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Arte, las espléndidas 12 exposiciones que marcaron el año 2023 en Italia y en el mundo: date prisa, algunas todavía se pueden ver

La editorial goWare ofrece las 12 exposiciones culturales más interesantes del año, con especial atención a las que están próximas a cerrar, recomendadas por la crítica de arte del "Financial Times", Jackie Wullschläger.

Arte, las espléndidas 12 exposiciones que marcaron el año 2023 en Italia y en el mundo: date prisa, algunas todavía se pueden ver

Como cada final de diciembre, al despedir el año pasado, hay voluntad de hacer balance y elaborar rankings de lo notable que ha sucedido en los 12 meses que quedan.

Uno de los ejercicios favoritos consiste en extraer de la masa de eventos culturales e exposiciones los más destacados celebrados en todo el mundo. Por supuesto, muchos ya no podrán verse, pero aún quedan catálogos y recursos web y de redes sociales a los que recurrir como premio de consolación. Por eso no es un ejercicio vano elaborar estos rankings. Para el público ciertamente no es lo mismo que verlo en vivo, pero al menos puede ayudar a aliviar el sesgo FoMO (Fear of Missing Out).

Con la ayuda de la crítica de arte de “Financial Times" Jackie Wullschlager Destacamos 12 exposiciones verdaderamente importantes. Algunos todavía están abiertos y puedes encontrarlos primero en la siguiente lista, comenzando por los que cerrarán de manera más inminente.

Las exposiciones de arte siguen abiertas a los visitantes.

Manet/Degas

Nueva York, Museo Metropolitano de Arte Moderno, hasta el 7 de enero de 2024

Ambos parisinos de familias adineradas de clase alta, Eduard manet (1832-1883) edición edgar degas (1834-1917) eran contemporáneos, se frecuentaban, se respetaban, se imitaban pero también, digamos, se odiaban sin por ello acritud alguna.

Manet era extrovertido y hablador, Degas reservado y monstruoso. Políticamente Manet era de izquierdas y Degas de derechas, pero artísticamente los papeles estaban invertidos: el primero era conservador, el segundo un innovador.

Manet nunca quiso unirse alimpresionismo que también había inspirado. Se negó a participar en la exposición de pintores impresionistas de 1874, mientras que Degas, que se sentía parte del movimiento, expuso allí.

Cuando Degas le dio a Manet un retrato familiar con el pintor recostado en un sofá y su esposa al piano cubierta por la mitad por una tira de color, Manet se enojó y se lo devolvió. No había ninguna intención en Degas. En aquella época pintaba así, con los rostros y figuras recortados.

La exposición del MET muestra las interconexiones entre los dos artistas con "una cámara de combustión en el centro", en palabras del crítico de arte del "New York Times".

Rivalidad como éste o el de Matisse y Picasso alimentan la locomotora del arte. 

Kehinde Wiley|Un laberinto de poder

París, Museo del Muelle Branly Jacques Chirac, hasta el 14 de enero de 2024

En cada época hay un Jacques-Louis David para retratar con pinceles sobre un gran lienzo y con cierta pompa al personaje ilustre al frente de una nación.

Sin embargo, si hay que hablar de retratos de personajes ilustres, creo que sigue siendo insuperable la serie "Hombres de armas", los ocho frescos a tamaño natural de Donato Bramante en Brera o los de Andrea del Castagno en los Uffizi.

El artista contemporáneo que recuerda estas hazañas pictóricas es afroamericano. Kehinde Wiley (1977—), ya llamado por Obama para que su retrato pase a la historia.

En el Museo del Muelle BranlyWiley expone 11 coloridos retratos de jefes de estado africanos bajo el título “Laberinto de poder”.

Se trata de un proyecto en el que el pintor lleva trabajando 12 años. Recorrió África por todas partes para encontrar la forma correcta de representar a su clase dominante.

De esta obra toma forma la absoluta originalidad figurativa de Wiley, expresando la variedad, la opulencia, la suntuosidad y también el orgullo de África.

Una exhibición de poder, el de sus líderes, plasmada con colores vivos, escenarios refinados y amanerados cuya visión es como un sueño que transcurre en la selva tropical.

Max Beckmann: Los años de formación, 1915-1925

Nueva York, Neue galerie, hasta el 15 de enero de 2024

No es sólo la guerra lo que es atroz, "una masacre innecesaria y un gran crimen", como dijo el presidente Woodrow. 

El pintor expresionista alemán da forma y colores a esta verdad max beckman (1884-1950). Allá Nueva Galería en Nueva York le dedica una retrospectiva “Max Beckmann: Los años de formación, 1915-1925”.

Y pensar que Beckmann se había presentado voluntario para el frente occidental. En otoño de 1914 participó en la sangrienta batalla de Ypres. Unos meses más tarde fue dado de alta por agotamiento nervioso.

