'Ernst Ludwig Kirchner - ses visites estivales sur l'île de Fehmarn entre 1912 et 1914 et la genèse de la nouvelle direction de son art qui a commencé dans les Alpes suisses au début des années 1920 (estimation : 1-1.5 million de livres sterling). Peint en 1913 et entre 1922 et 1926 respectivement, le recto représente des baigneurs sur la côte de Fehmarn, et au verso, une balade hivernale en traîneau dans les montagnes près de Davos en Suisse où Kirchner a déménagé en 1919 pour se remettre du traumatisme psychologique de la Grande Guerre. Couvrant les années qui devaient avoir un tel impact déterminant sur le style et la manière du travail de l'artiste, cette image recto-verso illustre le changement dramatique dans le travail de Kirchner, à travers deux images très différentes de deux des lieux et des moments les plus influents et les plus importants. dans la carrière de l'artiste.
Badende am Strand de Karl Schmidt-Rottluff est l'une des peintures les plus belles et les plus matures de Schmidt-Rotluff sur son sujet préféré et le plus durable : les baigneurs nus à la plage (estimation : 1-1.5 million de livres sterling). Exemple exceptionnel du style expressionniste dramatique et mature que l'artiste a développé au début des années 1920, Badende am Strand est prêté de manière permanente au Germanisches Nationalmuseum de Nuremberg depuis 34 ans.
Peint en 1922, Badende am Strand dérive de l'une des périodes les plus importantes de la carrière de Schmidt-Rotluff lorsque l'artiste forgeait consciemment une forme de peinture expressionniste plus libre, plus intense et optimiste au lendemain de la Première Guerre mondiale. L'une des peintures les plus radicales et les plus abstraites de toutes les peintures de Schmidt-Rottluff, Badende am Strand est une œuvre qui représente non seulement un point culminant dans la direction que sa peinture a prise après la guerre, mais qui se présente également comme l'une des plus intéressantes et significatives de toutes ses œuvres. oeuvres d'art.
UNE COLLECTION PRIVÉE ALLEMANDE
Three Piece Reclining Figure No. 2 (Bridge Prop), une sculpture monumentale d'Henry Moore, conçue en 1963, est un puissant exemple de la capacité unique de l'artiste à équilibrer la figuration et l'abstraction dans une forme sculpturale en trois dimensions (estimation : 2 £ -3 millions). Offert à partir d'une collection privée allemande, Three Piece Reclining Figure No. 2 (Bridge Prop) est le deuxième d'une série d'œuvres commencées au début des années 1960, dans lesquelles Moore a pris la forme horizontale de la figure allongée et l'a divisée en trois pièces distinctes. . La figure allongée est l'un des thèmes centraux de l'œuvre de Moore, un site continu d'expérimentation et d'exploration. Incarnant la fascination de Moore pour la relation spatiale et formelle entre les objets, Three Piece Reclining Figure No. 2 (Bridge Prop) illustre comment le sculpteur a utilisé la figure humaine pour présenter des préoccupations artistiques variées et abstraites. Cast dans une édition de six, d'autres moulages sont conservés dans les principaux musées et collections à travers le monde: The Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, DC; Université Brown, Providence, Rhode Island; Tate Gallery, Londres et City Art Gallery, Leeds.
