Ein relativ unbekanntes Werk von Helmut Newton ist die Bilderserie, die er von den Tänzern des Monte-Carlo-Balletts gemacht hat. Die über viele Jahre aufgenommenen Fotos waren für den Druck in den Programmheften und Sonderpublikationen des Theaters bestimmt, und Newton vergrößerte nur einige der Gründe, sie in seine Ausstellungen aufzunehmen. Seine Serie ist Ausgangspunkt und Dreh- und Angelpunkt dieser bis zum 20. September in der Stiftung zu sehenden Kollektivausstellung. Er schlüpfte in die Haut eines Theaterregisseurs und begleitete die Tänzer durch die Straßen von Monaco, auf die Stufen hinter dem berühmten Casino, in der Nähe eines Notausgangs eines Theaters oder nackt in seinem eigenen Zuhause. Mit Les Ballets de Monte Carlo interpretiert er daher eine kompositorische Idee neu, die sein Werk prägt.
Dieser Zusammenhang begegnet uns auch in der Arbeit von Bernd Uhlig, der seit vielen Jahren die Choreografien von Sasha Waltz fotografisch begleitet. Diese wurden nicht nur in klassischen Theatern, sondern auch in renommierten Museen unter anderem in Berlin und Rom aufgeführt, finden teilweise in deren Treppenhäusern statt. In der Zusammenarbeit von Bernd Uhlig und Sasha Waltz finden eine wahrhaft flüchtige Kunstform und ihre visuelle Materialisierung eine kongeniale Verbindung, bei der die Konzentration der Akteure und Traum- oder Trancezustände im Vordergrund stehen. Während Uhligs frühere (analoge) Arbeit längere Belichtungszeiten verwendete, um Bewegungen einzufangen, die zu Bewegungsspuren führten, zeigt er uns hier Nahaufnahmen von eingefrorenen Gesten auf der einen Seite und die gesamte Bühnenchoreografie, die in Sekundenbruchteilen auf der anderen Seite festgehalten wurde.
Vanessa Beecroft präsentiert nackte oder bekleidete Frauen in aufwändigen Tableaux Vivants, die oft in Galerien oder Museen aufgeführt werden, meist als öffentliche Veranstaltungen. Die Frauen, oft einige Dutzend, sind in einer Art Formation angeordnet und bewegen sich während der stundenlangen Aktionen in Zeitlupe. In Wirklichkeit passiert während der minimalistischen Choreografie fast nichts. Beecroft dokumentiert diesen Zustand der Stille in Bewegung fotografisch, und die zahlreichen Bilder der Performance transportieren den Prozess ins statische Bild. Hier sehen wir seine Performance VB55, die 2005 in der Neuen Nationalgalerie in Berlin gezeigt wurde, als lebensgroße Fotografien. Beecroft identifiziert sich mit seinen Protagonisten: Sie werden zu einem multiplen Alter Ego, von dem er nur einen natürlichen Gesichtsausdruck und eine ebenso natürliche Haltung beansprucht.
In seiner mehrteiligen Serie Viva España von 1976 ließ Jürgen Klauke nur zwei Personen miteinander interagieren: einen Mann und eine Frau, die sich auf einer dunklen Bühne in einem geheimnisvollen Tanz befinden. Typisch für einige spanische und südamerikanische Tänze, ist dieser Tanz auch von einem Hauch von Verführung oder Erotik durchdrungen. Von den beiden Protagonisten sehen wir nur ihre anonymen Körper: Während der Mann stehen bleibt, dreht oder lässt sich die Frau kopfüber um ihn herumdrehen. Das aufeinanderfolgende Ansehen der Sequenz erzeugt jedoch die Illusion von Bewegung. Klauke lässt die bekleideten und halbbekleideten Körper von Mann und Frau scheinbar ineinander übergehen. Dabei verwischt er die Grenze zwischen Weiblichkeit und Männlichkeit, was er in ähnlicher Weise auch in zahlreichen Selbstporträts tat, die er etwa zur gleichen Zeit von sich selbst anfertigte.