Ypres también fue un punto de inflexión para su arte. Desde los retratos y los paisajes hasta la forma en que sus pinturas comenzaron a adoptar cada vez más la figuración de Hieronymus Bosch, con lo grotesco del pintor flamenco virando hacia la desoladora ironía de las pinturas y grabados del alemán.

Se trata, por ejemplo, de la carpeta de diez litografías de 10 titulada “Inferno” (Hölle), parcialmente expuesta en Nueva York.

Aquí también se puede ver El Martirio, una litografía de 2019, donde el cuerpo sin vida de Rosa Luxemburgo tiene la disposición simétrica del sin vida de Cristo en el Deposición de la Cruz de 1917.

Vértigo del color: Matisse, Derain y los orígenes del fauvismo

Nueva York, Museo Metropolitano, hasta el 21 de enero

Il Metropolitano expone 65 obras de dos artistas protagonistas de un apasionante experimento con el color: Henri Matisse (1869-1955) y André Derain (1880-1950). El color se convirtió en el medio con el que adaptaron la realidad a su manera de verla y sentirla.

Y los tonos de color que utilizaban eran tan fuertes, vertiginosos y "inventados" que a muchos les parecían "bárbaros" si los comparaban con la "cortesía" de los grandes maestros del impresionismo. La paleta de Matisse/Derain dio vida a una pintura de imaginación más que de impresión. Por eso se convirtieron en los “fauves”. Y de fauvismo Nace el arte moderno.

Matisse y Derain son dos artistas muy diferentes, pero durante un breve verano de 1905 en el pequeño pueblo pesquero de Collioure, justo al sur de Perpignan, cerca de la frontera catalana, se encontraron y "miraron el horizonte [del Golfo de León] con el mismo estilo". lente”, escribe Wullschläger.

En ese verano de experiencias compartidas, Matisse y Derain eran tan contiguos artísticamente que es difícil distinguir las pinturas de uno de las del otro. El joven Derain, que entonces tenía 25 años, ya era intrínsecamente fauvista, pero Matisse, 10 años mayor que él, tuvo que superar fuertes condicionamientos derivados de su formación académica. Pero, siendo el gran innovador que fue, lo hizo de manera brillante. 

Fran Hals

Londres, Galería Nacional, hasta el 21 de enero de 2024

Amsterdam, Rijksmuseum , 16 de febrero al 9 de junio de 2024 

Berlín, Gemäldegalerie, del 12 de julio al 3 de noviembre de 2024

La Galería Nacional de Londres Expone, en ocho salas, una de las principales retrospectivas del pintor holandés Frans Hals (1582-1666). Luego continuará la exposición. Amsterdam y luego a Berlín por lo que podrá visitarse hasta el 3 de noviembre de 2024.

La retrospectiva consta de 50 de las principales pinturas del artista de Haarlem que revolucionó la forma de hacer este género pictórico.

Cuello Retrata a la burguesía de Amberes, Haarlem, Amsterdam y otras ciudades. Una clase empresarial que transformó a la joven República Holandesa del siglo XVII en una potencia mundial a nivel comercial y económico.

Hals pinta a estos hombres, mujeres y niños con un estilo pictórico suelto y espontáneo, directamente sobre el lienzo sin dibujar. El espíritu activo, práctico, dinámico y vital de esta burguesía queda plasmado con maestría en las pinturas del pintor, incluidas las de gran formato y las colectivas.

Hals ni siquiera desdeña retratar a la gente que abarrota las calles y tabernas de las frenéticas ciudades holandesas, una humanidad que da color y vida a estos lugares así como a los lienzos de Hals.

Van Gogh dijo de él: “pintó retratos, nada más que retratos… pero son tan buenos como El paraíso de Dante, los Miguel Ángel, los Rafael e incluso los griegos”.

Marcos Rothko 1903-1970

París, Fundación Louis Vuitton, hasta el 2 de abril de 2024

El estado de ánimo del mundo, como ciertas pinturas de Mark Rothko (1903-1970), tiende cada vez más a sombrearse hacia la oscuridad. Los grandes fondos de color bruñido, creados por el pintor báltico, generan una perturbación similar al luto. Ese sentimiento hacia el que nos empuja la imagen colectiva del mundo actual.

Y aquí, hasta el 2 de abril de 2024, podremos visitar la mayor retrospectiva del arte de Rotkho jamás vista. Se lleva a cabo en Fundación Louis Vuitton en París. Por sí sola merece la pena un viaje a la capital francesa.

La retrospectiva reúne Obras 115. Está ordenado cronológicamente y describe el recorrido del artista desde la experiencia figurativa de los años XNUMX hasta, pasando por el surrealismo, el expresionismo abstracto.

