Après Venise, l'exposition se déplacera au Musée Guggenheim Bilbao, du 17 octobre 2025 au 22 février 2026. À travers une sélection d'environ soixante-dix œuvres clés provenant de prestigieux musées internationaux, dont le Centre Georges Pompidou, Paris, le Guggenheim New York, le Museum of Modern Art, New York, et la Tate Modern, Londres, ainsi que d'importantes galeries, dont Jeanne Bucher Jaeger, Paris, et d'institutions culturelles, telles que le Comité Arpad Szenes – Vieira da Silva, Paris et la Fundação Arpad Szenes – Vieira da Silva, Lisbonne, l'exposition offre un regard approfondi et totalement nouveau sur l'évolution du langage visuel de Maria Helena Vieira da Silva (Lisbonne, 1908 – Paris, 1992).
Carrière des années 30 aux années 80
Soulignant la forte relation entre l'abstraction et la figuration, l'exposition retrace les moments les plus significatifs de la carrière de Vieira da Silva, des années 1930 à la fin des années 1980, et souligne son intérêt pour les espaces architecturaux, dans lesquels la frontière entre paysages urbains réels et imaginaires se dissout, allant bien au-delà des références formelles à la culture visuelle portugaise et aux mouvements d'avant-garde tels que Cubisme et futurisme. Ce qui ressort de l'exposition est la reconsidération de son travail comme indépendant du mouvement informel, auquel il a souvent été associé dans le passé, et la reconnaissance plutôt de son expérience à Paris, où il s'est installé jeune pour des raisons d'études, et de la période d'exil à Rio de Janeiro, où il s'est réfugié avec son mari Arpad Szenes, également artiste, pendant la Seconde Guerre mondiale et où il a créé un réseau dense de contacts, comme fondamentales.
L'artiste est également historiquement liée à l'héritage de Peggy Guggenheim et de Solomon R. Guggenheim
Non seulement Vieira da Silva fut incluse parmi les trente et une artistes présentées dans l'Exposition de 31 femmes organisée par Peggy Guggenheim dans la galerie-musée new-yorkaise Art of This Century en 1943, mais Hilla Rebay, la première directrice du Museum of Non-Objective Painting, futur Solomon R. Guggenheim Museum de New York, est considérée comme l'une de ses premières partisanes, ayant acheté Composition (1937) en 1936, toujours dans la collection du musée américain. Née à Lisbonne et éduquée entre Paris et Lisbonne, Vieira da Silva transforme l'idée d'espace en l'un des thèmes centraux de son travail, alliant tradition et modernité. Ses compositions, caractérisées par des structures labyrinthiques, des rythmes chromatiques et des perspectives fragmentées, capturent l’essence d’un monde en constante transformation. Des œuvres comme La Chambre à carreaux (1935) ou Figure de ballet (1948) reflètent son intérêt pour l’architecture et le mouvement, où la distinction entre figure et fond se dissout, laissant émerger une vision profondément personnelle de l’espace. Vieira da Silva a toujours vécu l’art comme une extension de son être. Comme le souligne le conservateur dans l’essai du catalogue, l’artiste était « une créature de l’atelier » : l'atelier était un lieu qui non seulement représentait son espace de travail mais devenait souvent le sujet de ses œuvres. Influencée par ses études de sculpture et d'anatomie, ainsi que par les grands maîtres du passé tels que Paul Cézanne et les mouvements d'avant-garde du XXe siècle, Vieira da Silva développe un langage pictural unique, dans lequel la physicalité de l'espace s'entremêle avec la dynamique de la mémoire et du temps. L'exposition s'ouvre sur une section consacrée au lien entre l'artiste et son mari Arpad Szenes, raconté à travers une série de portraits mutuels qui présentent au public leur relation artistique et personnelle profondément symbiotique.
L'atelier-studio, espace architectural
Nous poursuivons ensuite avec un approfondissement du thème de l’atelier-studio, lieu non seulement de travail mais aussi de réflexion sur l’espace architectural, comme le démontrent les peintures des années 1936 exposées ici, dans lesquelles la structure squelettique des espaces prend une dimension presque anatomique. Un exemple emblématique de cette période est Composition (1938), du Guggenheim de New York. Vient ensuite une série d'œuvres consacrées aux figures des danseurs et des joueurs d'échecs, comme Danse (1946), appartenant au Museum of Modern Art de New York, et Échiquier rouge ou Joueurs d'échecs (1942), dans lesquelles le jeu devient une métaphore de l'existence, faite d'action et de réaction. Un moment particulièrement intense est représenté par la section consacrée à la guerre, témoignage de la période difficile passée en exil au Brésil pendant la Seconde Guerre mondiale, au cours de laquelle Vieira da Silva a créé des œuvres pleines de tension et de douleur, instantanés de la tragédie humaine de ces années. Des œuvres significatives de cette période sont des œuvres telles que Le Désastre (Le Désastre, 1946), du Centre Pompidou, Paris, Sur le thème du « Désastre » (Sur le thème du « Désastre », 1938), du Musée d'Art Moderne de Paris, et Les Noyés (Les Noyés, 1947). Son retour à Paris en 1951 marque un tournant stylistique, qui se manifeste par la recherche d'un langage abstrait de plus en plus défini, imprégné de formes labyrinthiques. De là, le regard de l'artiste s'ouvre ensuite au paysage urbain, réel et imaginé, dans lequel l'atmosphère des lieux devient plus importante que leur représentation fidèle, évidente dans des peintures comme Paris, la nuit (1949) ou Fête vénitienne (XNUMX).
Architecture publique
Les œuvres suivantes sont dans lesquelles architecture publique apparaît comme un thème récurrent, des œuvres qui représentent des chantiers de construction, des gares et des églises, dans un équilibre entre construction et infini. La réflexion sur l'organisation de l'espace se poursuit, avec des œuvres dans lesquelles intérieurs et extérieurs fusionnent et se transforment continuellement, comme Intérieur nègre (1950) ou L'Arène (1950). Les dernières salles présentent des peintures des années XNUMX, caractérisées par une palette de couleurs de plus en plus sombres, tandis que la dernière salle est consacrée aux Compositions Blanches, des œuvres de différentes phases de la carrière de Vieira da Silva, qui soulignent le rôle particulier que la couleur blanche a joué dans sa recherche artistique. Maria Helena Vieira da Silva. Anatomie d'un espace sera accompagnée d'un riche catalogue illustré, publié par Marsilio Arte, avec des textes de la commissaire Flavia Frigeri, de l'artiste Giulia Andreani, de l'écrivaine et essayiste Lauren Elkin et de l'historienne de l'art Jennifer Sliwka.
Image de couverture : Maria Helena Vieira da Silva, Composition (Composition), janvier 1936, huile sur toile, 105.3 x 161.5 cm. Musée Solomon R. Guggenheim, New York, Collection fondatrice Solomon R. Guggenheim, Don © Maria Elena Vieira da Silva, par SIAE 2025