Erwin Wurm geht Klauke in Sachen absurden Humors noch einen Schritt weiter, wenn er die Leute um eine Mini-Performance vor der Kamera bittet. Für seine One Minute Sculptures interagieren Menschen mit Objekten, um die Straße und verschiedene Innenräume in eine Bühne zu verwandeln. Wurm entwirft kuriose Posen oder absurde Verrenkungen für Kollaborateure, gibt klare und einfache Anweisungen und gibt damit das Signal, die performative Aktion in statische Fotografien zurückzuübersetzen. Versuche, sich auf schmale Flächen zu legen, den Kopf an die Wand zu drücken oder auf dem Rücken liegend zwei Tassen auf den Füßen in der Luft zu balancieren, sind nicht immer erfolgreich. Wer sich auf dieses ungewöhnliche künstlerische Experiment einlässt, muss sich natürlich mit seinen körperlichen Grenzen und seinen Grenzen der Bescheidenheit auseinandersetzen.
Barbara Probst überrascht seit Jahren mit ihrer spielerisch-experimentellen Mischung aus klassischer Streetfotografie, Portrait, Stillleben und neuerdings auch Mode. Seine Fotografien organisiert er in Diptychen, Triptychen und gelegentlich in wandgroßen Tableaus aus einem Dutzend Einzelbildern. Sie haben immer denselben Titel – Ausstellungen – und sind durch eine Bildnummer sowie Drehort und Drehdatum gekennzeichnet. Das Datum wird tag- und minutengenau angezeigt. Fotografieren Sie dieselbe Situation gleichzeitig mit mehreren Kameras aus unterschiedlichen Winkeln, die exakt gleichzeitig durch Funkwellen ausgelöst werden. Die von den Kameras aufgenommenen multiplen gleichzeitigen Perspektiven werden dann sozusagen platt gemacht, sobald sie an die Wände des Ausstellungsraums gehängt werden.
Auch Viviane Sassen arbeitet vor allem mit dem menschlichen Körper. Manchmal erwischt sie ihn für ihre experimentellen Modebilder in extremen Verrenkungen. Er choreografiert und inszeniert die Körper seiner Modelle auf unerwartete Weise, indem er beispielsweise ihre Haut einfärbt oder sie durch Schatten verdeckt, gespiegelt, von Objekten überlagert und oft abstrahiert, indem er die Bilder beschneidet oder rahmt. Gelegentlich wird die allgemein gültige Ordnung von oben und unten vertauscht, was beim Betrachter zu einer Orientierungslosigkeit führt. Sassen fordert uns als Zuschauer heraus und wirft Fragen über banale Plattitüden auf. Als ehemaliges Model kennt sie beide Seiten, vor und hinter der Kamera. Wie sie einmal in einem Interview sagte, war es ihr durch ihre fotografischen Arbeiten möglich, die Macht über ihren eigenen Körper zu beanspruchen.
Seit den 90er Jahren irritieren Inez und Vinoodh die Modewelt seit den 90er Jahren mit surrealen Bildern. Zu ihren Techniken gehört die digitale Bildmanipulation, mit der sie die Körper von Männern und Frauen verschmelzen. Inez und Vinoodh erweitern nicht nur die Grenzen gängiger Darstellungsweisen, sondern auch die Grenzen der Realität. Andere Male veränderten oder kombinierten sie die Geschlechter und Hautfarben ihrer Protagonisten radikal. Als solche verkörpern ihre Bilder die Überschreitung von Grenzen, und dies verbindet sie mit Newtons früherer Strategie, den „guten Geschmack“ in Frage zu stellen und ihn subtil, aber bewusst „aus dem System heraus“ visuell herauszufordern. Ebenso schießen sie Zeitschriften-Editorials und arbeiten direkt mit einer Reihe bekannter Designer zusammen und zählen mit ihren ikonischen Bildern zu den einflussreichsten zeitgenössischen Fotografen.