Rothko tenía una visión panorámica de sus obras incluyendo el entorno en el que se mostraban. En París se puede ver una de las Salas Rotkho, la construida para el coleccionista Duncan Phillips, inaugurada por John Kennedy en 1961 en Nueva York durante una tormenta de nieve.

Al salir de la exposición el visitante tendrá el impulso de dirigirse a Houston, Texas, para visitar la Capilla Rothko. 14 grandes murales negros en un espacio ecuménico y aconfesional construido con el aporte del propio artista.

Exposiciones de arte cerradas

Foco en Reynolds

Londres, Kenwood House, hasta el 23 de noviembre de 2023

cómo Vittore Carpaccio es la expresión pictórica del espíritu de iniciativa e ingenio mercantil de Venecia, por tanto obra de Joshua Reynolds (1723-1792) es la representación del espíritu de las grandes familias del siglo de los tres reyes Jorge (1714-1820) que vio el nacimiento del imperio y la revolución industrial.

Para conmemorar el 300 aniversario del nacimiento del artista de Plymouth, Kenwood House en Londres organizó una exposición gratuita, "Spotlight on Reynolds".

Las obras expuestas son pinturas de exponentes de la alta sociedad que también fueron sus clientes. También está el primer retrato, no relacionado con la esclavitud, de una persona de color, un polinesio llamado Mai.

En este notable trabajo de Galería Nacional, Reynolds parece incorporar ideas de la Ilustración del otro lado del Canal, como la del noble salvaje de Rousseau. Uno de los retratos expuestos es el de Lord Mansfield, el jurista innovador, cuyo fallo Somerset vs Stewart de 1772 puso a Gran Bretaña en el camino hacia la abolición de la esclavitud.

El pincel de Reynolds dio a los personajes mundanos, en estrecha competencia por posiciones de poder y negocios dentro de la corte georgiana, la dignidad de personajes legendarios y heroicos retratados en poses solemnes y sobre fondos escénicos. Raza superior legitimada por el art.

Habitación con vistas. Aby Warburg, Florencia y el laboratorio de imágenes

Florencia, Galería de los Uffizyo, hasta el 10 de diciembre de 2023

Florencia fue una epifanía para el brillante historiador del arte aby warburg (1866-1929), fundador de los estudios iconográficos. Florencia para él era una inmensa mina visual. 

El antiguo director de los Uffizi Eike Schmidt, junto con el Kunsthistorisches Institut de Florenz, el Max-Planck-Institut y el Instituto Warburg, trajeron a Florencia algunos paneles de una obra única concebida por Warburg: el Bilderatlas Mnemosyne (Atlas de imágenes de la memoria). ). 

Para crearlo, el estudioso alemán eligió y dispuso 917 imágenes en 63 grandes paneles (1,5x1,25 m) envueltos en lienzo negro, creando algo similar a un sitio web físico.

Cada panel desarrolló un tema y lo articuló en sus posibles conexiones que, como escribe Gombrich, "explicaron su visión de las fuerzas que determinaron la evolución de la mentalidad occidental". Los compuso como una telaraña de vínculos que atraviesa siglos, géneros y culturas en un palo de escoba.

En Florencia se exhibieron unos paneles con más de 100 fotografías, dibujos y documentos totalmente contextualizados con obras de referencia como la Primavera de Botticelli. De hecho, el panel de Warburg se encontró en la misma habitación que el manantial.

Van Gogh en Auvers-sur-Oise los días anteriores

Amsterdam, Museo Van Gogh, 12 de mayo al 3 de septiembre de 2023

París, Museo de Orsay, hasta el 4 de febrero

En los tres meses, del 20 de mayo al 29 de julio de 1890, Vincent Van Gogh (1853-1890) vivió en el pequeño pueblo de Auvers-sur-Oise, a 42 kilómetros de París. Aquí produjo una cantidad asombrosa de algunas de las pinturas más célebres, como el campo de trigo con el vuelo de los cuervos, el retrato del doctor Gachet, la iglesia de Auvers-sur-Oise, la cabaña entre los árboles, el jardín de Daubigny, el campo de trigo con segador.

La mayoría de las 70 pinturas creadas en estos tres meses cruciales se exhiben en el Museo de Orsay.

Van Gogh se había trasladado a Auvers-sur-Oise pocas semanas después de abandonar el asilo de St Remy, en Provenza, convencido de que su trastorno mental derivaba en parte del clima y del paisaje del sur y de que el verdor tranquilo del norte le ayudaría. ayudar a sanar.

Este pasaje está bien descrito en la película de Julian Schnabel de 2018, Van Gogh – Al borde de la eternidad (Prime Video), con un extraordinario Willem Dafoe nominado al Oscar y al Globo de Oro en el papel del pintor.