Auch bei Cindy Sherman begegnen wir einem Gefühl der Ambiguität. In ihrer ersten kleinformatigen Schwarz-Weiß-Serie Untitled Film Stills Ende der 70er-Jahre spielte sie immer wieder neue Rollen als Schauspielerin. Obwohl sie wie unspektakuläre Beobachtungen aus dem Alltag wirken, sind sie tatsächlich bewusst inszeniert, mit der Künstlerin als Hauptfigur. Sherman führte den Rollenspiel-Gedanken in ihrer Arbeit fort und maskierte sich später in ihren unbetitelten, farbenfrohen Selbstporträts aus dem Jahr 2000 hinter dicken Make-up-Schichten und Perücken, Masken oder Brustimplantaten. Ihre Spielchen mit Verwandlung, Tarnung und Repräsentation gehören selbstverständlich dazu viele filmische Referenzen: Einige Porträts wirken explizit wie Filmstills, mit einer alternden Schauspielerin, die in einem noch zu drehenden Film mitspielt.
Auch Yang Fudongs Schwarz-Weiß-Fotografie ist vom Medium Film inspiriert, insbesondere vom Film Noir der 60er-Jahre und noch früheren Shanghai-Filmen. Fudong scheint mit seinen melancholisch gefärbten Aktfotografien an eine zeitlose Vergangenheit zu erinnern; Auch in seinen Filmen begegnen wir Erzählungen, die ähnlich geheimnisvoll sind. Eine solche offene Zurschaustellung von Nacktheit gilt in weiten Teilen der chinesischen Gesellschaft auch heute noch als Provokation. In Fudongs New Women-Serie sitzen oder stehen eine oder mehrere nackte Frauen in einem spärlichen, aber luxuriösen Studioset. Die weiblichen Models – sowohl in den Standbildern als auch im Film – erinnern an Brassaïs Prostituiertenporträts aus dem Paris der 30er Jahre, die eine wichtige Inspirationsquelle für Newtons spätere ambivalente Modefotografie waren. Die Ausstellung Body Performance schließt somit den Kreis durch eine Vielzahl von Ansätzen über verschiedene Kulturen und Zeiten hinweg.
In den 70er Jahren drehte Robert Longo seine Fotosequenz Men in the Cities auf dem Dach eines Wolkenkratzers in New York City, die er später als großformatige Kohlezeichnungen neu interpretierte. Auf diesen Bildern sehen wir Menschen, die von der Kamera in unnatürlichen Posen eingefangen wurden. Sie scheinen wild zu tanzen oder stellen Szenen aus amerikanischen Western, Kriegs- oder Gangsterfilmen nach, etwa wenn jemand in einen Kugelhagel zu fallen scheint. Tatsächlich war es ein solcher Film aus Fassbinders „The American Soldier“ von 1970, der Longo zu dieser Serie performativer Bilder inspirierte. Auf dem Dach seines Lofts weichen seine Models Gegenständen aus, die sie schwingen oder auf sie werfen, während Longo fotografiert, wie sie zu Boden fallen oder verdreht liegen.
Robert Mapplethorpe hingegen choreographierte in dem hier gezeigten Bild nur eine Person: die ehemalige Bodybuilder-Weltmeisterin Lisa Lyon, die sich selbst als Bildhauerin ihres eigenen Körpers bezeichnete. Wir sehen sie 1980 nackt auf einem Felsen im kalifornischen Joshua-Tree-Nationalpark liegen. Die harte Oberfläche des Felsens kontrastiert mit ihrer weichen Haut, während ihre gewaltige Kraft zu Lyons muskulösen Beinen passt. In diesem unkonventionellen Outdoor-Setting präsentiert uns Mapplethorpe eine ballettartige Choreographie. Alles kann zur Bühne werden: ein Zusammenspiel von Sehen und Gesehenwerden. Etwa zur gleichen Zeit arbeitete Newton mit Lyons in Kalifornien und Paris zusammen. Mit dieser im wahrsten Sinne des Wortes „starken Frau“ schließt sich in der aktuellen Ausstellung Body Performance ein weiterer Kreis.
Rollenspiel und körperliche Transformation begegnen uns in dieser Ausstellung als zeitgenössische fotografische Perspektiven auf die unterschiedlichsten visuellen Aspekte von Körper und Bewegung. Beim Betrachten dieser Bilder tauchen Fragen auf, wie wir von anderen und von uns selbst, von unserer Identität und vom Kollektiv wahrgenommen werden.
Quelle: Helmut Newton STIFTUNG