En París también se puede ver el último cuadro, Las raíces del árbol, pintado la mañana del 29 de julio de 1890 en el que el artista se quitó la vida. Pintura espesa, grumosa y retorcida como una raíz.

Vermeer

Amsterdam, Rijksmuseum , 14 de febrero al 4 de junio de 2023

En la pintura la fama de Johannes Vermeer (1632-1675) en el mundo es igual a la de Leonardo. Charles Swann, el protagonista del primer libro de La Investigación de Proust, es un estudioso de Vermeer. Y hay algunas páginas hermosas y famosas sobre el maestro holandés. En la obra de Proust, Vermeer es citado 15 veces frente a las 6 de Leonardo, las 11 de Botticelli y las 13 de Rembrandt.

Il Rijksmuseum Para esta exposición, ya agotada desde el segundo día como los conciertos de Taylor Swift, reunió 28 de los 37 cuadros conservados del pintor de Delf. Fue sin duda la exposición más esperada de la década.

Este pequeño corpus de obras se ha distribuido en 10 salas, permitiendo respirar a las pinturas y también a los visitantes, evitando aglomeraciones y permitiendo las paradas que requieren las minuciosas y minuciosas pinturas de pequeño formato de Vermeer para apreciar plenamente su valor y significado.

La exposición comienza con Vista de Delf con La calle de Delf al lado, el único otro cuadro de paisaje del pintor. Seguida por la Mujer leyendo una carta frente a la ventana y la Lechera. Etcétera…

El efecto es “monumental, casi vertiginoso”, escribe Wullschläger. 

Lisetta Carmi juega duro

Florencia, Museo Bardini, hasta el 22 de octubre de 2023

Lisetta Carmi: Identidades

Londres, Colección Estorick, hasta el 17 de diciembre de 2023

Formado como pianista y por tanto uno de los más grandes fotógrafos a nivel internacional, el genovés lisetta Carmi (1924-2022) falleció a la edad de 98 años en el verano de 2022. Una larguísima carrera con una experiencia cosmopolita que comienza en Génova, donde en los años 60 realizó reportajes sobre los trabajadores portuarios, los camalli, y también sobre Ezra Pound, de 12 años. retratos sin jamás intercambiar una palabra con el poeta.

En 1965 creó el famoso reportaje sobre los travestis del gueto judío de Génova, en el que Fabrizio de André se inspiró para una de sus canciones más famosas. 

Algunas fotografías de personas transgénero se exhibieron en Londres, en Colección Estorick, junto con algunos retratos de los trabajadores portuarios de Génova. 

la exposición de Museo Bardini Incluía 180 fotografías tomadas entre los años 1966 y XNUMX. En Florencia también hubo dos secciones inéditas dedicadas a la inundación de XNUMX y al compositor florentino Luigi Dallapiccola.

En una entrevista de 2019, Lisetta Carmi declaró: “Le di voz a los pobres, a los que no pueden hablar, que no tienen derecho a hablar. En todo siempre he fotografiado los últimos."

De hecho, gran parte de la obra fotográfica de Carmi documenta la condición social y humana de las clases trabajadoras.

Para Wullschläger Lisetta Carmi fue el descubrimiento de 2023.

Artistas en guerra

Turín, Museo Rívoli, 15 de marzo al 19 de noviembre de 2023

En el atrio del ático del Castello di Rivoli los dos comisarios de la exposición Carolyn Christov-Bakargiev e mariana vecellio han recopilado más de 140 obras de 39 artistas que estuvieron o están en situaciones de guerra.

La exposición cerró apenas unas semanas antes de ttrágicos acontecimientos del 7 de octubre en Israel y Gaza. Si también existieran las obras creadas después de esta situación bárbara, la exposición podría haber sido emocionalmente mucho más oscura y angustiosa.

Encontrarse en una situación de guerra, como vimos con Max Beckmann, puede significar mucho para un artista, como también se desprende de las obras expuestas en Turín.

Aquí es posible ver obras de artistas que vivieron en diferentes contextos bélicos, como Francisco Goya, Salvador Dalí, Pablo Picasso, Lee Miller, Zoran Mušič, Alberto Burri, Fabio Mauri, Bracha L. Ettinger, Anri Sala, Michael Rakowitz, Dinh Q. Lê, Vu Giang Huong, Rahraw Omarzad y Nikita Kadan.

El itinerario expositivo comienza, como no podía ser de otra manera, con los grabados de los Desastres de la Guerra, 83 grabados de Francisco Goya realizados entre 1810 y 1815. Uno de los documentos artísticos más destacados sobre la atrocidad y el horror. de guerra. Franceses matando a españoles y españoles matando a franceses. Una carnicería.

Felices vacaciones.

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